あばん

待望の新プラグインが来たね！

もーだん

さてさてどうなる事か…？

XLN Audio DB-30が投入してきたドラム特化プラグイン。
兄弟分としてロングセラー製品のRC-20があり、その見た目や操作性を踏襲していることがよくわかります。

しかし、昨今は「プラグイン大飽和時代」です。
オールインワンドラム特化然り、歪み・コンプレッサー・リバーブなどの個別単位然り、「他のプラグインでも同じこと出来るんじゃない？」と言うのが正直な感想です。

と言うことで、今回は、「簡単で劇的」という価値がアリなのかナシなのかを軸に、DB-30の長所と短所を表裏一体の関係として整理していきます。

先に結論を言うと、個人的には結構好きです。

製品概要

素晴らしいドラムを作るための秘訣。

たっぷりと塗っても、ほんのりと加えるだけでもOK。繊細な風味から大胆な変化まで、DB-30はドラムサウンドをあらゆる方向へと導きます。
ドラム処理を、スピーディーに、楽しく、そして刺激的に。風味、パンチ、そして個性を数秒でプラス。DB-30 Drum Butterは、迅速な実験、素早い意思決定、そして素晴らしい結果という、実際の作業スタイルに合わせて設計されています。
ドラムループ、ドラムマシンのパターン、またはライブドラム録音にドロップして、ノブを回してみましょう。

外部サイト(Plugin boutique)

「簡単で劇的」ってアリ？ナシ？

メイン操作としては6つのモジュールで完結できる設計になっています。
後述するプリセットも豊富なので、好きなものを選んでメイン下部のノブを捻るだけで好みの音に激変していきます。

プリセットを変えていくだけでだいぶ雰囲気が変わります。

適用する周波数やエフェクトの強さを決めたりすることは直感的には可能ですが、一方でコンプレッサーのアタック・リリースやリバーブの詳細設定などを細かく作り込む機能は備わってはいません。

いつもであれば、こういう製品に対して「中級者・上級者には物足りないかも」と言いたくなるところですが、今回はそれほど感じませんでした。
「これで必要十分」という声が出てきそうな完成度がありよくこのUIでまとめられたなぁ、と言う印象です。

あばん

RC-20で見慣れてるのかな？

もーだん

だとしたら似せてきたのは良い判断だね。

加えて、どれだけ激しくいじってもオートゲインで簡単に出力音量を調整できるので、やりすぎを防げる設計も好印象です。

「Boom shack」と「Shift」ってアリ？ナシ？

他のドラム系プラグインではなかなか見かけないモジュールです。
私も最初は戸惑いましたし、特に「初心者」や「バンド系ユーザー」には耳馴染みがなく苦手意識を持つ部分かもしれません。

一方で、エレクトロやビートメイク系のユーザーにとっては、あえて音を壊す・崩す表現のための武器になりうると感じました。
むしろ、「このモジュールだけでも買いです！」と言う声があっても何も不思議に思わないぐらいの出来です。

Boom shack

Boomはキックにサブベースを追加して重厚感を与え、Shackは主にスネアに個性的なノイズを追加して新しい質感や抜けの良さを作ってくれます。

あばん

6つのモジュールの先頭だよね！

もーだん

いきなり生まれ変わらせるんだね！

特にBoomはキックの増強に大きく貢献してくれそうで期待大です。

今執筆しながら思ったのですが、Shackの適用周波数をBoomと同じにすれば、低域を増強しつつ、ノイズ追加で高域の抜けも良くなると言う最強キックができるのでは…？

Shift

Shiftは入力オーディオの周波数とフォルマントを上下にシフトさせることができます。
実際に使ってみて、印象が真っ二つに割れそうなモジュールだと感じました。
面白そうではあるが飛び道具的な使い方しか浮かばないというか…。

あばん

何となく理解はできるけど…？

もーだん

どう使えば良いかわからない…

各パラメーターの解説は割愛しますが、個人的におすすめの使い方は、

Freq(左)側にスライダーを振る
Targetをサスティン(右)側に振る
Focusをキックの低域に合わせる
メインノブを少しマイナス方向(10〜11時)に振る

こうすることによってキックが締まったような感じが得られます。
ずしっとくる重たいキックを作りたい方は是非試してみて下さい。

ミックスで使うのはアリ？ナシ？

正直、「精密」で「精緻」なミックス作業には向いていません。
他パートとの棲み分けやバランス調整、クリーンな処理という意味であれば、まだArturiaのMix Drumsとかの方が向いている気がします。

外部サイト(Plugin boutique)

もちろんミックス工程に全く使えないということではありませんが、このプラグインが出てくるフェーズはもっと前の「作曲」「音作り」「アレンジ」の段階です。

あばん

エンジニア向きというより…

もーだん

作曲家向きのプラグインだね！

なので、「音を加工したい」「ドラムをカッコよくしたい」「音からインスピレーションを得たい」というアプローチの人には非常に刺さります。

ドラム以外のプリセットはアリ？ナシ？

プリセットは260種類以上用意されておりかなり豊富です。

個人的にはなんですけど、キック専用とかスネア専用とか、他の楽器用のプリセットがズラッとあると引いちゃうというか使いにくいと感じてしまうタイプです。

しかしこのDB-30に関しては、多少は用意されているもののそこまで多くなく、ドラムバスやループ素材をまるごと激変させるタイプのプリセットが中心になっています。

あばん

これほんと助かるんだよね…。

もーだん

バスに挿すことが多いからね。

一応ベース用のプリセットを試してみました。

まぁ…可もなく不可もなくと言ったところでしょうか。

また前作のRC-20はユーザーコミュニティがとても活発で、海外では自作プリセットの無償配布や公式アップデートでのプリセット追加もあったので同様の流れが期待できます。

