あばん

UADの対抗馬がやってきた！

もーだん

これはスタメン入りの予感がするよ！

IK MultimediaのSunset Sound Studio Reverb IIがリリースされました。
前作から愛用していた身としては、これはかなり嬉しいアップデートです。

そして、実際に使ってみると単なる後継機ではなく音作りの自由度が増していて「別物」と言っても良いほどに進化を遂げていました。

今回の記事では、まず特徴をサラッと整理したうえで、
前作との違い、UADのOcean Way Studio DXとの比較、そして実際に使ってみた率直な感想を中心に書いていきます。

Ocean Way Studio DXについては動画も上げているので是非ご覧ください。

特徴の整理

まず、今回のSunset Sound Studio Reverb IIの特徴を、ざっくり短くまとめるとこんな感じです。

27ポジション・336IRデータ
各ルーム内で音源を置く位置を細かく選べるようになり、実測されたIRデータも大幅に増量。
つまり、同じ部屋でも「どこで鳴っているか」をかなり細かくコントロールできます。

2基の独立リバーブエンジンを並列駆動
2つの異なる空間設定を同時に重ねられます。
これがかなり大きくて、単純なリバーブではなく、空間のレイヤーを作る感覚で使えるようになっています。

Sizeコントロールとダンピング
残響の長さだけでなく、空間そのもののスケール感や、部屋の吸音状態まで調整可能。
「ただ長くする」だけではない、より立体的な空間設計ができます。

EQやコンソールモデリング
リバーブ単体の音だけでなく、質感や厚みまで作り込めるのが強み。
API系とNEVE系のキャラクターを使い分けることで、同じ空間でも印象がかなり変わります。

あばん

かなり進化してるのが分かるね…！

もーだん

UADに対抗意識あるんだろうね…

前作と何が違うか

前作はLIVE ROOMの3番が非常にお気に入りでした。
コントロールノブもかなり少なく、センドで送って音量バランスを整えるぐらいの明快な使い方でした。

今回、進化した点で言うと「音作りの自由度」が格段に上がりました。

・どこに音源を置くか
・どれくらい部屋成分を出すか
・どれくらい吸音された空間にするか
・2つの空間をどう混ぜるか

と言うところまで設計出来るようになっています。

つまり今作では、部屋そのものを設計&演出するプラグインになったという感じです。

ネガティブな面

しかし、それらは裏を返せば「迷いやすくなった」と言うことでもあります。

前作の場合は、1～3番のROOMを切り替えて合わなければ別のプラグインを試してみるというシンプルな操作性ゆえの決断の速さがありました。

しかし、今作になって一気に自由度が増えたので、

「こうしたらもっと合うかも」
「このポジションならどうだろう」
「Room 1とRoom 3をどう組み合わせるといいか」

などの試行錯誤の余地が生まれました。
もちろん、ポジティブな要素ではあるのですが、人を選びそうな進化だと感じました。

ポジションの考え方

このプラグインの面白さは、グリッド上のポジション移動にあります。

大事なのは、位置を動かす＝単純に音量や残響時間が変わる、ではないということ。
変わるのは、主に下記の5つです。

・反響の出方
・残響の密度
・距離感
・部屋鳴りのまとまり
・定位の感じ方

ざっくりした感覚としては、こう捉えると分かりやすいです。

手前
リバーブは控えめで、近くに感じる。
メイン楽器向きで、前に出したい音に合います。

中央
バランスが良い。
その部屋で録っている感覚がいちばん出やすい位置です。

壁寄り
反射が早く返ってきやすく、密度感や色付けが増えます。
定位も少し寄りやすく、キャラクターが出ます。

奥
部屋成分が強くなり、遠近感が出ます。
空間に包まれる感じを出したいときに向いています。

残響感の変更の方法

とは言え、手前と奥とで、そこまで残響感が明確に変わるかと言うと個人的には微妙な部類だと思っています。

「もっと大きくて長い響きが欲しい」
「広い空間を感じたい」

という時にはポジションよりDecayとSizeの影響が大きいと感じました。
このプラグインを使う上で結構大きなポイントだと思います。

あくまでこのスタジオの空間の中で「どの場所に鳴らすか」を決めるものですが、DecayとSizeは、残響そのものの印象を変えてくれます。

逆に、短く圧迫感のある残響が欲しいなら、ISOブースを使ったほうが狙いやすい場面があります。

ISOブースが意外と重要

使ってみて思ったのが、「残響を近くしたい」「短くしたい」と思っても、通常のルームでは限界があります。

圧迫感や音の厚みを出すという意味では、ポジションを手前にするよりISOブースを使う方がより好ましいです。

残響感はほぼ無く、質感を変えてくれる感じに近いというか、UADの「RE-MIC」に近い気がします。

後述するリバーブの並列駆動(デュアル設定)時に片方ISOブースを入れておくと異なる空間がレイヤーされてより、生っぽい音の響きにすることが出来ます。

UAD Ocean Way Studio DXとの比較

ここは多くの人が気になるポイントだと思います。
結論から言うと、完全な上位互換ではないです。
ただし、既に十分な対抗馬である、というのが率直な感想です。

動かす「モノ」の違い

決定的に違うのは、UADは「マイク」の位置を動かしますが、今作は「音源」の位置を動かします。

これによって何が変わるかと言うと、UADは変化量がかなり明快です。

3組のマイクがどの距離で音を拾い、どの音量で出すのかがコントロール出来て、所謂リバーブとして距離感を作るのはこちらの方が上手です。

一方で、前述した通りSunset Sound Studio Reverb Ⅱは、残響感のコントロールは出来ますが、そこまでハッとする感じではありません。
どちらかと言うと質感や、そのスタジオの空気感や生々しさや色気を底上げするタイプのように感じます。

この楽曲への「溶け込み方」が好きかどうかで評価はかなり分かれそうです。
派手な変化を求めるならUAD。
スタジオの空気感そのものを楽しみたいならSunset Sound II。
と言う印象を感じました。

CPU負荷について

率直に言うと、UADのOcean Way Studio DXは、使っていてまじで重いです。
多用したいプラグインではあるんですが、挿す前に必ず上書き保存したくなるレベルでヒヤヒヤします。

それに比べると、Sunset Sound Studio Reverb Ⅱはだいぶマシです。
体感でも数値上でも1.5〜2倍くらい重い印象です。

とは言え、前作よりかは多少重くなっています。
画像で「TR5」と頭に書いてあるのが前作です。

単なるリバーブであればセンドで使うので多少重くても良いのですが、トラックに入れて質感を変えるのであれば、せめてこのぐらいに抑えていて欲しいです。

デュアル設定の使い方

前述した通り、このプラグインの面白さをもっとも実感しやすいのが、2基の独立リバーブエンジンを組み合わせる使い方です。

① ISO近め＋長めのプレート

これはボーカルにかなり使いやすいです。
ISOで近さを残しつつ、プレートで存在感と艶を足すイメージ。
歌を前に出したまま、少しリッチにしたいときに向いています。

② ROOMタイト＋チェンバー

これはドラム向きです。
ルームで芯を残しつつ、チェンバーで空気感を足すと、打ち込みでも一気に“録音物”っぽくなります。
タイトなのに薄くならないのが良いところです。

③ ROOM1近め短め＋ROOM3遠め長め

これは空間のレイヤーをはっきり作りたいときに便利です。
近い部屋で輪郭を残して、遠い部屋で奥行きと余韻を足すことが出来ます。

この手の組み合わせは、単発で聴くと地味でも、ミックス全体ではかなり効きます。
特に初心者〜中級者の人ほど、こういう2段構えの空間作りは試す価値が高いです。

個人的にはかなり好きです。
正直、前作が好きだった人ほど、今作は素直に楽しめると思います。

Ocean Way Studio DXのような劇的な変化を求めるか、
Sunset Sound Studio Ⅱのような自然な空気感とスタジオの色気を求めるか。
ここは好みが分かれるところですが、少なくとも十分な対抗馬であると感じました。

CPUの負荷も実用的なラインに収まってくれているところも非常に高評価です。

あばん

UADがおばけ過ぎるという説はあるけどね…

もーだん

それぞれの良さがあるんだよね…

そして何より、
前作が好きだった自分にとっては、ちゃんと「続編として嬉しい」完成度でした。
この系統のプラグインが好きな人には、かなりおすすめできます。

外部サイト(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

次はMV生成編だね…！

もーだん

正直かなりのアップデートだよ！

前回の音楽生成編の記事と動画、かなりの反響を頂いております。

前回の動画でも告知した通り、今回はTUNEEのMV生成機能がどのように進化したかを、アップデート内容と実使用レビューを交えて詳しく解説します。

去年の11月の時点で既にTUNEEは「曲と一緒にMVを生成できる」機能を持っていました。
今現在そのMV生成機能が一体どこまで進化しているのかをお届けしていきます。

アップデート内容の整理

2026年3月:TUNEE 2.0登場

TUNEE 2.0にアップデートされたことで、MV生成エンジンも大きく刷新されました。
従来は「MV生成」というより「動画生成のオプション」に近かったものが、MV制作を意識した一連のプロセスとして整理され、非常に使いやすくなっています。

公式からの情報を要約すると下記のようになります。

この辺りが、TUNEEが「曲を生成するAI」から「MV制作まで一貫して支援するAIエージェント」に近づいた大きな転換点と言えるでしょう。

あばん

動画制作面でのアップデートが…

もーだん

かなり多く入ってるんだね…！

2026年4月:Seedance 2.0 への正式対応

Seedance 2.0は、2026年現在「動画生成モデルとしては最強クラス」とされる2K対応のモデルで、非常に話題となっています。

前回紹介したように、TUNEEの音楽生成がMureka V9 や Lyria 3 Pro などの高品質モデルが出揃ってきたタイミングで、それに見合う高品質な動画生成が求められていました。

以前まではSora2が動画生成のメインを担っていましたが、それが消えた今、救世主的に登場しTUNEEの進化を支えているのがSeedance 2.0 という背景もあります。

MV生成の機能・使い方

実際にTUNEEのMV生成を使ってみて、まず感じたのは「生成パターンの選択肢がかなり豊かになった」という点です。

4つの生成パターン

前述しましたが、現在は4つの生成パターンが用意されています。

個人的には「ワンクリックMV」が一番使いやすくこれしか使わなくて良いと思っています。
いわゆる王道のMV生成モードで、後述する実際の検証もこのモードで行っています。

私は、映像のアイデアや脚本を細かく考えるのが正直、得意なタイプではありません。
チャットGPTや他のAIを使って、企画を考えられないことはないのですが、どうしてもずれが生じてしまいます。

それが、TUNEEのプラットフォーム内で「ワンクリックMV」を実行すると、
・音楽の歌詞
・曲のトーン
・作曲時のプロンプト
などをTUNEEが勝手に読み取ってくれて、それをもとに世界観を揃えたMV案を提案してくれます。

つまり、音楽側の世界観が動画側にちゃんと受け継がれている状態が、かなり自然に実現できています。

他のモードの説明

●フリースタイルMV
このモードは最初のイメージを伝えてMVを生成していくモードです。
結局、これ以降のワークフローは「ワンクリックMV」と同じになるので、「こういう映像にしたい」という明確なイメージがある人はこっちから始めても良いかも知れません。

●モーションコントロール
既存の動画（ダンスや振り付け）を素材として、それを元に動画を生成するモードです。
自分の振り付け動画や、素材サイトのダンス動画などをアップロードして、それに合わせてキャラクターを動かすことができます。

●ショート
完全お任せの作業工程が「ショート」なモードです。
キャラクターと自分のイメージを伝えたら、動画の生成が一気にスタートします。
一番お手軽ではありますが、自由度は低いという感じです。

3つのクリエイティブモード

MV生成のプロセスとして、TUNEE 2.0では大きく3つの「クリエイティブモード」を用意しています。

過去のTUNEEでは、MV生成の選択肢として、
・ナラティブ：話があるストーリー形式
・ダンス：ダンス中心のアイドル系MV
の、2種類からどちらかを選ぶ形が主流でした。