将来的な拡張性という観点から見ても、長く使い続けられるプラグインだと感じています。

結構好きです…///

私が作る曲は歌ものが中心で破壊的なドラムをガンガン使うタイプでは無く「バンド系」の曲が多いです。
しかし、今まさにドラムで悩んでいる曲があるので早速使ってみようと思っています。

あばん

今までとは別のアプローチで…

もーだん

曲の印象が変わりそうだよね！

前述したように将来的なアップデートやユーザー増加によってTIPSや小技も充実してくるはずなので成長が楽しみなプラグインです。

公式サイトからデモも出来るので気になった方は体験＆検討してみて下さい。

公式サイト

外部サイト(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

遂にアップデートが来ましたか！

もーだん

こういうツール本当多くなったよね。

自動爆速作曲ツールのMelody Sauce 2がバージョン3にアップデートしました。

以前はメロディ中心だったが今作ではコードやベースラインも生成できるようになり、さらなる作曲補助ツールとして活躍の幅を広げてきた印象です。

すでに多くのメディアでアップデート内容や各操作方法について解説されています。
なので、その辺はさらりと触れつつ、本記事では実践的な使い方についてお届けして行きます。

内容としては以下の通りです。
実践的な使い方
どんな曲が作れるのか？
正直に語る短所と注意点
アップデートすべきかどうか？

先に結論を言うと
アップグレード → 強く推奨
新規購入 → 初心者はアリ、中級者は要検討
用途 → メイン作曲ではなくアイデア補助が最適

となっています。

製品概要

メロディー、コード、ベースを1つのプラグインで実現
Melody Sauce 3を使えば、DAW内で独自のメロディー、コード進行、ベースラインを直接生成できます。強力な新機能と全く新しいインターフェースを備えたメジャーアップグレード版です。音楽理論は一切不要です。ジャンルを選び、スタイルを選択したら、パッドをクリックするだけで、コードとベースとともに独自のメロディーが生成されます。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

Melody Sauce 3の実践的な使い方

1.アイデア出し

まぁこれが一番想定されてる使い方でしょう。

今回のアップデートによってプリセットや内蔵音源数、リズムパターンが膨大に増えました。
しかもそれなりに聴けちゃうぐらい品質が良いので、少し手を加えるだけで作曲がグングン進みます。

あばん

コードもベースも瞬時に生成されるんだよね…

もーだん

気に入ったものが出来るまでガチャれるよ！

重要なアップデートとしてMovementとChord Fitコントロールが追加されて、ある程度生成の方向性をユーザー側が決定できるようになりました。
歌もののメロディとして使うより、BGMなどの量産に向いていると感じます。

個人的には生成メロディをメインとして使う場合は、Movementはdynamic、Chord FitはRelaxedがおすすめです。

2.曲を盛り上げる裏メロ

個人的にはこの使い方がすごくおすすめです。
つまり作曲途中の曲に追加して楽曲全体の賑やかしに使うという方法です。

前述のMovementとChord Fitコントロールが搭載されたとはいえ、少し味気なかったり退屈だったりするものが出来ちゃったりもします。
しかしそれは、オブリガート（裏メロ）として使えばメインを邪魔しない良い塩梅の隠し味になったりもします。

そこから新しいアレンジの発見やセクションの展開を見つけるきっかけになったりします。

作曲中の中に入れてみました。
だいぶ聞き応えが変わるし、「ドロップ的に追加しようかな」「落ちサビで試してみようかな」と、楽曲の骨子は変える事なく新しいリメイクがここで出来るというのは非常に嬉しいです。

あばん

こっちバージョンの曲も聞きたくなるもんね。

もーだん

メインで使わないのがオススメの使い方！

ここではMovementはdynamic、Chord Fitは3種類どれでもいいと思います。
Strictはコードにバチっと沿うのでやや退屈だけど邪魔しない感じ。
Relaxedはスケールをなぞるだけじゃない新しい響きが生まれやすいです。

正直に語る注意点と短所

ドラムは作曲時から必須

まずは注意点ですが、ドラムの有る無しで作曲時の気分の乗り方が全然変わって来ます。
平凡に聞こえていたのにビートに乗せた途端に印象が変わるというのはザラです。

先ほどまでのデモ動画でも先にループ素材を貼ってから、生成をして合うものが見つかったらキープというのを繰り返していました。

つまりこのプラグインは作曲時の初手で使うべきじゃなく、ドラムパターンが決まったとか、骨組みが出来た後に中身を充実させていくために使うべきだという事です。

融通が効かないところ多数

音価（音の長さ）が調整できない
Swingのハネ具合が調整できない
ノートを追加できない
コード追加が煩雑
パッと思いついたのはこの4つです。

これが何気に結構ストレスでした。
まぁMIDIで書き出す前提の製品なので仕方ないかと思いつつ、それによって見逃した良いメロディもたくさんありそうなのがモヤモヤするポイントです。

あくまでも「叩き台」として使って、最終仕上げはDAWでどーぞ、という感じです。

内蔵音源をそのまま使えない

これは結構驚きました。
MIDI Outputをあれこれ触ってみたのですが、結局出来ず…。
（右下にMIDI Modeというのがあったのですがこれはまた全然違うやつでした。）

やり方知ってる、私出来たよ！という方がいらっしゃいましたら是非ご教示ください。

あばん

せっかく音源が増えたのに…

もーだん

パラアウト出来ないんじゃ勿体無いね…

多分要望の多い機能だと思うので、搭載されるのも時間の問題のような気がしますが、これからのアップデートに期待しましょう。

買うべきか？アップグレードは？

アップグレードはすべきです。
イントロセールで29ドルとかなり安くなっています。

新規購入は、初心者であれば検討の余地はありますが中級者以上は少し悩むところかもしれません。

画期的！絶対導入！の強いポイントは無くはないですが、それ以上に中級者にとっては操作性に融通が効かずストレスが溜まってしまうような気がします。

また、難しいのがデモ版は提供されておらず、7日間の返金対応となっています。
先に購入する必要があるので気軽に試す事ができるかと言うと正直微妙です。

なのでアップデートは推奨ですが、新規購入に関してはお財布や自分の作業環境との相談が必要になってきます。

手ぐせから脱却せよ

このようなツールは往々にして「神曲」を自動で生成してくれる物ではありません。

むしろそういう用途であれば「SUNO」を使った方がより「神曲」に近いものはできると思います。

じゃあなぜ使うのか？というと、
新しいジャンルを開拓するため
創作を楽しむため
自分で「神曲」を作るため
だと思います。

使ってみて、結局DAWに貼り付けてピアノロールで編集しなおしたり、再度音源を当てがったりする必要はどうしても出てきますが、上記のためであればなんて事ない作業です。

これからのアップデートに期待せざるを得ない部分もありますが、自身の創作のためにこのようなアイデア補助ツールを持っておくのは良い判断だと思います。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

動画も作りましたのでよければご覧ください。

あばん

遂に…!!こんなかっこいい比較を…

もーだん

僕のちゃちな耳でどこまでいけるか…

ミックスの勉強を始めると、必ずと言っていいほど耳にする「SSL」というブランド。
伝説的なコンソールを生み出し、現代では他のプラグインメーカーもこぞってSSLをモデリングしたプラグインを開発しています。

最も有名なのは「SSL 4K E」というモデルですが、他にも「B」や「G」と言ったシリーズもあり、ノブのカラーが違うと音のキャラクターも変わるというなかなかに初心者泣かせのプラグインでもあります。

そして、いざ調べてみると

「4K Bって何？ EやGと何が違うの？」
「どれを買えばいいの？ 全部必要？」
「使い方が分からなくて、立ち上げても何も変わった気がしない」

こんな疑問を持ったことはありませんか？
この記事では、本家SSLが出している3種類の4Kプラグイン（4K B・4K E・4K G）を初心者向けに徹底比較します。

最初に結論を言うと、
「E」はアグレッシブでパンチのある音。
「G」はハイファイで抜け感のある音。
「B」ビンテージで濃密な音。
と言う評価です。

「何が違うのか」「どれを選べばいいのか」「どう使うのか」を、集めた情報と個人的な見地から実際に使いながら解説していきます。

SSL 4000 E

外部サイト(Plugin boutique)

4K E プラグインは、4000E コンソールのチャンネルストリップを忠実に再現したソフトウェア エミュレーションです。歴史上最も高く評価され、影響力のあった音楽制作ツールの一つである 4000E のサウンド、処理、ワークフローを忠実に再現します。1979 年に発売された 4000E コンソールは、音楽制作の方法を大きく変える重要な役割を果たしました。その力強く迫力のあるサウンド、高度な処理ツール、そして画期的な柔軟性により、瞬く間に世界のトップスタジオで選ばれるツールとなりました。4000E コンソールは 80 年代から 90 年代にかけてスタジオシーンを席巻し、その時代を象徴するアルバムやトラックのサウンドの象徴となりました。多くのプロデューサーやエンジニアは、このコンソールが「現代的な」制作技術の進化と現代音楽のサウンドに大きな影響を与えたと考えています。  

特徴

ロックやパンクの定番サウンドを形作ったEシリーズ。
特徴は「どこにでも使える万能さ」と「多彩なEQオプション」です。

Eシリーズには上記画像のように3種のEQタイプ（Brown/Black/Orange）が設定されています。
これらはEQカーブや倍音特性がそれぞれ違うため異なるキャラクターを付与することができます。

パンチ感や中音域の存在感が増すため、使っていて非常に気持ちいいです。
海外掲示板でも「シリーズ内で一番万能」「ヴィンテージカーブと歪みが音楽的」と高い評価を得ています。

あばん

「音楽的な作用」って言うのを…

もーだん

改めて感じられるよね！

使えるジャンルも幅広くRock・Pop・R&Bなど、歌もの系にもしっかり合います。
いわゆる「SSLの音」と言う定番サウンドを求めている方はこれがあれば大丈夫です。

デモ音源

以前Waves系の動画で使ったプロジェクトを流用して、SSL 4Kシリーズで色付けしました。

ガツっと前に出て各パートがエネルギッシュになりました。
前述したEQオプションは「黒色」の持つ「タイトさ」が非常に好みでした。

只々、自分が気持ち良くなるように自由にEQを施したつもりなのですが、それでも破綻せずいてくれます。

EQセクション

このシリーズの特徴である各EQタイプの変化を確認します。
ノブ上の数値は同じですが、EQカーブが全く違うことがわかります。

デジタルアナライザーを見ながらミックスするのも大事ですが、ノブを直感的に回す大事さを改めて知りました。

SL 4000 G

外部リンク(Plugin boutique)

Solid State LogicのSSL 4K Gプラグインは、SSL 4000 Gチャンネルストリップの決定版です。オリジナルの設計者によって、当時のサウンドを忠実に再現するために開発されました。Pink ‘292’とBlack ‘242’EQのコンポーネントレベルに至るまで、詳細な回路モデリングと、よりタイトで洗練されたサウンドのダイナミクスセクションを備えた4K Gは、史上最高のレコードに隠された象徴的なサウンドを堪能できます。