現在のTUNEE 2.0以降は、
ストーリー → 以前のナラティブ寄り
ビジュアル → 美しい映像・雰囲気に寄ったもの
リップシンク → 歌わせるタイプ
という構成に整理され、ダンス動画専用のモードは無くなりました。

個人的には「ビジュアルモード」でも踊らせることは可能ですが、
以前のように「百発百中で踊ってくれる」という印象は薄れているように感じます。

そのため、ダンス動画を高い精度で作りたい場合は、

●生成回数を増やして「ガチャ」を回す
●「モーションコントロール」で、既存の振り付け動画を用意する

といった工夫が、現状では必要であると感じます。

30種のビジュアルスタイル

MV Agentでは、ビジュアルスタイルが 全部で30種類 用意されています。
その中で、私はリアリティのある質感を好むため、実写系のスタイルを多用しました。

これによって、出来上がりの風合いは大きく変わりますし、TUNEE側でもある程度モデルに沿ったプロンプトに寄せて生成しているように感じます。
つまり各スタイルによりビジュアルや世界観のクセがある程度固定されています。

私が陥ったのは「Ancient photography（古写真）」スタイルです。
非常に雰囲気のある良い質感なのですが、これを選択すると、プロンプトで指定していなくてもAIが「古代中国」のような世界観を勝手に補完してしまう傾向があります。
そのような世界観を狙っていない場合は、プロンプトで背景や衣装を細かく指定して「引っ張られないように」コントロールする必要があります。

あばん

現代のキラキラ系アイドルを作りたかったのに…

もーだん

古代中国王朝みたいな雰囲気になったんだよね…

実践的なワークフロー

MVクリエイティブスクリプト

TUNEE 2.0のMV生成で、個人的に一番「便利になった」と感じるのが MVクリエイティブスクリプト の柔軟さです。

細かい画像で申し訳ないです。

上記の画像では、ビジュアルスタイル「Cinematic Teal & Orange」を選択したので、カメラの質感の定義付けや各カット割り、キャラ・背景や世界観を考えて提示してくれます。

ここで、修正したい部分があれば、日本語で修正内容を書き込むことで、新しいスクリプトを生成してくれます。
この修正や微調整の手軽さがTUNEE2.0の本当に特筆すべき強みだと思います。

私が行った修正例は、
「青色系のキラキラのアイドル衣装にして」
「2～5秒単位でのカットをもっと増やして」
「世界観は深海と宇宙と星空」
みたいな感じです。

「MVを作る」という作業が「具体的な映像イメージ」にかなり近づくのでやりがいを感じるし非常に楽しい部分です。

ビジュアル&ストーリーディレクター

TUNEE内では、MV制作に「ビジュアルディレクター」と「ストーリーディレクター」という機能が追加されました。
これは、以下の流れをTUNEEで完結させるための重要なブロック達です。

・画像生成
NanoBananaなどの画像生成モデルで、キャラクターや背景を作成する。

・画像を元に動画生成
その画像を元に、ストーリーディレクターでカット割りごとに動画を生成。

・動画をつなぎ合わせる
最後に生成された複数の動画クリップをつなぎ合わせて1本のMVにする。

以前のTUNEEでは「途中で画像を差し替える・修正する」操作が出来なかったため、運任せに生成ガチャを引くという部分が大きかったです。

しかし、2.0以降は、画像生成・動画生成のどの段階でも、微調整が行えるようになっています。

また「ストーリーディレクター」では気に入らないカットだけを再生成できるため、世界観やキャラの一貫性を保ちながらリソースを無駄にせずにMVを改善できます。

あばん

本当に画期的！マジでスゴイ！

もーだん

これだけで一気にMV生成が楽になるよ！

これまではMV全体を再生成するか、別ツールで動画編集しなければならなかったため、
ここまでの柔軟性は、かなり大きな進歩です。

また、
・一度作ったMVを「ベース」としたり
・プロンプトを少しずつ変えたり
・数パターン試行したり
といった使い方も、ストーリーディレクターを使うことで実現しやすくなっています。

完成品の確認

正直な辛口レビュー

正直に言うと不満と言える不満はほぼありません。
私は相当使い込んでいる方だと思いますが、その状態で不満がほぼ無いのでほんとにすごいツールだなと思います。

その上で敢えて言うのであれば…と言うような重箱の隅をつつくような辛口レビューを一応お伝えしときます。

MVクリエイティブスクリプト以降の編集難易度

前述したように各工程で修正や再生成が出来るとお話ししました。

例えばストーリーディレクターの時点で、修正を行うために「プロンプトを編集」のボタンが用意されています。

しかし、それをいざ開いてみると、既に用意された英文のスクリプトが並んでいて、私のような人間には修正の難易度が非常に高くなったように感じてしまいます。

「下手に弄るの怖いなぁ」の気持ちが先行してしまうので、私は「再生成」をするだけにとどめています。

ここがもっと簡単になれば、さらに表現の幅が広がるように感じました。

あばん

本格的なプロンプトが並んでるね…

もーだん

これはちょっと弄るの怖いよね。

リップシンクモデルの好み

リップシンクMVには、
・WanTune 2.7
・Infinite Talk
の2モデルが用意されています。

これはTUNEE側の問題ではないし、完全に好みの領域ではあるのですが、個人的にはWanTune 2.7の方が好みです。

カメラの動きがダイナミックで被写体の表情もスムーズで自然だと感じました。

一方、Infinite Talkも悪くは無いのですが、カメラ固定で演出がやや単調になっているようにも感じます。

クレジットコストと料金プラン

生成MVの仕上がりが良くなった一方で、気になってくるのが「クレジットコスト」です。

TUNEEの他に、Seedanceを扱えるプラットフォームのDreamina AIと本家のSeedanceを比較してみました。

TUNEE → 1秒9～19クレジット
Dreamina → 5秒生成で95 or 120クレジット
Seedance本家 → 12秒で60クレジット

で各720p動画を5秒生成で計算してみました。

その結果一番TUNEEが最安という結論になりました。が！！

個人的に1秒9クレジットで生成出来ているという感覚はあまりなく、30秒の動画生成に300～400クレジットほど消費しているイメージです。

もちろん、動画生成だけではなく、それまでのプロンプトの構築やキャラクターの画像生成なども入ってくるので正確な数値ではありませんがそれも加味して再計算してみます。

そもそも1秒9～19クレジットとかなり幅が拾うので、実体験の中でおよその概算として中央値を「1秒12クレジット消費」として再計算しました。

それでも最安タイと言う衝撃の事実です。
再計算したのは、「音楽も作れて、本家より安い訳なくね…?!」と言うのが私の正直な気持ちだったからです。

まぁ、思い当たる点としては「1か月のみの単月プラン価格」で比較した部分です。

年額プランにすれば半額だったり、1週間の無料お試しプランがあったりと考慮しだすとキリが無いと感じたので一番わかりやすい状態で比較させて頂きました。

無料プランの使い勝手

TUNEEの無料プランでは毎日150クレジットが配布されます。
これは翌日に持ち越すことは出来ないタイプのクレジットです。

なので、10～15秒の短いMVであれば1日に1～2本は生成可能です。

しかし、以前のSora2では「30秒動画が46クレジット」と破格のコスパだったのでそこと比べるとやや見劣りするかも知れません。
しかし、Sora2と比べて劇的に品質や使い勝手が向上しているのでこれを機に上位プランの契約はアリかも知れません。

あばん

以前が破格過ぎたんだよね…。

もーだん

他社と比べても全然高くないもんね…。

TUNEE２.0の進化まとめ

前回の検証から半年足らずで、TUNEEは「機能・質・ワークフロー」のすべてにおいて別次元へと到達したと感じています。

TUNEE 2.0 の強み
一貫性： 音楽制作から映像制作まで、一つの世界観（プロンプト）で完結できる安心感。
編集性： 絵コンテ段階で修正を加えられる、プロ仕様のワークフロー。
コスパ： 高性能モデル「Seedance 2.0」を、他社よりも安価に、かつ「音楽と同期した形」で利用できる点。

音楽生成側のモデル（Mureka、Lyria 3 Pro など）、MV生成側のモデル（Seedance 2.0）も非常に高品質なものが揃っていて、現状無敵と言って差し支えないでしょう。

無料で使うにはやや窮屈になった印象は拭えませんが、有料プランで見ると、TUNEEは、現在の選択肢の中では、コスパ・品質・安心感のバランスが非常に良いと、率直に感じます。

しかし、このAI業界は進化のスピードが凄まじく勢力図が一瞬で塗り替わります。
より高品位のモデルが出てきた時や別の意味での価値(MIDI編集機能など)を持つAIが出てきた時にどう対応するのか非常に見ものではあります。

私も解説するのが非常に大変ではありますが、これからも動向を追いつつ、制作活動を楽しみたいと思います。

「動画」

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さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

おお！また新しい音楽生成AIですか！

もーだん

今回のはどうだろうねー！

最近のAIの進化には本当に凄まじいものがあります。
先日公開したTUNEEの動画も多くの方に見られていて、感謝すると共に、皆さんの関心の高さを伺えます。

しかし、多くのツールは「ボタンを押して完成した曲を聴いて終わり」というある種エンタメ的な消費に留まっているのも事実です。

今回は、MusicCreator.aiが提供する多機能ツール群が、果たして音楽家の良きパートナーになり得るのか、それともただの「多機能なおもちゃ」で終わるのかを検証していきます。

大きな流れとしては、生成→MIDI編集→マスタリングのフルフローが一貫してるか試していきます。

そして検証した内容は以下の通りです。

MusicCreator.aiさんから提供を頂いて使い込んで来たので、忖度なしでレビューしていきます。

独自AIとUIの第一印象

こんな感じのUIなのですが、プロンプトや詳細設定の見た目が正直SUNOにそっくりです。

「中身SUNOなんじゃない？」という声がありそうですが、中身は「独自開発AI」とのことで、SUNOもAPIを公開してないはずので最初は戸惑いました。

しかしよく考えてみると、大手最筆頭のSUNOの使い慣れた操作感で扱えるということは、ユーザーにとっては学習コストを抑えられる大きなメリットです。

またトップページにはメインの音楽生成ジェネレーターだけでなく色んなツールへの入り口が用意されています。
今回、個人的に楽しみにしている「MIDI編集」もここから触っていくことが出来ます。

生成曲デモ

実際にいくつかのプロンプトで生成してみましたが、曲の完成度は「まぁまぁ実用的」と言ったところです。

ポイントとしては

・音楽理論への忠実さ: カノン進行や4-5-3-6進行といった、いわゆる「王道」のコード進行をしっかりと押さえています。メロディや構成に不自然さがなく、そのままBGMとして流しても違和感がありません。

・良さと弱点: 非常に整っている反面、サビの爆発力やフックの強さには欠ける場面もあり、人によっては「少し退屈」と感じるかもしれません。

・「グッとくる」瞬間: しかし、7〜8曲に1曲ほど、AI特有の「そこに行くか！」という意外性のあるメロディが生まれます。

下記は、同じプロンプトで生成したSUNO、TUNEEとの比較音源です。

やはり、SUNOの完成度、TUNEEの安定感が目立ちますがMusicCreator.aiも引けを取っている印象はありません。

あばん

どのAIが作ったかのブラインドテストとか…

もーだん

わかる気がしないよね…。

ステム分離の精度

私にとってかなり重要な「ステム分離」。
ここが想像以上に良かったです。

何故なら「最大12トラック」で「使える精度」だったからです。

通常、この価格帯のツールでは「ボーカル、ドラム、ベース、その他」の4トラック程度が限界です。しかし、MusicCreator.aiは業界筆頭のSUNOと同様の12トラック分離を実現しています。
ここからもかなりSUNOを意識して作られているんだなと感じることが出来ます。

分離トラック数が多いとMIDI変換の精度も上がるし、最悪うまく変換できなかったとしても耳コピが非常に楽になるという恩恵があります。

あばん

ここは予想外だったけど…

もーだん

結果的に1番の推しポイントだね！

MIDI編集とワークフロー

一方で、期待外れだった点も隠さずお伝えします。
それがMIDI変換と編集ページです。

AI MIDIジェネレーター

AI MIDIジェネレーターは各楽器のフレーズをMIDIで生成してくれるツールです。

いくつか生成してもらいましたが、現時点では「そこまで衝撃的ではない」というのが本音です。ピアノやギターのトラックを作ってもらっても、印象に残るフレーズは少なく、そのまま曲に入れ込めるかというと微妙です。

AIオーディオMIDI変換

また少し深いところに「MIDIスプリッター」というツールがあります。
これはオーディオをステム分離してMIDIに変換してくれると言うもので非常に期待していたのですが、微妙でした…。

と言うのも、このツールの場合、ステム分離が4トラック（ボーカル、ドラム、ベース、その他）なので多くの楽器が「その他」にまとめられてしまい、DAWへのスムーズな引き継ぎは困難です。

分離されたドラムのMIDIノートも、ツッコミどころが多すぎて「？？？」が脳内から消えませんでした。

・キーマップがぐちゃぐちゃ
・実際はC2がキックだが全部タムで拾われている
・そもそもビートが拾われていない

現在、SUNOもDAWに近い機能（SUNO Studio）を実装していますが、MusicCreator.aiのMIDI周りは「これからの進化に期待」という段階です。

ニッチなツール群

このプラットフォームには、他にも多くのツールが詰め込まれています。
パッと見ただけで、誰もが戸惑うほどの多くのツールが内包されています。

しかし、その中でもきらりと光る「良い感じのツール」があったので紹介します。

AIマスタリング

正直、劇的な変化!!と言うほどではありませんがひとつのプラットフォーム内で出来ることに一定の評価をあげたいです。

ワークフローとしても、リファレンス音源をアップロードして未マスタリング曲をアップロードするだけです。
周波数特性とラウドネスを近づけてるんだろうなーぐらいの印象でした。

Lo-Fiコンバーター

これは非常に面白いです。

BPMを落とし、ノイズを乗せ、フィルターをかけてるだけの単純な仕組みです。
しかし、その質感が絶妙で思わず「ふふっ」と笑みがこぼれる楽しさがあります。

あばん

本当に単純なツールだけど…

もーだん

引き込まれるものがあるよね…

ノイズジェネレーター / スピードツール

非常にニッチですが、音響工作的な視点で見ると質感の良さが光ります。

ノイズジェネレーターは環境音や各ノイズをミックスすることが出来ます。
ダウンロードすれば1分間のWAVデータとして入手できます。

スピードツールは、音源をアップロードするとスピードを変更できます。
無料でどこにでもあるようなツールですが、わざわざそれの為にアプリを落とす必要もないので、ふとした時にサラッと触ることが出来ます。

こうした「遊び心のある小道具」が揃っているのが、このツールの魅力です。

総評と競合比較

結論として、MusicCreator.aiは以下のような立ち位置になります。

SUNO「一発で感動したい」「歌としての完成度を優先したい」時の安定選択肢。

TUNEE「思いがけない曲に出会いたい」時のパートナー的選択肢。

MusicCreator.ai: 「AIの素材を解体し、自分の手で再構築したい」時の作業場兼、遊び場。

現状、1つ1つのツールが独立している印象は拭えませんが、その「手札の多さ」は圧倒的です。
これが一つの有機的なワークフローとして統合された時、恐ろしいツールに化ける予感がします。

あばん

競合も進化して行くからねぇ…

もーだん

どんな化け方をするか楽しみだよ！

未来への期待

今回触ってみて、曲の完成度も悪くないし、ツールの多さと言う点では評価に値します。

しかし、完成された「完璧な音楽スタジオ」と言う感じではなく、無限の可能性を秘めた「おもちゃ箱」と「作業台」と言う印象です。
なので初心者というより、より音楽を知っている玄人好みのツールのような気もします。

もっとMIDI周りが大きな進化を遂げてくれたら、DAW要らずみたいな要素が出てくれば一躍業界筆頭になれると思います。

ツール紹介

毎回忘れそうになるのですが、MusicCreator.aiの紹介をしておきます。

プランとしては上記の通りです。
無料プランもありますが、月2曲という生成制限があるので少し窮屈かもしれません。

しかし、スピードツールやBPM検知ツールなどクレジッド消費無料のツールもあります。
まずは自分の耳で、その「素材」の質を触って確かめてみてください。

MusicCreator.aiの無料トライアル体験はこちら

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
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あばん

TUNEEのアップデートが凄まじいね！

もーだん

出来ることがほんとに増えたよね！

前回の記事や動画が大好評で本当に多く見て頂いています。
この場を借りてお礼申し上げます。

そこから約半年経ってTuneeは怒涛のアップデートを重ね、ついに9モデル体制＋Tunee 2.0へと進化しました。

それはもはや「音楽生成ツール」という言葉では収まらない大きなプラットフォームになりつつあります。変化があまりにも多いため、今回は音楽制作編、次回はMV制作編の2本に分けてお届けします。

主要アップデート時系列

前回の2025年11月から現在の2026年4月までで、Tuneeはステム分離→モデルエコシステム→Tunee 2.0→3つの新モデル追加と、半年で革命的な進化を遂げました。

主要アップデート内容

2025年12月、TUNEEは「エコシステム拡張」を宣言しました。
これまでの音楽AIが「プロンプトを投げたらあとは運任せ」だったのに対し、現在のTUNEEは「複数の専門AIが連携して1つの曲を構築する」という、いわばハイブリッド生成へと移行しています。

これは後述しますが、内部で複数のAIが複合的に動作をしている可能性があり、個性的でバラエティに富んだ楽曲の生成に一役買っていると考えられます。

他にも3つの特筆すべき進化内容は下記の通りです。
・出力速度の劇的向上: 生成速度は約1.7倍に高速化。ストレスを感じさせないテンポで試行錯誤が可能です。
・サウンド量子化精度の向上: デジタル臭さが軽減され、特に高域の空気感や低域のタイトさが改善されました。
・5つの主力モデル体制: Mureka V9、Lyria 3 Proを筆頭に、用途別のモデルが明確化。

あばん

めちゃくちゃ進化してるんだね…

もーだん

AIの成長速度には目を見張るものがあるよ。

モデル別の特徴比較──5種を正直に語る

今回の記事のもっとも重要な部分である、5種類のモデル比較です。

TUNEEの面白い所はモデルごとに作曲の「癖」や「思考」が全く違うことです。
それによって、個性的な楽曲が生まれたり自分に無いアイデアを発見したりできます。
実際は生成ガチャによっての比較検討なので一概にそうとは言い切れない部分もありますが、私なりの生成を繰り返して見えてきた、各モデルの特徴についてお届けします。

Mureka V9：完成度が高く「グッとくる」

もっとも印象が強いのは、Mureka V9です。

現在は有料メンバー限定のモデルではありますが、個人的に「曲として気持ちよく聴ける」、前回の言い方を借りると「グッとくる」モデルです。

・アレンジが自然で説得力がある
・退屈さが出てこない
・ボーカルの譜割りに不自然さが少ない

曲としての完成度が軒並み高く非常に推せるモデルです。

ボーカルの表現もかなり魅力的ではあります。
AI感もかなり薄れていますが、日本語ボーカルについては、まだ違和感が出ることがあります。
発音が自然とは言い切れない瞬間や、言葉のつながりが少し引っかかる場面は残ります。
なので、ここは「完成した歌」として見るというより、楽曲イメージを立ち上げるための素材として見る方が相性がよさそうです。

あばん

さすがフラッグシップモデル！

もーだん

これに頼めばまぁ安心って感じだね！

Lyria 3 Pro：構造力とボーカルのリアリティ

次に印象が強いのがLyria 3 Proです。

4/10に追加された最新モデルで、公式の説明では、intro、verse、chorus、bridge、outroのように、セクション単位で構築できることが明示されています。

公式としては、楽曲の設計士として、「最初は良いのに途中が微妙」や「曲としての骨組みが弱い」などの生成AIならではの弱点をここで補えるモデルという立ち位置なのでしょう。

しかし個人的に大注目なのは、ボーカルの表現力とリアリティです。
声質という点においては今回の5種類の中で圧巻です。

感情の乗り方、声のニュアンス、フレーズの揺れ方、どれをとっても現時点のTUNEEで最も人間らしい歌声を出してくれます。

・楽曲の完成度
・ボーカルのリアリティ
・骨組みの構成力

これらを意識した時にめちゃくちゃ使えるモデルで、前述のMureka V9と双璧をなす圧倒的な存在感を感じました。

あばん

これめちゃくちゃ良いんだよね。

もーだん

さすがGoogle製って感じだね。

Minimax 2.6：制御性重視、表現の幅はやや狭い

MiniMax 2.6の最大の特徴は、KeyとBPMをカスタム設定できる点であると公式の発表があります。

ただ、そこに関しては他のAIモデルでもやってやれないことは無いと思うので特段大きな差別化ポイントになっているようには感じないというのが正直なところです。

・AI生成曲と分かりやすいクオリティ
・ボーカルがかなり大きくミックスされる　
・楽曲構成が毎度似てくる

「日本語ボーカルの発音のクセ」や「イントロにスキャット入りがち」など、良く言えば扱いやすい、悪く言えば少し想定内に収まりやすい、というモデルです。

ある程度条件を決めて生成するのが得意で、プロンプトに追従する能力は結構高めです。
空間系の響きを出さずにドライな曲を作ってと依頼した時にもちゃんと追従してくれたのはこのMinimax 2.6のみでした。

ACE-Step 1.5：エレクトロ/EDMに寄る傾向

ACE-Stepはオープンソース系のモデルで、最大10分という圧倒的な長尺生成が特徴です。

しかし実際に使ってみると、プロンプトにかかわらずエレクトロやEDMに寄っていく傾向が強く、使い所をかなり選びます。

表現力については、極端に悪いわけではないものの、突出している感じはそこまで強くなく凡庸と言った印象です。

・長尺のBGM生成
・エレクトロ/EDM系の楽曲

この辺りの使用感であれば立ち位置を生かせるモデルですが、繊細な歌もの、自然なボーカル、幅広いニュアンスやジャンルという方向ではあまり力を発揮できず使う人を選ぶ気がしました。

あばん

まぁ悪くは無いんだけどね…

もーだん

AI感もそれなりに出ちゃってるのがね…

TemPolor v4.5+：中の上だが、良コスパ

TemPolorは、完成度で見れば突出しているという感じではないものの、コスパが圧倒的に良いという評価です。

人による部分ですが重要な視点で、「不安定な最高峰の一発」か「安定感のある量産」かのどちらを取るかによってこのモデルの評価は変わって来そうな気がします。

もちろん、十分に使える、十分に整理されている楽曲ではあるので「激レアSSS」楽曲が生まれる可能性もあります。

・クオリティよりもまずは量
・クレジット消費を抑えたい
・プロンプトの検証

このあたりに重きを置く人は非常に頼りになるモデルになります。

モデル比較まとめ表

ただし、日本語ボーカルの発音においてはどれも完全ではありません。
どのモデルでも不自然な日本語があり、上記は「表現力」「自然さ」という面で評価をしています。

別途、歌詞をひらがなにしたり、生成を繰り返すなどの修正がかなりの頻度で必要になります。

内部動作の謎について

ここで大事なのは「モデルごとの差をどう受け止めるか」ということです。
それぞれの得意分野や優れている点を自分の制作意図と照らしながら使い分けをしてくのが非常に大事です。

Mureka V9は、完成度と聴きやすさが強い。
Lyria 3 Proは、構造とボーカル表現が強い。
Minimax 2.6は、制御がしやすい。
ACE-Stepは、特定ジャンルに寄せやすい。
TemPolorは、コストを抑えながら回せる。

この見方をすると、Tuneeは「一つのAI」ではなく、複数の作曲思想を持つ制作環境として見る方が実態に即しているのではとも考えられます。
実際、出力の雰囲気やクオリティにばらつきがあったり、「Murekaを選んでいるのに、時々Lyriaっぽい動きをする」というような感覚に陥ることがあります。