特徴

前述のEシリーズを受け継ぎ「最高傑作」となったGシリーズ。
その特徴は「ハイファイな艶」と「洗練されたサウンド」です。

「洗練されたサウンド」の理由として新設計のピンクノブとVCAフェーダーによるよりハイファイな倍音特性によるものです。

一応オプションとして、前述のブラックノブも付いていますので「E」と「G」の2台のいいとこ取りをできていると言えばそうなのかも知れません。

デモ音源

前述のEシリーズが、「音を塊で出してくる」印象なのに対して、「分離感と存在感」を感じさせるのがGシリーズです。
汚れると言う感じはあまり無いですが、その分ミックス内で行われる出したり引いたりの「整理」に向いている印象です。

海外掲示板のレビューでも「ミックスが締まる」「アタックが出る」「デジタル素材に合う」と言う評価が多く、その一方で「クリーンであるが故に冷たく感じる」と言う意見もありました。

EやBシリーズと比べて、と言う意味だと思うのですがそれなりに歪みは出ているので「クリーンさ」の売り言葉は「洗練された」と言う言葉に変換するのが良いかも知れません。

EQセクション

このシリーズを語る上で欠かせないのが「プロポーショナルQ」と言う特性です。
これは、ブーストやカットの量を大きくするほど、Qの幅が自動的に「鋭く（狭く）」なる機能です。

（むしろ他の帯域を下げることで急なスロープを作り、Qが狭まっているかのような印象を与えているように感じれる）

つまり、ある特定の音をピンポイントで操作出るので「派手」「効きが良い」と言う印象を感じやすいです。
また曲中での「抜け」や「輪郭の強調」が出来ますが、音楽的破綻と背中合わせなのでブーストのしすぎには要注意です。

個人的には、Gシリーズは「洗練されたサウンド」でありながら音作りに関してはかなりアグレッシブに働く印象です。
見た目は清楚なのに、実は裏でかなりやんちゃしているお嬢様的な印象といえば伝わるでしょうか…？

あばん

変な癖が出てるよ…

もーだん

そのぐらいアグレッシブに効くってことだね…！

SL 4000 B

外部リンク(Plugin boutique)

SL 4000 Bは1976年に発売され、ロンドンのタウンハウス・スタジオの「ストーン・ルーム」で使用されたことで有名です。このコンソールは、フィル・コリンズの「イン・ジ・エア・トゥナイト」、バグルスの「ビデオ・キルド・ザ・ラジオ・スター」、ピーター・ガブリエルの「イントルーダー」など、数え切れないほどの伝説的なレコードを生み出しました。4K B プラグインは、SSL 360° プラグイン ミキサー エコシステムとの優れた統合と専門的にモデル化されており、SL 4000 B チャンネル ストリップの本格的なエミュレーションであり、トーン、パンチ、豊かな非線形アナログ特性を備えています。

特徴

前述までのシリーズの前身となったビンテージなBシリーズ。
その特徴は、「圧倒的な太さ」と「ビンテージ感」です。

SSLシリーズの原点となった音はキックやベースなどの低音処理に関する評価が非常に高いです。
コンプレッサーの挙動もSSLバスコンプを踏襲しており細かい設定はしにくいものの特徴的な接着感が低域処理やバストラックへ相性が良いです。

万能とは言いづらいですが、荒々しいロック、HipHop、Lofi系などハマれば唯一無二の味を出し、一部にスパイス的に使用することもオススメです。

デモ音源

使ってみて思ったのですが、メーター以上に大きく太く聴こえます。
各パートの存在感があるのにピークは低いので音圧を上げやすい結果となりました。

ただ、かなり汚れやすくメリハリが消失してしまいがちとも感じました。

なのでトラックごとの色付けの濃さを調節していくか、EやGの別シリーズを使用してコントラストを出していくのをオススメします。

また、Bシリーズのみの特徴としてコンプ部に「ディエッサー」の設定が用意されています。
動画のボーカルに適用しましたが結構好みの効きです。

あばん

明るすぎるトラックなんかに

もーだん

積極的に使って行きたいね！

EQセクション

他のシリーズと違って非常にシンプルな作りになっています。

迷える範囲が少ないので柔軟性が低いとも言えますが、初心者の方にとっては扱いやすいと感じるポイントでは無いでしょうか。

コンプ部もシンプルであることから、このBシリーズは「濃厚な色付け」に特化していると割り切って考えると扱える場面が増えると感じました。

ここまでのまとめ

ここまでの3つをまとめると以下のようになります。

ここが冒頭で言った、

「E」はアグレッシブでパンチのある音。
「G」はハイファイで抜け感のある音。
「B」ビンテージで濃密な音。

の結論部分です。

先ほどまでのデモ音源では、自分なりに良さを引き出すための数値調整をしてましたが、各ノブの数値を全く同じにして聞き比べをして行きます。

聴き比べ

ここでは、倍音やEQポイントの違いに着目して聞いてみてください。

あばん

結構はっきりと違うもんだね。

もーだん

僕の耳でも分かって良かったよ…。

じゃあ、ブラインドテストを…なんて野暮な真似はやめておきましょう。

意外と知らない落とし穴

「ゲインステージング」について

実は、アナログコンソールは適切な電圧（-18dBFS（0VU））でベストな音質になるように調整されています。
前後に音量調節プラグインを置いて、音量を整えることを「ゲインステージング」と言います。