これは単に不安定というより、内部で複数の処理が絡んでいる、あるいはフォールバック機構のようなものが働いている可能性も含めて、ブラックボックス性の高いシステムとして受け止めるのが現時点では良いと思います。

あばん

モデルの変更が上手く行ってるのか…

もーだん

不安になったりするんだよね…

プロはどう使うべきか

ステム分離について

TUNEEは生成した楽曲を6つのステム（Vocal, Drums, Bass, Piano, Guitar, Other）に分離できます。

これはSUNOと比べるとかなり少なく、必要最小限と言ったところです。

実際に各パートを聴いてみるとステム分離の精度はさほど高くありません。
MIDI変換もかなりしづらそうなのが分かります。
これから進化する可能性も大いにありますが、TUNEEの強みは楽曲全体の完成度やそのバラエティの多さにあると再度感じます。

作編曲の「学習」

前述したような「バラエティの多さ」に付随して様々なアレンジの可能性を引き出してくれるのがTUNEEの強みで、音楽家の良き相棒となりえる一面です。

上記の曲は生成した時にBメロで転調をしてくれました。
「転調はサビでするもの」という固定観念を吹き飛ばすものでしたし、サビ終わりから２Aに向けての戻し方もおお！！っと思えるものでした。

このような「作曲・編曲の発想」という点で非常に学びになる部分は多いです。

あばん

そうなると競合とのSUNOとの違いは…？

もーだん

その辺を次項で見てみよう！

SUNOとの違い─正直な比較

TUNEEとSUNOは、同じ「AI音楽生成」でもアプローチがまったく異なります。
両方を使い込んだ上で、正直に整理します。

楽曲の完成度

まず大事な要素として、楽曲の完成度が挙げられます。

純粋な楽曲クオリティという点ではほぼ互角という評価です。ただしモデルによって差があり、TUNEEのMureka V9やLyria 3 ProはSUNOのトップクオリティと十分に渡り合えます。

しかし、他のモデルだとSUNOの方が一歩上を言っていると言っても仕方ない部分はあるでしょう。

クリエイティブの引き出され方

SUNOは「こちらが要求したことに応えてくれる」ツールだと感じています。
その分、プロンプトを熟考したりある程度の音楽知識が要求されたりします。
なので、自分の想像の範囲内にあるものを高精度で出してくれるという印象です。

一方でTuneeは、こちらが曖昧なイメージを投げても、会話型AIを基に複数の方向に展開してくれる感じがあり、自分が思いついていなかったアイデアや方向性に引っ張っていってくれる「頼もしさ」があります。

ここがTUNEEの強みで、「会話から予期しない展開」と「複数モデルでの個性」が上手くかみ合って生成自体にワクワクがあり「グッとくる」要素になりえています。

個人的には共存が正解

結論として言えば「どちらかを選ぶ」よりも「両方使う」が正解だと感じています。
MV生成などのワークフローはまた別で語るとして、音楽制作という面で言えば、この2つはライバルであると同時に良き共闘関係であると言えます。

個人的に最強のワークフローは、
→Tuneeで発想と制作の間口を広げる。
→出来上がった曲をSUNOに読ませる。
→アレンジを磨いて最大12トラックのステム分離。
→DAWに落としてMIDI変換して自分なりにアレンジ。

このTUNEE→SUNO→人間のリレーが一番精度が高くワクワクできる曲作りの流れだと感じています。

もちろんこれはDTMでのリアレンジが前提なので万人に向くとは思いませんが、プロアマ問わず作曲家にとっては非常に有効なワークフローになり得ます。

別の動画で説明したFender Studio ProのMIDI変換も活用できるので是非試してみてください。

どんな人におすすめか？

どんな人におすすめかと言われると、「まじで全員」です。

しかし、これでは解像度が粗すぎるのでもう少しかみ砕くと、

何か新しい作曲の入口が欲しい人
DTMの補助として使いたい人
AI生成の検証が好きな人
アレンジの発想を広げたい人
Sunoとは別の軸も見ておきたい人

などかなり広い層に向いていると言えます。

これに加えて、

初心者→会話型でプロンプト不要
プロ音楽家→アレンジ学習＋作業効率化
YouTuber→MV一貫制作
など、さらに多くの人にとって扱いやすいと考えられます。

あばん

ほんとに巨大なプラットフォームだね！

もーだん

使用用途が広いってのが良いよね…！

「音楽制作の民主化」

ずっとTUNEEが掲げているビジョンに「音楽制作の民主化」があります。
それは音楽だけでなくMVにも派生して多くの人が自分の表現を簡単に追求できる世界でもあります。

僕たち音楽家にとってそれは喜ばしいことなのかは分かりませんが、全世界のわくわくの総量が増えていると考えればあながち悪い世界ではないようにも思います。

音楽生成AIの現在地を知る、という意味でも、実際に作ってみて、モデルを聴き比べて、再現性や実運用のしやすさを確認する価値はかなりあります。
当然各モデルは進化を続けていくのでこれからもかなり楽しめそうな気がしています。

今回紹介したTuneeは、その検証に向いた題材として、かなり面白い段階に入っていると感じました。

ぜひ気になったら使ってみてください。

MV制作編の記事も楽しみにしていただけると幸いです。

TUNEE体験はこちら

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

待望の新プラグインが来たね！

もーだん

さてさてどうなる事か…？

XLN Audio DB-30が投入してきたドラム特化プラグイン。
兄弟分としてロングセラー製品のRC-20があり、その見た目や操作性を踏襲していることがよくわかります。

しかし、昨今は「プラグイン大飽和時代」です。
オールインワンドラム特化然り、歪み・コンプレッサー・リバーブなどの個別単位然り、「他のプラグインでも同じこと出来るんじゃない？」と言うのが正直な感想です。

と言うことで、今回は、「簡単で劇的」という価値がアリなのかナシなのかを軸に、DB-30の長所と短所を表裏一体の関係として整理していきます。

先に結論を言うと、個人的には結構好きです。

製品概要

素晴らしいドラムを作るための秘訣。

たっぷりと塗っても、ほんのりと加えるだけでもOK。繊細な風味から大胆な変化まで、DB-30はドラムサウンドをあらゆる方向へと導きます。
ドラム処理を、スピーディーに、楽しく、そして刺激的に。風味、パンチ、そして個性を数秒でプラス。DB-30 Drum Butterは、迅速な実験、素早い意思決定、そして素晴らしい結果という、実際の作業スタイルに合わせて設計されています。
ドラムループ、ドラムマシンのパターン、またはライブドラム録音にドロップして、ノブを回してみましょう。

外部サイト(Plugin boutique)

「簡単で劇的」ってアリ？ナシ？

メイン操作としては6つのモジュールで完結できる設計になっています。
後述するプリセットも豊富なので、好きなものを選んでメイン下部のノブを捻るだけで好みの音に激変していきます。

プリセットを変えていくだけでだいぶ雰囲気が変わります。

適用する周波数やエフェクトの強さを決めたりすることは直感的には可能ですが、一方でコンプレッサーのアタック・リリースやリバーブの詳細設定などを細かく作り込む機能は備わってはいません。

いつもであれば、こういう製品に対して「中級者・上級者には物足りないかも」と言いたくなるところですが、今回はそれほど感じませんでした。
「これで必要十分」という声が出てきそうな完成度がありよくこのUIでまとめられたなぁ、と言う印象です。

あばん

RC-20で見慣れてるのかな？

もーだん

だとしたら似せてきたのは良い判断だね。

加えて、どれだけ激しくいじってもオートゲインで簡単に出力音量を調整できるので、やりすぎを防げる設計も好印象です。

「Boom shack」と「Shift」ってアリ？ナシ？

他のドラム系プラグインではなかなか見かけないモジュールです。
私も最初は戸惑いましたし、特に「初心者」や「バンド系ユーザー」には耳馴染みがなく苦手意識を持つ部分かもしれません。

一方で、エレクトロやビートメイク系のユーザーにとっては、あえて音を壊す・崩す表現のための武器になりうると感じました。
むしろ、「このモジュールだけでも買いです！」と言う声があっても何も不思議に思わないぐらいの出来です。

Boom shack

Boomはキックにサブベースを追加して重厚感を与え、Shackは主にスネアに個性的なノイズを追加して新しい質感や抜けの良さを作ってくれます。

あばん

6つのモジュールの先頭だよね！

もーだん

いきなり生まれ変わらせるんだね！

特にBoomはキックの増強に大きく貢献してくれそうで期待大です。

今執筆しながら思ったのですが、Shackの適用周波数をBoomと同じにすれば、低域を増強しつつ、ノイズ追加で高域の抜けも良くなると言う最強キックができるのでは…？

Shift

Shiftは入力オーディオの周波数とフォルマントを上下にシフトさせることができます。
実際に使ってみて、印象が真っ二つに割れそうなモジュールだと感じました。
面白そうではあるが飛び道具的な使い方しか浮かばないというか…。

あばん

何となく理解はできるけど…？

もーだん

どう使えば良いかわからない…

各パラメーターの解説は割愛しますが、個人的におすすめの使い方は、

Freq(左)側にスライダーを振る
Targetをサスティン(右)側に振る
Focusをキックの低域に合わせる
メインノブを少しマイナス方向(10〜11時)に振る

こうすることによってキックが締まったような感じが得られます。
ずしっとくる重たいキックを作りたい方は是非試してみて下さい。

ミックスで使うのはアリ？ナシ？

正直、「精密」で「精緻」なミックス作業には向いていません。
他パートとの棲み分けやバランス調整、クリーンな処理という意味であれば、まだArturiaのMix Drumsとかの方が向いている気がします。

外部サイト(Plugin boutique)

もちろんミックス工程に全く使えないということではありませんが、このプラグインが出てくるフェーズはもっと前の「作曲」「音作り」「アレンジ」の段階です。

あばん

エンジニア向きというより…

もーだん

作曲家向きのプラグインだね！

なので、「音を加工したい」「ドラムをカッコよくしたい」「音からインスピレーションを得たい」というアプローチの人には非常に刺さります。

ドラム以外のプリセットはアリ？ナシ？

プリセットは260種類以上用意されておりかなり豊富です。

個人的にはなんですけど、キック専用とかスネア専用とか、他の楽器用のプリセットがズラッとあると引いちゃうというか使いにくいと感じてしまうタイプです。

しかしこのDB-30に関しては、多少は用意されているもののそこまで多くなく、ドラムバスやループ素材をまるごと激変させるタイプのプリセットが中心になっています。

あばん

これほんと助かるんだよね…。

もーだん

バスに挿すことが多いからね。

一応ベース用のプリセットを試してみました。

まぁ…可もなく不可もなくと言ったところでしょうか。

また前作のRC-20はユーザーコミュニティがとても活発で、海外では自作プリセットの無償配布や公式アップデートでのプリセット追加もあったので同様の流れが期待できます。

将来的な拡張性という観点から見ても、長く使い続けられるプラグインだと感じています。

結構好きです…///

私が作る曲は歌ものが中心で破壊的なドラムをガンガン使うタイプでは無く「バンド系」の曲が多いです。
しかし、今まさにドラムで悩んでいる曲があるので早速使ってみようと思っています。

あばん

今までとは別のアプローチで…

もーだん

曲の印象が変わりそうだよね！

前述したように将来的なアップデートやユーザー増加によってTIPSや小技も充実してくるはずなので成長が楽しみなプラグインです。

公式サイトからデモも出来るので気になった方は体験＆検討してみて下さい。

公式サイト

外部サイト(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

遂にアップデートが来ましたか！

もーだん

こういうツール本当多くなったよね。

自動爆速作曲ツールのMelody Sauce 2がバージョン3にアップデートしました。

以前はメロディ中心だったが今作ではコードやベースラインも生成できるようになり、さらなる作曲補助ツールとして活躍の幅を広げてきた印象です。

すでに多くのメディアでアップデート内容や各操作方法について解説されています。
なので、その辺はさらりと触れつつ、本記事では実践的な使い方についてお届けして行きます。

内容としては以下の通りです。
実践的な使い方
どんな曲が作れるのか？
正直に語る短所と注意点
アップデートすべきかどうか？

先に結論を言うと
アップグレード → 強く推奨
新規購入 → 初心者はアリ、中級者は要検討
用途 → メイン作曲ではなくアイデア補助が最適

となっています。

製品概要

メロディー、コード、ベースを1つのプラグインで実現
Melody Sauce 3を使えば、DAW内で独自のメロディー、コード進行、ベースラインを直接生成できます。強力な新機能と全く新しいインターフェースを備えたメジャーアップグレード版です。音楽理論は一切不要です。ジャンルを選び、スタイルを選択したら、パッドをクリックするだけで、コードとベースとともに独自のメロディーが生成されます。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

Melody Sauce 3の実践的な使い方

1.アイデア出し

まぁこれが一番想定されてる使い方でしょう。

今回のアップデートによってプリセットや内蔵音源数、リズムパターンが膨大に増えました。
しかもそれなりに聴けちゃうぐらい品質が良いので、少し手を加えるだけで作曲がグングン進みます。

あばん

コードもベースも瞬時に生成されるんだよね…

もーだん

気に入ったものが出来るまでガチャれるよ！

重要なアップデートとしてMovementとChord Fitコントロールが追加されて、ある程度生成の方向性をユーザー側が決定できるようになりました。
歌もののメロディとして使うより、BGMなどの量産に向いていると感じます。

個人的には生成メロディをメインとして使う場合は、Movementはdynamic、Chord FitはRelaxedがおすすめです。

2.曲を盛り上げる裏メロ

個人的にはこの使い方がすごくおすすめです。
つまり作曲途中の曲に追加して楽曲全体の賑やかしに使うという方法です。

前述のMovementとChord Fitコントロールが搭載されたとはいえ、少し味気なかったり退屈だったりするものが出来ちゃったりもします。
しかしそれは、オブリガート（裏メロ）として使えばメインを邪魔しない良い塩梅の隠し味になったりもします。

そこから新しいアレンジの発見やセクションの展開を見つけるきっかけになったりします。

作曲中の中に入れてみました。
だいぶ聞き応えが変わるし、「ドロップ的に追加しようかな」「落ちサビで試してみようかな」と、楽曲の骨子は変える事なく新しいリメイクがここで出来るというのは非常に嬉しいです。

あばん

こっちバージョンの曲も聞きたくなるもんね。

もーだん

メインで使わないのがオススメの使い方！

ここではMovementはdynamic、Chord Fitは3種類どれでもいいと思います。
Strictはコードにバチっと沿うのでやや退屈だけど邪魔しない感じ。
Relaxedはスケールをなぞるだけじゃない新しい響きが生まれやすいです。

正直に語る注意点と短所

ドラムは作曲時から必須

まずは注意点ですが、ドラムの有る無しで作曲時の気分の乗り方が全然変わって来ます。
平凡に聞こえていたのにビートに乗せた途端に印象が変わるというのはザラです。

先ほどまでのデモ動画でも先にループ素材を貼ってから、生成をして合うものが見つかったらキープというのを繰り返していました。

つまりこのプラグインは作曲時の初手で使うべきじゃなく、ドラムパターンが決まったとか、骨組みが出来た後に中身を充実させていくために使うべきだという事です。

融通が効かないところ多数

音価（音の長さ）が調整できない
Swingのハネ具合が調整できない
ノートを追加できない
コード追加が煩雑
パッと思いついたのはこの4つです。

これが何気に結構ストレスでした。
まぁMIDIで書き出す前提の製品なので仕方ないかと思いつつ、それによって見逃した良いメロディもたくさんありそうなのがモヤモヤするポイントです。

あくまでも「叩き台」として使って、最終仕上げはDAWでどーぞ、という感じです。

内蔵音源をそのまま使えない

これは結構驚きました。
MIDI Outputをあれこれ触ってみたのですが、結局出来ず…。
（右下にMIDI Modeというのがあったのですがこれはまた全然違うやつでした。）

やり方知ってる、私出来たよ！という方がいらっしゃいましたら是非ご教示ください。

あばん

せっかく音源が増えたのに…

もーだん

パラアウト出来ないんじゃ勿体無いね…

多分要望の多い機能だと思うので、搭載されるのも時間の問題のような気がしますが、これからのアップデートに期待しましょう。

買うべきか？アップグレードは？

アップグレードはすべきです。
イントロセールで29ドルとかなり安くなっています。

新規購入は、初心者であれば検討の余地はありますが中級者以上は少し悩むところかもしれません。

画期的！絶対導入！の強いポイントは無くはないですが、それ以上に中級者にとっては操作性に融通が効かずストレスが溜まってしまうような気がします。

また、難しいのがデモ版は提供されておらず、7日間の返金対応となっています。
先に購入する必要があるので気軽に試す事ができるかと言うと正直微妙です。

なのでアップデートは推奨ですが、新規購入に関してはお財布や自分の作業環境との相談が必要になってきます。

手ぐせから脱却せよ

このようなツールは往々にして「神曲」を自動で生成してくれる物ではありません。

むしろそういう用途であれば「SUNO」を使った方がより「神曲」に近いものはできると思います。

じゃあなぜ使うのか？というと、
新しいジャンルを開拓するため
創作を楽しむため
自分で「神曲」を作るため
だと思います。

使ってみて、結局DAWに貼り付けてピアノロールで編集しなおしたり、再度音源を当てがったりする必要はどうしても出てきますが、上記のためであればなんて事ない作業です。

これからのアップデートに期待せざるを得ない部分もありますが、自身の創作のためにこのようなアイデア補助ツールを持っておくのは良い判断だと思います。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

動画も作りましたのでよければご覧ください。

あばん

遂に…!!こんなかっこいい比較を…

もーだん

僕のちゃちな耳でどこまでいけるか…

ミックスの勉強を始めると、必ずと言っていいほど耳にする「SSL」というブランド。
伝説的なコンソールを生み出し、現代では他のプラグインメーカーもこぞってSSLをモデリングしたプラグインを開発しています。

最も有名なのは「SSL 4K E」というモデルですが、他にも「B」や「G」と言ったシリーズもあり、ノブのカラーが違うと音のキャラクターも変わるというなかなかに初心者泣かせのプラグインでもあります。

そして、いざ調べてみると

「4K Bって何？ EやGと何が違うの？」
「どれを買えばいいの？ 全部必要？」
「使い方が分からなくて、立ち上げても何も変わった気がしない」

こんな疑問を持ったことはありませんか？
この記事では、本家SSLが出している3種類の4Kプラグイン（4K B・4K E・4K G）を初心者向けに徹底比較します。

最初に結論を言うと、
「E」はアグレッシブでパンチのある音。
「G」はハイファイで抜け感のある音。
「B」ビンテージで濃密な音。
と言う評価です。

「何が違うのか」「どれを選べばいいのか」「どう使うのか」を、集めた情報と個人的な見地から実際に使いながら解説していきます。

SSL 4000 E

外部サイト(Plugin boutique)

4K E プラグインは、4000E コンソールのチャンネルストリップを忠実に再現したソフトウェア エミュレーションです。歴史上最も高く評価され、影響力のあった音楽制作ツールの一つである 4000E のサウンド、処理、ワークフローを忠実に再現します。1979 年に発売された 4000E コンソールは、音楽制作の方法を大きく変える重要な役割を果たしました。その力強く迫力のあるサウンド、高度な処理ツール、そして画期的な柔軟性により、瞬く間に世界のトップスタジオで選ばれるツールとなりました。4000E コンソールは 80 年代から 90 年代にかけてスタジオシーンを席巻し、その時代を象徴するアルバムやトラックのサウンドの象徴となりました。多くのプロデューサーやエンジニアは、このコンソールが「現代的な」制作技術の進化と現代音楽のサウンドに大きな影響を与えたと考えています。  

特徴

ロックやパンクの定番サウンドを形作ったEシリーズ。
特徴は「どこにでも使える万能さ」と「多彩なEQオプション」です。

Eシリーズには上記画像のように3種のEQタイプ（Brown/Black/Orange）が設定されています。
これらはEQカーブや倍音特性がそれぞれ違うため異なるキャラクターを付与することができます。

パンチ感や中音域の存在感が増すため、使っていて非常に気持ちいいです。
海外掲示板でも「シリーズ内で一番万能」「ヴィンテージカーブと歪みが音楽的」と高い評価を得ています。

あばん

「音楽的な作用」って言うのを…

もーだん

改めて感じられるよね！

使えるジャンルも幅広くRock・Pop・R&Bなど、歌もの系にもしっかり合います。
いわゆる「SSLの音」と言う定番サウンドを求めている方はこれがあれば大丈夫です。

デモ音源

以前Waves系の動画で使ったプロジェクトを流用して、SSL 4Kシリーズで色付けしました。

ガツっと前に出て各パートがエネルギッシュになりました。
前述したEQオプションは「黒色」の持つ「タイトさ」が非常に好みでした。

只々、自分が気持ち良くなるように自由にEQを施したつもりなのですが、それでも破綻せずいてくれます。

EQセクション

このシリーズの特徴である各EQタイプの変化を確認します。
ノブ上の数値は同じですが、EQカーブが全く違うことがわかります。

デジタルアナライザーを見ながらミックスするのも大事ですが、ノブを直感的に回す大事さを改めて知りました。

SL 4000 G

外部リンク(Plugin boutique)

Solid State LogicのSSL 4K Gプラグインは、SSL 4000 Gチャンネルストリップの決定版です。オリジナルの設計者によって、当時のサウンドを忠実に再現するために開発されました。Pink ‘292’とBlack ‘242’EQのコンポーネントレベルに至るまで、詳細な回路モデリングと、よりタイトで洗練されたサウンドのダイナミクスセクションを備えた4K Gは、史上最高のレコードに隠された象徴的なサウンドを堪能できます。

特徴

前述のEシリーズを受け継ぎ「最高傑作」となったGシリーズ。
その特徴は「ハイファイな艶」と「洗練されたサウンド」です。

「洗練されたサウンド」の理由として新設計のピンクノブとVCAフェーダーによるよりハイファイな倍音特性によるものです。

一応オプションとして、前述のブラックノブも付いていますので「E」と「G」の2台のいいとこ取りをできていると言えばそうなのかも知れません。

デモ音源

前述のEシリーズが、「音を塊で出してくる」印象なのに対して、「分離感と存在感」を感じさせるのがGシリーズです。
汚れると言う感じはあまり無いですが、その分ミックス内で行われる出したり引いたりの「整理」に向いている印象です。

海外掲示板のレビューでも「ミックスが締まる」「アタックが出る」「デジタル素材に合う」と言う評価が多く、その一方で「クリーンであるが故に冷たく感じる」と言う意見もありました。

EやBシリーズと比べて、と言う意味だと思うのですがそれなりに歪みは出ているので「クリーンさ」の売り言葉は「洗練された」と言う言葉に変換するのが良いかも知れません。

EQセクション

このシリーズを語る上で欠かせないのが「プロポーショナルQ」と言う特性です。
これは、ブーストやカットの量を大きくするほど、Qの幅が自動的に「鋭く（狭く）」なる機能です。

（むしろ他の帯域を下げることで急なスロープを作り、Qが狭まっているかのような印象を与えているように感じれる）

つまり、ある特定の音をピンポイントで操作出るので「派手」「効きが良い」と言う印象を感じやすいです。
また曲中での「抜け」や「輪郭の強調」が出来ますが、音楽的破綻と背中合わせなのでブーストのしすぎには要注意です。

個人的には、Gシリーズは「洗練されたサウンド」でありながら音作りに関してはかなりアグレッシブに働く印象です。
見た目は清楚なのに、実は裏でかなりやんちゃしているお嬢様的な印象といえば伝わるでしょうか…？

あばん

変な癖が出てるよ…

もーだん

そのぐらいアグレッシブに効くってことだね…！

SL 4000 B

外部リンク(Plugin boutique)