後述しますが、プリアンプ部でも歪みや音量調節は出来るので神経質になる必要こそありませんが大小差が激しすぎるとプラグインの有無での比較が非常にしづらいのである程度整えておくことをオススメします。

VUメーターを見るのが一番確実ですが、INPUTのメーターが6前後〜ギリギリ0に振れるか触れないかの間に入れておくと大体いい塩梅になります。

プラグイン内部の3段階ゲイン構造

4Kプラグインには以下の3つのゲインステージ（音量・音質調整部）があります。
それぞれが独立した音の変化をもたらします。

倍音が付加される「プリアンプ部」は分かりますが、実はフェーダー部分でも歪みは発生します。

フェーダーをわずかにドライブさせることでわずかにサチュレーションを加える事ができます。もちろんやりすぎは厳禁ですので1〜3 dB 程度が目安です。

そして上がりすぎた音量はアウトプットのトリムで下げます。

あばん

色んな所で音質変化があるんだね…。

もーだん

これこそアナログの魔法だよね。

EQの挙動

先ほども少し書きましたが、EQセクションの分析をしていて、ブーストをすると他の帯域を下げにかかってくることを発見しました。
特にEシリーズが顕著です。

HFを動かした時もかなり顕著ですが、「ブースト」と言うより他の帯域の「カット」の方が大きいのではと思ってしまいます。
結果からすれば同じ事なのですが、音量に惑わされないようにすることと、自分の耳を育てていくことの大事さを痛感しました。

思い描くEQカーブとは違っていても、いい音に繋がる可能性を潰さないように心がけて行きましょう。

初心者におすすめなのは…？

ひとつだけ選ぶなら「4K E」がオススメです。
理由としては下記の4つです。

• 3種のEQ（Brown/Black/Orange）で対応できる素材の幅が最も広い
• コンスタントQ設計でEQが「崩れにくく」、初心者でも扱いやすい
• 80～90年代ロック・ポップの「SSLサウンド」を学ぶ教科書として最適
• 解説動画でも4K E（またはE系）がとてもよく使われている

「SSLらしい音」「万能感」「業界標準」と言う意味で、これを知っておけば自分が求めている音の方向性がより理解しやすくなると思います。

慣れてきて、「モダンなヌケ感が欲しい」と感じたら「4K G」を。
「ヴィンテージの空気感」が欲しいなら「4K B」を、と言う感じで活用の幅や足りない部分の補強を進めていけます。

もし予算があるならSSL純正の「4K Bundle」（B+E+G）を買ってしまうのも手かも知れません。最初からキャラクターの比較ができるし、前述したようなパーツごとの使い分けというのも可能になります。

SSL本家サイトでは「Complete Subscription」と言うサブスクが設定されており、3本を含む全プラグインが月額でアクセスできるため気になる方はチェックしてみてください。

やっと分かったぞ…

SSL本家が出している4Kシリーズプラグイン。

実は、「手に入れたけどレギュラー化しなかった」プラグインの中に「SSL 4K B」の名前があります。

動画の中で「他との違いが分からない」と述べていましたがこのように聞き比べてみるとかなりはっきりと理解する事ができました。

SSL風味をミックスの中に取り入れることも大事ですが、個人的にはアナライザーを見ずに耳でノブを回してミックスする感覚がこんなに楽しいものだったのかと再発見できたのが大きな収穫です。

世の中の色んなTipsに惑わされず自分の感性のままにミックスを進めさせてくれるSSLシリーズの偉大さと伝説になった所以を少しばかり知る事ができました。

ぜひ気になった方は頭を空っぽにして無心で使ってみてください。
新しい楽曲の一面を知る事ができます。

(外部リンク)Plugin Boutique

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

ここ数年で出てきた新製品ばかり！

もーだん

どこまでミックス出来るんだろう？

視聴者の方からご質問を頂きました。

過去の動画や記事でも取り上げてきたのでこの質問を頂けたのでしょう。

非常に嬉しく思うと同時に考える余地のある良い質問だと感じました。
これら4つのプラグインはとても賢く自動化されたプラグイン達です。

しかし、賢いがゆえに間違った役割をあてがってしまうとミックスが迷子になったり思ってた音と違うという事態に陥ってしまいます。

今回はいただいた質問に回答しつつ、

それぞれの役割の明確化
挿入順の考え方
足りない部分をどう補うか

を徹底的に考察・解説していきます。

結論と役割の定義

まずひとつ目の質問への回答です。
結論として、1トラック内でのルーティングは次の順番をおすすめします。

・Equator＝掃除・共鳴除去
・IDX＝演奏補正的なエネルギー調整・ダイナミクス向上
・AQ＝音作り（トーンメイキング）
・Resolve＝他トラックとの衝突回避

この順番で実際にミックスしたものが下記になります。

もちろん、素材や狙いによっては順番を入れ替えるケースもあります。
とはいえ、最初に「標準パターン」を決めておくと、迷いなく挿していけるので、この記事ではこの流れを軸に話を進めます。

4つのプラグインの解説

それでは、各プラグインでどのような効果があったのかを見ていきます。
同時に私が「どんな役割を期待して」使ったのかも解像度を上げて整理していきます。

1.Equator

主要トラック（ボーカル、ベース、アコギ、）にプラグインを適用していきます。

あえて、生録音したものが多い曲にしましたので、ボーカルやベースのモコモコした中低域がスッキリしたのがわかるかと思います。

作業内容はLEARNボタンを押してメインノブを下げていっただけです。
もちろん細かく設定を追い込むことも出来ますが、「下処理」的な役割なのでここで全部を整えようとはしません。