SL 4000 Bは1976年に発売され、ロンドンのタウンハウス・スタジオの「ストーン・ルーム」で使用されたことで有名です。このコンソールは、フィル・コリンズの「イン・ジ・エア・トゥナイト」、バグルスの「ビデオ・キルド・ザ・ラジオ・スター」、ピーター・ガブリエルの「イントルーダー」など、数え切れないほどの伝説的なレコードを生み出しました。4K B プラグインは、SSL 360° プラグイン ミキサー エコシステムとの優れた統合と専門的にモデル化されており、SL 4000 B チャンネル ストリップの本格的なエミュレーションであり、トーン、パンチ、豊かな非線形アナログ特性を備えています。

特徴

前述までのシリーズの前身となったビンテージなBシリーズ。
その特徴は、「圧倒的な太さ」と「ビンテージ感」です。

SSLシリーズの原点となった音はキックやベースなどの低音処理に関する評価が非常に高いです。
コンプレッサーの挙動もSSLバスコンプを踏襲しており細かい設定はしにくいものの特徴的な接着感が低域処理やバストラックへ相性が良いです。

万能とは言いづらいですが、荒々しいロック、HipHop、Lofi系などハマれば唯一無二の味を出し、一部にスパイス的に使用することもオススメです。

デモ音源

使ってみて思ったのですが、メーター以上に大きく太く聴こえます。
各パートの存在感があるのにピークは低いので音圧を上げやすい結果となりました。

ただ、かなり汚れやすくメリハリが消失してしまいがちとも感じました。

なのでトラックごとの色付けの濃さを調節していくか、EやGの別シリーズを使用してコントラストを出していくのをオススメします。

また、Bシリーズのみの特徴としてコンプ部に「ディエッサー」の設定が用意されています。
動画のボーカルに適用しましたが結構好みの効きです。

あばん

明るすぎるトラックなんかに

もーだん

積極的に使って行きたいね！

EQセクション

他のシリーズと違って非常にシンプルな作りになっています。

迷える範囲が少ないので柔軟性が低いとも言えますが、初心者の方にとっては扱いやすいと感じるポイントでは無いでしょうか。

コンプ部もシンプルであることから、このBシリーズは「濃厚な色付け」に特化していると割り切って考えると扱える場面が増えると感じました。

ここまでのまとめ

ここまでの3つをまとめると以下のようになります。

ここが冒頭で言った、

「E」はアグレッシブでパンチのある音。
「G」はハイファイで抜け感のある音。
「B」ビンテージで濃密な音。

の結論部分です。

先ほどまでのデモ音源では、自分なりに良さを引き出すための数値調整をしてましたが、各ノブの数値を全く同じにして聞き比べをして行きます。

聴き比べ

ここでは、倍音やEQポイントの違いに着目して聞いてみてください。

あばん

結構はっきりと違うもんだね。

もーだん

僕の耳でも分かって良かったよ…。

じゃあ、ブラインドテストを…なんて野暮な真似はやめておきましょう。

意外と知らない落とし穴

「ゲインステージング」について

実は、アナログコンソールは適切な電圧（-18dBFS（0VU））でベストな音質になるように調整されています。
前後に音量調節プラグインを置いて、音量を整えることを「ゲインステージング」と言います。

後述しますが、プリアンプ部でも歪みや音量調節は出来るので神経質になる必要こそありませんが大小差が激しすぎるとプラグインの有無での比較が非常にしづらいのである程度整えておくことをオススメします。

VUメーターを見るのが一番確実ですが、INPUTのメーターが6前後〜ギリギリ0に振れるか触れないかの間に入れておくと大体いい塩梅になります。

プラグイン内部の3段階ゲイン構造

4Kプラグインには以下の3つのゲインステージ（音量・音質調整部）があります。
それぞれが独立した音の変化をもたらします。

倍音が付加される「プリアンプ部」は分かりますが、実はフェーダー部分でも歪みは発生します。

フェーダーをわずかにドライブさせることでわずかにサチュレーションを加える事ができます。もちろんやりすぎは厳禁ですので1〜3 dB 程度が目安です。

そして上がりすぎた音量はアウトプットのトリムで下げます。

あばん

色んな所で音質変化があるんだね…。

もーだん

これこそアナログの魔法だよね。

EQの挙動

先ほども少し書きましたが、EQセクションの分析をしていて、ブーストをすると他の帯域を下げにかかってくることを発見しました。
特にEシリーズが顕著です。

HFを動かした時もかなり顕著ですが、「ブースト」と言うより他の帯域の「カット」の方が大きいのではと思ってしまいます。
結果からすれば同じ事なのですが、音量に惑わされないようにすることと、自分の耳を育てていくことの大事さを痛感しました。

思い描くEQカーブとは違っていても、いい音に繋がる可能性を潰さないように心がけて行きましょう。

初心者におすすめなのは…？

ひとつだけ選ぶなら「4K E」がオススメです。
理由としては下記の4つです。

• 3種のEQ（Brown/Black/Orange）で対応できる素材の幅が最も広い
• コンスタントQ設計でEQが「崩れにくく」、初心者でも扱いやすい
• 80～90年代ロック・ポップの「SSLサウンド」を学ぶ教科書として最適
• 解説動画でも4K E（またはE系）がとてもよく使われている

「SSLらしい音」「万能感」「業界標準」と言う意味で、これを知っておけば自分が求めている音の方向性がより理解しやすくなると思います。

慣れてきて、「モダンなヌケ感が欲しい」と感じたら「4K G」を。
「ヴィンテージの空気感」が欲しいなら「4K B」を、と言う感じで活用の幅や足りない部分の補強を進めていけます。

もし予算があるならSSL純正の「4K Bundle」（B+E+G）を買ってしまうのも手かも知れません。最初からキャラクターの比較ができるし、前述したようなパーツごとの使い分けというのも可能になります。

SSL本家サイトでは「Complete Subscription」と言うサブスクが設定されており、3本を含む全プラグインが月額でアクセスできるため気になる方はチェックしてみてください。

やっと分かったぞ…

SSL本家が出している4Kシリーズプラグイン。

実は、「手に入れたけどレギュラー化しなかった」プラグインの中に「SSL 4K B」の名前があります。

動画の中で「他との違いが分からない」と述べていましたがこのように聞き比べてみるとかなりはっきりと理解する事ができました。

SSL風味をミックスの中に取り入れることも大事ですが、個人的にはアナライザーを見ずに耳でノブを回してミックスする感覚がこんなに楽しいものだったのかと再発見できたのが大きな収穫です。

世の中の色んなTipsに惑わされず自分の感性のままにミックスを進めさせてくれるSSLシリーズの偉大さと伝説になった所以を少しばかり知る事ができました。

ぜひ気になった方は頭を空っぽにして無心で使ってみてください。
新しい楽曲の一面を知る事ができます。

(外部リンク)Plugin Boutique

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

ここ数年で出てきた新製品ばかり！

もーだん

どこまでミックス出来るんだろう？

視聴者の方からご質問を頂きました。

過去の動画や記事でも取り上げてきたのでこの質問を頂けたのでしょう。

非常に嬉しく思うと同時に考える余地のある良い質問だと感じました。
これら4つのプラグインはとても賢く自動化されたプラグイン達です。

しかし、賢いがゆえに間違った役割をあてがってしまうとミックスが迷子になったり思ってた音と違うという事態に陥ってしまいます。

今回はいただいた質問に回答しつつ、

それぞれの役割の明確化
挿入順の考え方
足りない部分をどう補うか

を徹底的に考察・解説していきます。

結論と役割の定義

まずひとつ目の質問への回答です。
結論として、1トラック内でのルーティングは次の順番をおすすめします。

・Equator＝掃除・共鳴除去
・IDX＝演奏補正的なエネルギー調整・ダイナミクス向上
・AQ＝音作り（トーンメイキング）
・Resolve＝他トラックとの衝突回避

この順番で実際にミックスしたものが下記になります。

もちろん、素材や狙いによっては順番を入れ替えるケースもあります。
とはいえ、最初に「標準パターン」を決めておくと、迷いなく挿していけるので、この記事ではこの流れを軸に話を進めます。

4つのプラグインの解説

それでは、各プラグインでどのような効果があったのかを見ていきます。
同時に私が「どんな役割を期待して」使ったのかも解像度を上げて整理していきます。

1.Equator

主要トラック（ボーカル、ベース、アコギ、）にプラグインを適用していきます。

あえて、生録音したものが多い曲にしましたので、ボーカルやベースのモコモコした中低域がスッキリしたのがわかるかと思います。

作業内容はLEARNボタンを押してメインノブを下げていっただけです。
もちろん細かく設定を追い込むことも出来ますが、「下処理」的な役割なのでここで全部を整えようとはしません。

ここで「濁り」や「埋もれ」を取り除きますが、まだ曲全体としては地味な印象です。

2.IDX

次にIDXを投入します。

ここでクリアさやパンチ感を向上させていきます。
余分なエネルギーを抑えてさらにスッキリとした音にします。

公式の推奨使用法は「トラックの1番最初に挿す」なのですが、今回は2番目に適用しました。
この辺は各自の判断による部分です。

ここでの注意点は「やりすぎない」ことです。
どんどんパンチが増していって気持ち良くなっていくのですが、曲全体を聴きつつ、自分の感覚の少し手前で調整しておくと後々の処理に余白が出来るのでおすすめです。

かなり印象が明るくなったというか前向きになったように感じます。

あばん

生命感というかイキイキした感じだね！

もーだん

推しプラグインのひとつです！

IDXはあくまで、「エネルギーのムダを減らし、必要な部分を前に出す」ことが主眼です。
そのため、ダイナミクス安定化をIDXに背負わせようとすると、「なんとなく元気になったけれど、レベルはバラバラ」という状態になりがちです。
この点は、後半の「残り30％をどう埋めるか」の章でも改めて触れます。

3.AQ

Curves AQでトラック全体のトーンを調整していきます。

やはり周波数を直接いじっているのでここで一気に変わりますね。

作業内容は、LEARNで読み込んだ後、提示されたカーブから気に入ったものを選びます。
ほぼそれでOKなのですが、ローカットを入れたり、赤と青のスライダーをいじって増減量を調整しています。

これまでの処理は「引き算的」に要らない部分を削ってきましたが、ここで「足し算的」にそのトラックの長所を伸ばしていきます。
ダイナミックEQは動的な処理を行うのでやりすぎると音量がブレたりしがちです。
ボーカルを調整していて不自然さを感じたので少し増減量を抑えたりSTATIC側に寄せたりして対応しました。

4.Resolve

そして最終段階です。

今回は曲全体の整理役として「キック→ベース」と「ボーカル→オケBUS」の2つに適用しました。

衝突回避の役割通り、ボーカルが浮かび上がって、ベースが下がる代わりにキックが聞き取りやすくなりました。

前段までで音の調整は終わっているので、元のキャラクターを出来るだけ変えずに、「必要最低限」のスペースだけ開けるという意味では、ダイナミックに追従しながら処理をしてくれるResolveはいい選択肢です。

あばん

操作も簡単だし分かりやすいよね！

もーだん

サイドチェーンは出来る方が得だよね！

これでひとまず完成です。

残り30％を埋める要素

2つ目の質問「ミックスの完成度をどこまで高められるか？」は70％ぐらいまではいけると思っています。
前述のデモ音源でそれを実感して貰えていたら嬉しいです。

じゃあ残りの30％は何かというと、これら4つのプラグインが「出来ないこと」を整理していくと見えてきます。

そもそも備わっていない機能

アナログ的な歪み・倍音によるキャラクター付け

4つとも基本はクリーンな処理を前提としており、テープ／チューブ／トランス系のサチュレーションは搭載していません。

中域の密度感や、耳に心地良い軽い歪みを加えるには、別途サチュレーションが必要です。

リバーブやディレイによる空間演出

これらは完全に別カテゴリのエフェクトです。

Curves系でどれだけ整えても、「距離感」「奥行き感」「残響の美しさ」は空間系に頼るしかありません。

役割が微妙に違う機能

ダイナミクスの安定化

先ほど述べたように、IDXは「エネルギーのムダを減らしてパンチと明瞭度を上げる」ツールであり、RMSを揃えるレベリングコンプではありません。

ボーカルの細かい抑揚を安定させたり、アコギのストロークの粒を揃えたりするには、通常のコンプレッサやボリュームオートメーションが必要です。

低域の処理／ハイパスフィルター

AQやEquatorでも低域を削ることは可能ですが、

「キックは30Hzから切る」「ボーカルは80Hz以下を落とす」といった、明確な周波数でのローカットは、やはり視覚的に分かりやすい一般的なEQに任せた方が安全です。

具体的な補完チェーン

ボーカルとドラムの例を考えてみます。

このように、Curves＋IDXは整えるのは非常に得意ですがあくまでも土台や基礎の部分においてのみです。
「サチュレーションやコンプはキャラ付けと安定化のため」という構図を明確にすることで、4つのプラグインを無理なく自分の定番チェーンに組み込めるようになります。

ということで、前述したプラグインを使いつつ「コンプ・歪み・空間系・ローカット」を追加して再度作ってみました。

あばん

やっぱ空間系と歪みって大事だね…

もーだん

一気に色気とかキャラが出来てくるね！

マスターバスでの応用

実は、マスターでこれらを使うのが結構しっくりくるんじゃね？と個人的には思っています。
前述したように「キャラ付けは苦手だが、綺麗に整理してくれる賢さ」がマスター段では非常に有用だったりするのです。

ともあれご覧ください。

・Equator：軽い共鳴取り
・IDX（Soft、Amount控えめ）
・AQ：全体のトーン調整
・最終リミッター

IDXで個々のトラックが重なった際の「ムダなエネルギー」を整理してしまうことで、後段のEQとリミッターの効きを良くしています。

正直、IDXの1番良い使い方は「マスター段の1〜2番目」と言いたいぐらい多用しています。
ただし、Amountを上げすぎるとミックスのダイナミクスが縮んでしまうので、10〜20％程度から始めると良いでしょう。

質問者さんありがとう

改めて非常に良い質問を頂きまして感謝いたします。
私自身の整理にもなりましたし、プラグインの得意不得意を見つめ直すことが出来ました。

ここまで見てきたように、Curves3兄弟とIDXは、それぞれ明確な得意分野を持ちながら、信号処理の流れとしてもきれいに並べられるプラグイン群です。

1つ目の質問の回答として、おすすめの順番は下記の通りです。

・Equator：掃除・共鳴除去
・IDX：演奏の見せ方を整えるエネルギー調整
・AQ：AIトーンメイキングによる音作り
・Resolve：トラック同士の衝突回避・マスキング解消

そして2つ目の質問の回答として、ミックスの「土台」「バランス」「聴こえ方」は70％ぐらいまでは高められます。
残った30％に「歪み・空間系」などのキャラ付けや演出を入れていくとミックスの完成度はさらに向上するでしょう。

今回のWavesのプラグインは非常に賢いがゆえに、上品で優れた土台、スタート地点を作ってくれますが、誰が作っても同じような「平凡」や「無味」になりがちです。
そこから先のゴール地点までを差別化するために残り30％を工夫する必要があると感じましいた。

ぜひこのワークフローを体感していただいて気付いた事などあればコメントで教えてください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

色んなプラグインが出てるけど…

もーだん

内部で何が起きてるんだろうね…？

最近、「Open Compressor」という素晴らしいプラグインを入手し使い込んでいます。
アタック、リリース、トランジェント、倍音……コンプレッサーの挙動を可視化してコントロールできるツールです。

そして、大きなウリとしてSSLやAPIや1176などの名機の挙動を再現できるのですが、UADやWavesが出しているアナログモデリングプラグインがこれで不要になるかというとそういうことでもないなと気付きました。

では、世のエンジニアの皆さんが言う「アナログっぽさ」や「独特の風味」と言うのは一体何を指しているのかと思いめちゃくちゃ調べて勉強してきました。

先に結論を言ってしまうと、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

別の記事で「コンプとフェーダーの違い」を解説しましたが、それの別章だと考えてもらえれば幸いです。

ここで語られる内容はプロエンジニアの方にとっては常識的なものかも知れません。

そしてブログ自体文量が多く、至らない点や不備もあるかも知れませんが必ず皆さんにとって新しい知識や視点が得られる記事になります。

・魔法の物理的構成要素
・各メーカーの戦術の違い
・それぞれの優位性
上記3点を解説していきます。

アナログ実機の動作原理が分かっていればプラグイン選びの基準になるし、購入の際、注目すべきポイントも明瞭になるのでぜひご覧ください。

魔法の物理的構成要素

Open Compressorのようなデジタルコンプは指定した数値やパラメーター通りの挙動を起こしますが、アナログ実機の場合は常に「物理法則」とせめぎ合っています。

アナログの特徴として「非線形」「時間変化」「状態依存性」の3つに集約できます。
これらはそっくりそのままデジタルで再現が難しい理由になります。

つまりざっくり言うと、特性そのものと言うより「特性が揺らぎながら変化する」事がデジタルは苦手であり、アナログ実機の持つ不完全ゆえのエラーであると言えます。

1.変圧器のヒステリシスと位相変化

多くの名機(1176、LA-2A、APIなど)は、入出力に音声信号を変圧する「トランス（変圧器）」を通します。このトランスによって音が変わると言う話は皆さんも聞いた事があるかも知れません。

ヒステリシスと言うのは、現在の入力だけでなく、過去の履歴（変化の過程）に依存して変化する現象のことです。

音楽的にどのような効果があるかというと、低レベル信号(リバーブの余韻やブレス)に対して独特の倍音を付加し、聴感上の「密度」を向上させます。
→「小さな音が前に出てくる」「質感がザラッとして存在感が増す」

また、トランスを通った際に低域の遅延が発生し位相が変化します。
これにより、キックやベースのアタック成分が時間軸上でわずかに滲みます。

結果として鋭かったピークが「丸みを帯びたパンチ」に変わります。これがアナログに通したことで「耳に痛くないのに迫力がある」という音の正体です。

2.光と時間の記憶

LA-2Aはオプトタイプのコンプレッサーである、と言うのは聞いた事あるでしょうか。

そのオプトタイプの心臓部であるセル（発光＋受光）は、強い光を受け続けた（＝強いリダクションがかかり続けた）場合、暗くなるまでの時間にラグがあります。
それは、どのぐらいの強さの光をどのぐらい浴びていたのかによる物理的な「熱」や「残像」を記憶することでリリースや次の圧縮の挙動が変わると言う事です。

これが「歌い出しは速く反応するのに、サビの終わりではゆったりリリースされる」という、デジタルでは再現が難しい音楽的な挙動を自動で生み出します。

あばん

スポットライトとか浴び続けると…

もーだん

ずっと熱いし目の奥に残像が残るもんね。

3.電源電圧の変動（サグ）

今回勉強した中で一番面白いのがここでした。
サグは、瞬間的に電圧が通常よりも低下する現象のことです。

これが音楽的に何をもたらすかというと、キックのような低周波かつ大エネルギーの信号が入力されると電圧が瞬間的に下がります。

そうすると、同時に鳴っている高域成分（ハイハットなど）を巻き込みながらコンプレッションとは異なるメカニズムで「キックが鳴った瞬間に全体が少し吸い込まれる」という独特のグルーヴを生み出します。

これがあの「接着感（Glue）」の正体の一つです。
バストラックで使われるコンプレッサーにはこのような特徴が備わっています。
つまり、電圧というアナログ的で有機的で不可避な欠陥のおかげで魔法のようなグルー感が生まれているのです。

この3つの要素は「時間」や「熱」「電気」などの物理的で有機的な事象と複雑に絡み合いながらアナログの魔法を構成しています。

メーカーの戦い方の違い

それでは、前述したようなアナログの挙動を各メーカーはどのように再現しているのか？
それを紐解いていくと、メーカーごとの「タイプ」や「得意技」の違いが見えてきます。

あばん

この章もめちゃくちゃ面白いんだよね！

もーだん

こんなに違いあるの？！ってなるよ！

1.回路図の絶対信者（代表：UAD）

「音」を似せるのではなく、「電気」や「回路」をシミュレートする「物理モデリング」というやり方です。
回路図に基づき、各電子部品（抵抗・コンデンサ・トランジスタ・真空管・材質など）の物理法則を計算しまくってくれます。

私には詳しいことは分かりませんが、パッと考えるだけでも吐き気を催す計算量が必要になる事がわかるでしょう。
各パーツ × 素材（短いトランジェント、長い持続信号、複雑な和音）× 周波数 × …など音楽に必要な要素が多すぎるそれらの相互作用までシミュレートしなければなりません。
そして、前述したような「熱」「時間」なども計算すると想像すると、もはや感謝しか出てきません。

あばん

お金払わせてくださいってなるよね…

もーだん

セールとかしてくれてほんと感謝だよね…

2.狂気のサンプリング（代表：Acustica Audio）

上記のような膨大な計算をすっ飛ばして、入力と出力の関係性を大量にサンプリングする手法を取っているのがAcustica Audioです。

「Aという音を入力したらBになった。じゃあCもやってみよう。」を大量に行い「反応そのもの」のデータをサンプリングしています。

特徴としては、回路図から計算するのではなく、実機そのものの出力を録音してデータ化するため、モデリングでは再現しきれない「空気感」「個体の癖」「経年劣化の味」などの質感を完コピできます。
ただ、膨大なデータを扱うためマシン負荷はかなり高くなりやすいです。

音源で言うとMODO BASSとTrilianの違いのようなものでしょう。

MODO BASSの場合は、物理的に再現(シミュレート)するため、容量が小さく「っぽい音」が表現できるという高い利便性があります。

逆にサンプルベースのTrilianはライブラリ容量がかなり大きくCPU負荷も大きめですが圧倒的な「質感」「リアル感」が特徴です。

これはそのまま上記2社の違いや優位性に当てはまります。

3.個体差を科学する（代表：Plugin Alliance Brainworx)

全く同じものがこの世に無いように、アナログパーツには必ず「誤差」があります。
同じギターでも、製造ロットや個体差によって必ず音が違います。

この部分をBrainworxは各パーツをランダムに変動させたモデルをシミュレーションして72種類（チャンネル）作り出しました。
これにより、各パートやチャンネルごとに微妙な差異が生まれデジタルにはない「ワイド感」「深み」「滲み」「立体感」を生み出します。

あばん

実際のコンソールの再現という意味では…

もーだん

ここが一番理にかなってるかもね。

３パターンどれもデジタルには無いアナログの不完全さを再現・構築しています。

それぞれの優位性

ここがブログの核心部分になるでしょう。
実機を保有している人は少なくプラグインで代替している人がほどんどでしょう。
ここでは「どちらが優れているか」ではなく、「物理法則の壁」と「計算機の可能性」の対比として話を進めていきます。

アナログが出来ること

無限の解像度

デジタルオーディオには「サンプリングレート」と「ビット深度」という「階段」が存在します。サンプリングレートの44.1kHzは1秒を44,100分割した状態のことです。

デジタルの場合、必ず量子化されるのでこの「階段」と言う「段差」が存在します。
非常に鋭いアタック（マイクロ秒単位のピーク）がサンプリングの「隙間」に入った場合、デジタルではそのピークの正確な形状やエネルギーを完全に捉えきれません。

しかしアナログの場合1秒を無限に分解できるため、物理上情報の欠落は存在しないと言うことになります。

インピーダンスの相互作用

実機では、プリアンプとコンプレッサーをケーブルで繋いだ瞬間、電気回路がつながり、相互に影響を及ぼし合います。

DAW上のプラグインスロットは一方向にデータ処理を行なっているだけですので、アナログチェーン接続による「一体感」や「予期せぬトーン変化」は、相互干渉がもたらした実機特有のものだと言えます。

予測不能の状態変化

前述してきたことそのものなのですが、各パーツの材質・温度・電圧・劣化具合など多種多様な要素が混ざり合い特性を変化させたりノイズを加えたりします。

その特性変化やノイズが音楽的に心地良いと評価されているのは皆さんの知るところではありますが、この特性を完全に再現するためには、
・無限に近い状態変数
・長時間の履歴保持
・膨大な計算量
が必要になり実質不可能となっています。