ここで「濁り」や「埋もれ」を取り除きますが、まだ曲全体としては地味な印象です。

2.IDX

次にIDXを投入します。

ここでクリアさやパンチ感を向上させていきます。
余分なエネルギーを抑えてさらにスッキリとした音にします。

公式の推奨使用法は「トラックの1番最初に挿す」なのですが、今回は2番目に適用しました。
この辺は各自の判断による部分です。

ここでの注意点は「やりすぎない」ことです。
どんどんパンチが増していって気持ち良くなっていくのですが、曲全体を聴きつつ、自分の感覚の少し手前で調整しておくと後々の処理に余白が出来るのでおすすめです。

かなり印象が明るくなったというか前向きになったように感じます。

あばん

生命感というかイキイキした感じだね！

もーだん

推しプラグインのひとつです！

IDXはあくまで、「エネルギーのムダを減らし、必要な部分を前に出す」ことが主眼です。
そのため、ダイナミクス安定化をIDXに背負わせようとすると、「なんとなく元気になったけれど、レベルはバラバラ」という状態になりがちです。
この点は、後半の「残り30％をどう埋めるか」の章でも改めて触れます。

3.AQ

Curves AQでトラック全体のトーンを調整していきます。

やはり周波数を直接いじっているのでここで一気に変わりますね。

作業内容は、LEARNで読み込んだ後、提示されたカーブから気に入ったものを選びます。
ほぼそれでOKなのですが、ローカットを入れたり、赤と青のスライダーをいじって増減量を調整しています。

これまでの処理は「引き算的」に要らない部分を削ってきましたが、ここで「足し算的」にそのトラックの長所を伸ばしていきます。
ダイナミックEQは動的な処理を行うのでやりすぎると音量がブレたりしがちです。
ボーカルを調整していて不自然さを感じたので少し増減量を抑えたりSTATIC側に寄せたりして対応しました。

4.Resolve

そして最終段階です。

今回は曲全体の整理役として「キック→ベース」と「ボーカル→オケBUS」の2つに適用しました。

衝突回避の役割通り、ボーカルが浮かび上がって、ベースが下がる代わりにキックが聞き取りやすくなりました。

前段までで音の調整は終わっているので、元のキャラクターを出来るだけ変えずに、「必要最低限」のスペースだけ開けるという意味では、ダイナミックに追従しながら処理をしてくれるResolveはいい選択肢です。

あばん

操作も簡単だし分かりやすいよね！

もーだん

サイドチェーンは出来る方が得だよね！

これでひとまず完成です。

残り30％を埋める要素

2つ目の質問「ミックスの完成度をどこまで高められるか？」は70％ぐらいまではいけると思っています。
前述のデモ音源でそれを実感して貰えていたら嬉しいです。

じゃあ残りの30％は何かというと、これら4つのプラグインが「出来ないこと」を整理していくと見えてきます。

そもそも備わっていない機能

アナログ的な歪み・倍音によるキャラクター付け

4つとも基本はクリーンな処理を前提としており、テープ／チューブ／トランス系のサチュレーションは搭載していません。

中域の密度感や、耳に心地良い軽い歪みを加えるには、別途サチュレーションが必要です。

リバーブやディレイによる空間演出

これらは完全に別カテゴリのエフェクトです。

Curves系でどれだけ整えても、「距離感」「奥行き感」「残響の美しさ」は空間系に頼るしかありません。

役割が微妙に違う機能

ダイナミクスの安定化

先ほど述べたように、IDXは「エネルギーのムダを減らしてパンチと明瞭度を上げる」ツールであり、RMSを揃えるレベリングコンプではありません。

ボーカルの細かい抑揚を安定させたり、アコギのストロークの粒を揃えたりするには、通常のコンプレッサやボリュームオートメーションが必要です。

低域の処理／ハイパスフィルター

AQやEquatorでも低域を削ることは可能ですが、

「キックは30Hzから切る」「ボーカルは80Hz以下を落とす」といった、明確な周波数でのローカットは、やはり視覚的に分かりやすい一般的なEQに任せた方が安全です。

具体的な補完チェーン

ボーカルとドラムの例を考えてみます。

このように、Curves＋IDXは整えるのは非常に得意ですがあくまでも土台や基礎の部分においてのみです。
「サチュレーションやコンプはキャラ付けと安定化のため」という構図を明確にすることで、4つのプラグインを無理なく自分の定番チェーンに組み込めるようになります。

ということで、前述したプラグインを使いつつ「コンプ・歪み・空間系・ローカット」を追加して再度作ってみました。

あばん

やっぱ空間系と歪みって大事だね…

もーだん

一気に色気とかキャラが出来てくるね！

マスターバスでの応用

実は、マスターでこれらを使うのが結構しっくりくるんじゃね？と個人的には思っています。
前述したように「キャラ付けは苦手だが、綺麗に整理してくれる賢さ」がマスター段では非常に有用だったりするのです。

ともあれご覧ください。

・Equator：軽い共鳴取り
・IDX（Soft、Amount控えめ）
・AQ：全体のトーン調整
・最終リミッター

IDXで個々のトラックが重なった際の「ムダなエネルギー」を整理してしまうことで、後段のEQとリミッターの効きを良くしています。

正直、IDXの1番良い使い方は「マスター段の1〜2番目」と言いたいぐらい多用しています。
ただし、Amountを上げすぎるとミックスのダイナミクスが縮んでしまうので、10〜20％程度から始めると良いでしょう。

質問者さんありがとう

改めて非常に良い質問を頂きまして感謝いたします。
私自身の整理にもなりましたし、プラグインの得意不得意を見つめ直すことが出来ました。

ここまで見てきたように、Curves3兄弟とIDXは、それぞれ明確な得意分野を持ちながら、信号処理の流れとしてもきれいに並べられるプラグイン群です。

1つ目の質問の回答として、おすすめの順番は下記の通りです。

・Equator：掃除・共鳴除去
・IDX：演奏の見せ方を整えるエネルギー調整
・AQ：AIトーンメイキングによる音作り
・Resolve：トラック同士の衝突回避・マスキング解消

そして2つ目の質問の回答として、ミックスの「土台」「バランス」「聴こえ方」は70％ぐらいまでは高められます。
残った30％に「歪み・空間系」などのキャラ付けや演出を入れていくとミックスの完成度はさらに向上するでしょう。

今回のWavesのプラグインは非常に賢いがゆえに、上品で優れた土台、スタート地点を作ってくれますが、誰が作っても同じような「平凡」や「無味」になりがちです。
そこから先のゴール地点までを差別化するために残り30％を工夫する必要があると感じましいた。

ぜひこのワークフローを体感していただいて気付いた事などあればコメントで教えてください。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

色んなプラグインが出てるけど…

もーだん

内部で何が起きてるんだろうね…？

最近、「Open Compressor」という素晴らしいプラグインを入手し使い込んでいます。
アタック、リリース、トランジェント、倍音……コンプレッサーの挙動を可視化してコントロールできるツールです。

そして、大きなウリとしてSSLやAPIや1176などの名機の挙動を再現できるのですが、UADやWavesが出しているアナログモデリングプラグインがこれで不要になるかというとそういうことでもないなと気付きました。

では、世のエンジニアの皆さんが言う「アナログっぽさ」や「独特の風味」と言うのは一体何を指しているのかと思いめちゃくちゃ調べて勉強してきました。

先に結論を言ってしまうと、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

別の記事で「コンプとフェーダーの違い」を解説しましたが、それの別章だと考えてもらえれば幸いです。

ここで語られる内容はプロエンジニアの方にとっては常識的なものかも知れません。

そしてブログ自体文量が多く、至らない点や不備もあるかも知れませんが必ず皆さんにとって新しい知識や視点が得られる記事になります。

・魔法の物理的構成要素
・各メーカーの戦術の違い
・それぞれの優位性
上記3点を解説していきます。

アナログ実機の動作原理が分かっていればプラグイン選びの基準になるし、購入の際、注目すべきポイントも明瞭になるのでぜひご覧ください。

魔法の物理的構成要素

Open Compressorのようなデジタルコンプは指定した数値やパラメーター通りの挙動を起こしますが、アナログ実機の場合は常に「物理法則」とせめぎ合っています。

アナログの特徴として「非線形」「時間変化」「状態依存性」の3つに集約できます。
これらはそっくりそのままデジタルで再現が難しい理由になります。

つまりざっくり言うと、特性そのものと言うより「特性が揺らぎながら変化する」事がデジタルは苦手であり、アナログ実機の持つ不完全ゆえのエラーであると言えます。

1.変圧器のヒステリシスと位相変化

多くの名機(1176、LA-2A、APIなど)は、入出力に音声信号を変圧する「トランス（変圧器）」を通します。このトランスによって音が変わると言う話は皆さんも聞いた事があるかも知れません。

ヒステリシスと言うのは、現在の入力だけでなく、過去の履歴（変化の過程）に依存して変化する現象のことです。

音楽的にどのような効果があるかというと、低レベル信号(リバーブの余韻やブレス)に対して独特の倍音を付加し、聴感上の「密度」を向上させます。
→「小さな音が前に出てくる」「質感がザラッとして存在感が増す」

また、トランスを通った際に低域の遅延が発生し位相が変化します。
これにより、キックやベースのアタック成分が時間軸上でわずかに滲みます。

結果として鋭かったピークが「丸みを帯びたパンチ」に変わります。これがアナログに通したことで「耳に痛くないのに迫力がある」という音の正体です。

2.光と時間の記憶

LA-2Aはオプトタイプのコンプレッサーである、と言うのは聞いた事あるでしょうか。

そのオプトタイプの心臓部であるセル（発光＋受光）は、強い光を受け続けた（＝強いリダクションがかかり続けた）場合、暗くなるまでの時間にラグがあります。
それは、どのぐらいの強さの光をどのぐらい浴びていたのかによる物理的な「熱」や「残像」を記憶することでリリースや次の圧縮の挙動が変わると言う事です。

これが「歌い出しは速く反応するのに、サビの終わりではゆったりリリースされる」という、デジタルでは再現が難しい音楽的な挙動を自動で生み出します。

あばん

スポットライトとか浴び続けると…

もーだん

ずっと熱いし目の奥に残像が残るもんね。

3.電源電圧の変動（サグ）

今回勉強した中で一番面白いのがここでした。
サグは、瞬間的に電圧が通常よりも低下する現象のことです。

これが音楽的に何をもたらすかというと、キックのような低周波かつ大エネルギーの信号が入力されると電圧が瞬間的に下がります。

そうすると、同時に鳴っている高域成分（ハイハットなど）を巻き込みながらコンプレッションとは異なるメカニズムで「キックが鳴った瞬間に全体が少し吸い込まれる」という独特のグルーヴを生み出します。

これがあの「接着感（Glue）」の正体の一つです。
バストラックで使われるコンプレッサーにはこのような特徴が備わっています。
つまり、電圧というアナログ的で有機的で不可避な欠陥のおかげで魔法のようなグルー感が生まれているのです。