デジタルが出来ること

完全な再現性とリコール

前述の項をひっくり返すとデジタルプラグインの優位性が1つ立ち上がります。

厳密に言えば2度と同じ音が出せない実機に対し、いつでも同じ音を出せると言うのがプラグインの最強の優位性です。

・温度が変わらない
・経年劣化がない
・電源電圧が揺れない
・個体差が存在しない

これらを敢えて再現する手法もありますが、「完全に同じ音を再現出来る」と言うのは、言うまでもなくデジタルだからこそ出来ることでしょう。

あばん

プラグインが劣化して修理が必要…

もーだん

そうなったらもう怖くて使えないよ…

未来を見る先読み（Look-ahead）機能

物理世界では「未来の出来事を見てから現在の行動を決める」ことは不可能です。
しかしデジタルでは、バッファを用いることで「数ミリ秒後の信号」を先読みできます。

それがコンプレッサーやリミッターに搭載されている「Look-ahead」と言う機能です。

これにより、「ピークが来る5ミリ秒前」にゲインを下げ始めることができるため、「歪みを一切発生させずに完全にピークを止める」という物理的に不可能な挙動（Brickwall Limiter）が可能になります。

位相線形性の制御

「リニアフェイズEQ」と言う言葉を聞いたことはあるでしょうか？
それについての話です。

アナログEQやフィルタは、周波数を変化させると必ず「位相ズレ」が発生します。
勿論プラグインでも変化はするのですが、「リニアフェイズEQ」を使えば、位相を全く変化させずに周波数特性だけを変える事ができます。

難しいことは分からないのですが、入力信号の全帯域を「同じだけ遅らせる」ことで、相対的な位相関係を崩さないEQとのこと。
つまりこれもデジタル的に時間を操っているので実機には不可能な挙動となります。

まとめ：魔法の正体

Open Compressorを手にしてしまったばっかりにこんなブログを書いてしまいました。

そもそもの発端を思い出すと、各パーツや構成要素や歪みを再現する事が出来る「Open Compressor」があればもうアナログプラグインはお払い箱になるのか？と言う疑問でした。

もし、そうであるならば各メーカーがこんなに鎬を削って新製品の開発をするはずが無いと思い、今回の「アナログの魔法」に関するリサーチ＆執筆を始めました。

あばん

なんだか長い旅路だったね…

もーだん

リサーチ含めて4日ぐらいかかってるよ…

冒頭述べたように結論、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

電圧・電流回路・経過時間・熱・劣化・ノイズ・個体差…などの現実世界ではどうしようもない「物理法則」によって、望む望まないに関わらず、あらぬ挙動を生み出しました。

本来それは忌避すべき「欠陥」でしたが、それがなんだか音楽的であると気付き、先人たちが使用と調整を続けてきた結果、今日の歴史的な「名機」が作られ今の音楽文化を彩っています。
「判断が早い」「どう使っても破綻しにくい」と言うのは先人たちが音楽的なチューニングを積み上げてきた「技術的文化」の上に成り立っています。

そして今日では、様々なメーカーがあの手この手でその「不確定性」や「相互干渉」というデジタルが苦手な部分をいかに矛盾なく実装するかの技術を競い合っています。

ここまで連綿と繋がってきたアナログとデジタルの歴史を振り返ると、私が知ったのは例え氷山の一角だったとしても畏怖と敬意を覚えざるを得ません。

クラークの第3法則そのもの

Open Compressorはデジタル系のコンプレッサーとして認識しています。
それはクリーンであり、正確なコンプレッションという現象の純粋な形そのものです。

一方で、実機もしくはアナログエミュのプラグインは、挙動やノイズなどを含めた「音楽的文化」を提供してくれています。
そして同時に即物的に「使えばなんかいい感じになる」を提供してくれます。

SF作家 アーサー・C・クラークの有名な「三法則」の第3法則として有名な下記の言葉があります。

「十分に高度な科学技術は、魔法と見分けがつかない」

このブログの結末にするにはやや鋭すぎる気もしますが、まさに言い得て妙だと思います。

しかし私なりに言い換えるなら下記になります。

音楽において魔法とは「理解不能なもの」ではなく、
理解した上であえて選ぶ「非合理」である。

知っていても知らなくても選んだ先にある音が目的なのですから、選ぶ事自体が目的化してしまわないように留意して音楽制作に役立てていこうと感じました。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

何となくは分かるけど…

もーだん

具体的に何が違うんだっけ？

前回別の記事で取り上げたOpen Compressor。
コンプレッサーの挙動が分かりやすく可視化されていて私自身勉強になりました。

外部リンク(Plugin boutique)

そして同時に根本的な疑問がわきました。

「コンプレッサーって結局、音量を下げているだけでは？」
「完璧にボリュームオートメーションを書けば、同じ音になるのでは？」

恥ずかしながら何となくで理解していたつもりになっていましたが、改めて考えてみると言葉に詰まるような問いでした。

今回めちゃくちゃ勉強したのでコンプレッサーとオートメーションの違いを私なりに噛み砕いて分かりやすく解説していきます。

蓋を開けてみれば「なんだそんなことか」となるかも知れませんが非常に奥が深く興味深く、皆さんの制作に活かせる内容となっていますのでぜひご覧ください。

内容としては以下の3つです。
・まず、結論。
・両者の違い
・それぞれの優位性

まず、結論。

前提として「アナログ的な歪み」や「現実的に不可能」というのは一旦置いておきます。

結論から話すと、「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を描くことが出来れば、理論上は全く同じ波形を再現する事は可能です。

あばん

え、可能なんだ…

もーだん

意外だよね、出来るんだね…。

そもそもコンプレッサーは「入力信号」と「設定（Threshold, Ratio, Attack, Release）」
から理想的なゲイン量を算出しているだけで、数学的にはただの「時間変化するボリューム」です。

そして「完璧なボリュームオートメーション」がそのゲイン量を1サンプル単位で完全再現できるなら、2つの出力は数学的にも聴感上も完全一致します。
これは、デジタル信号処理として絶対の事実です。

それでは何故コンプレッサーがここまで重宝されているのでしょうか？
ボリュームオートメーションではカバーできない部分とは何なのでしょうか？

両者の何が違うのか？

音そのものを変化させている

これが最大の大きな違いなのですが、まずそもそもの「動作原理」が全く異なります。
コンプレッサーが入力信号「A」に対して下記のような動作と計算を行います。
・検出（Peak, RMS, Opto）
・アタックによる遅延
・リリースによる戻り
・レシオとニーによる非線形カーブ
・etc…

これにより出力される信号は「B」という別物に成ります。
つまり音の波形やキャラクターそのものを変化させています。

しかし、ボリュームオートメーションの場合は信号「A」自体の波形は変えず音量を上下させているだけです。

トランジェント制御

上記の話にもややかぶってきますが、コンプレッサーはトランジェントの形を変えることができます。
トランジェントとは、音の立ち上がり部分のことで、この勾配(傾き)によってその音のキャラクター(距離感・太さなど)が決まります。

いわゆるアタックやリリースで設定できる部分で、例として出すと…
アタックが10ms → トランジェントは生き残る
アタックが1ms → トランジェントが削られて太くなる
リリース100ms → 余韻が滑らかに伸びる
リリース10ms → パンピングが生まれる

みたいな感じです。
もちろん音のソースによって変わってくるので一例として受け取ってください。

そしてこれらをコンプレッサーは1ミリ秒以下という凄まじい速さで制御しますが、オートメーションでは非常に難易度が高い部分です。

自動ボリューム系のプラグイン

「WavesのVocal Riderなどのオートボリューム系のプラグインがあるじゃないか」と声が聞こえて来そうですし、私も当然そう思いました。

確かにコンプレッサーも入力音に対して設定通りに音量を変化させているのだから結局同じだろうと思いますが、ここでも明確な差があります。

オートボリューム系は「全体の音量を目標レベルに近づける」ために「再生全体の音量傾向」に基づいて調整するため、瞬間的なピーク制御は苦手です。
つまり、コンプレッサーに比べて動作が圧倒的に遅いのです。

コンプレッサーの優位性

両者の違いをある程度理解していただいた上でコンプレッサーが何故ここまで重宝されるのかを説明します。

そもそも現実的に不可能

いきなりですが、割とこれが全てです。

あばん

すごいちゃぶ台返しだね…

もーだん

前提そのものが無茶だったんだね。

前提として挙げていた「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を人力やプラグインの力を持ってしても描くことがそもそも非常に難しいのです。

1/44100秒単位（サンプル単位）で完璧にフェーダーを動かすと言えばその無謀さが理解しやすくなるかも知れません。
よしんば描けたとしても途方も無い時間と労力をそこに割くことになってしまいます。

つまりコンプレッサーとは非常にインテリジェンスな「自動音量調整機」だと言えます。

コンプレッサーによるキャラ作りが秀逸

もうひとつの前提も覆させてください。
「歪み」を抜きにして話を進めてきましたが、歪みや位相変化もコンプレッサーならではの圧倒的な優位性です。
SSLやLA−2Aなどの名だたる名機たちには独自の歪みや色を持っておりそれらを求めてエンジニアたちはコンプレッサーを使用します。

そして前述したトランジェントの成型と合わせて唯一無二のキャラクターを作ってくれます。
この「アナログの魔法」とも言うべき点においてオートメーションは及んでいません。

コンプレッサーは「音量調節機」であると同時に「質感加工機」であると言えます。

「再現ならできる」

冒頭から言っている「再現できる」と言う言葉は割と深くて、コンプレッサーの挙動を真似することは理論上は可能です（いくつかの前提条件付きで）。

しかし、あくまでも再現であってコンプレッサーはその場で倍音構成やトランジェント波形を作り変えることで新しい音を「偶発的に」生み出しています。
入力音のわずかな違いや前後の音の文脈によってコンプレッサーの内部は挙動を変えています。

つまり「コンプレッサーが作った生成物」を後追いで真似しているだけであり、リアルタイムで「音楽的に作用する」プロセスはオートメーションには存在しない
だから、結果だけを見ると似せることは可能でも、プロセス自体は全く違うということです。

あばん

なんだかオートメーションが…

もーだん

不憫になってきたよ…

それでは、オートメーションがどんな時に使えるのか？
優位性や使い分けについて見ていきましょう。

オートメーションの優位性

歪みと音量調節

大きな点としてオートメーションはボリュームを上下させているだけなので歪みません。

コンプレッサーなどの歪みは音楽的に優れている部分も有りますが、本来ノイズや歪みは忌避すべきものです。
音そのものの質感を変えたく無い時や、原音のニュアンスを極限まで守りたい場合はオートメーションの方が優れていると言えます。

そして局所的な調整、例えば、「サビの頭だけ派手にしたい」「この一文字だけ大きくしたい」といった音楽的な演出は、機械的なコンプには不可能です。
人間の感性で細かく描けるオートメーションの独壇場です。

どう使い分けるべきか？

多くのエンジニアはワークフローの中に下記のようにどちらも取り入れています。

① オートメーションで「音量問題」を整える
・句読点ごとに整える
・極端な大小を均す
・目立つ突出を避ける
・オートメーションで基礎を作る

これで聴感上の不安定さを減らしてから

② そのうえで、コンプレッサーで「質感」を作る
・前に出す
・押し出す
・密度を上げる
・ノリを作る
・アタックの速度を整える
・質感を揃える

あばん

先にオートメーションで均すことで…

もーだん

コンプも効きが良くなるって聞いたよ！

理解の難しいエフェクト筆頭

Open Compressorを手にしたばっかりにこんな疑問にぶち当たってしまいました。

それでも色んな記事や動画を見て、勉強した甲斐があると思います。
「理論上は、再現できる」と言う言葉に全てが詰め込まれています。

その場で音楽的な偶然を生成していくコンプレッサーの凄さを改めて実感しました。

こんな気付きをこれからも発信していきます。
応援のほどよろしくお願いします。

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