この3つの要素は「時間」や「熱」「電気」などの物理的で有機的な事象と複雑に絡み合いながらアナログの魔法を構成しています。

メーカーの戦い方の違い

それでは、前述したようなアナログの挙動を各メーカーはどのように再現しているのか？
それを紐解いていくと、メーカーごとの「タイプ」や「得意技」の違いが見えてきます。

あばん

この章もめちゃくちゃ面白いんだよね！

もーだん

こんなに違いあるの？！ってなるよ！

1.回路図の絶対信者（代表：UAD）

「音」を似せるのではなく、「電気」や「回路」をシミュレートする「物理モデリング」というやり方です。
回路図に基づき、各電子部品（抵抗・コンデンサ・トランジスタ・真空管・材質など）の物理法則を計算しまくってくれます。

私には詳しいことは分かりませんが、パッと考えるだけでも吐き気を催す計算量が必要になる事がわかるでしょう。
各パーツ × 素材（短いトランジェント、長い持続信号、複雑な和音）× 周波数 × …など音楽に必要な要素が多すぎるそれらの相互作用までシミュレートしなければなりません。
そして、前述したような「熱」「時間」なども計算すると想像すると、もはや感謝しか出てきません。

あばん

お金払わせてくださいってなるよね…

もーだん

セールとかしてくれてほんと感謝だよね…

2.狂気のサンプリング（代表：Acustica Audio）

上記のような膨大な計算をすっ飛ばして、入力と出力の関係性を大量にサンプリングする手法を取っているのがAcustica Audioです。

「Aという音を入力したらBになった。じゃあCもやってみよう。」を大量に行い「反応そのもの」のデータをサンプリングしています。

特徴としては、回路図から計算するのではなく、実機そのものの出力を録音してデータ化するため、モデリングでは再現しきれない「空気感」「個体の癖」「経年劣化の味」などの質感を完コピできます。
ただ、膨大なデータを扱うためマシン負荷はかなり高くなりやすいです。

音源で言うとMODO BASSとTrilianの違いのようなものでしょう。

MODO BASSの場合は、物理的に再現(シミュレート)するため、容量が小さく「っぽい音」が表現できるという高い利便性があります。

逆にサンプルベースのTrilianはライブラリ容量がかなり大きくCPU負荷も大きめですが圧倒的な「質感」「リアル感」が特徴です。

これはそのまま上記2社の違いや優位性に当てはまります。

3.個体差を科学する（代表：Plugin Alliance Brainworx)

全く同じものがこの世に無いように、アナログパーツには必ず「誤差」があります。
同じギターでも、製造ロットや個体差によって必ず音が違います。

この部分をBrainworxは各パーツをランダムに変動させたモデルをシミュレーションして72種類（チャンネル）作り出しました。
これにより、各パートやチャンネルごとに微妙な差異が生まれデジタルにはない「ワイド感」「深み」「滲み」「立体感」を生み出します。

あばん

実際のコンソールの再現という意味では…

もーだん

ここが一番理にかなってるかもね。

３パターンどれもデジタルには無いアナログの不完全さを再現・構築しています。

それぞれの優位性

ここがブログの核心部分になるでしょう。
実機を保有している人は少なくプラグインで代替している人がほどんどでしょう。
ここでは「どちらが優れているか」ではなく、「物理法則の壁」と「計算機の可能性」の対比として話を進めていきます。

アナログが出来ること

無限の解像度

デジタルオーディオには「サンプリングレート」と「ビット深度」という「階段」が存在します。サンプリングレートの44.1kHzは1秒を44,100分割した状態のことです。

デジタルの場合、必ず量子化されるのでこの「階段」と言う「段差」が存在します。
非常に鋭いアタック（マイクロ秒単位のピーク）がサンプリングの「隙間」に入った場合、デジタルではそのピークの正確な形状やエネルギーを完全に捉えきれません。

しかしアナログの場合1秒を無限に分解できるため、物理上情報の欠落は存在しないと言うことになります。

インピーダンスの相互作用

実機では、プリアンプとコンプレッサーをケーブルで繋いだ瞬間、電気回路がつながり、相互に影響を及ぼし合います。

DAW上のプラグインスロットは一方向にデータ処理を行なっているだけですので、アナログチェーン接続による「一体感」や「予期せぬトーン変化」は、相互干渉がもたらした実機特有のものだと言えます。

予測不能の状態変化

前述してきたことそのものなのですが、各パーツの材質・温度・電圧・劣化具合など多種多様な要素が混ざり合い特性を変化させたりノイズを加えたりします。

その特性変化やノイズが音楽的に心地良いと評価されているのは皆さんの知るところではありますが、この特性を完全に再現するためには、
・無限に近い状態変数
・長時間の履歴保持
・膨大な計算量
が必要になり実質不可能となっています。

デジタルが出来ること

完全な再現性とリコール

前述の項をひっくり返すとデジタルプラグインの優位性が1つ立ち上がります。

厳密に言えば2度と同じ音が出せない実機に対し、いつでも同じ音を出せると言うのがプラグインの最強の優位性です。

・温度が変わらない
・経年劣化がない
・電源電圧が揺れない
・個体差が存在しない

これらを敢えて再現する手法もありますが、「完全に同じ音を再現出来る」と言うのは、言うまでもなくデジタルだからこそ出来ることでしょう。

あばん

プラグインが劣化して修理が必要…

もーだん

そうなったらもう怖くて使えないよ…

未来を見る先読み（Look-ahead）機能

物理世界では「未来の出来事を見てから現在の行動を決める」ことは不可能です。
しかしデジタルでは、バッファを用いることで「数ミリ秒後の信号」を先読みできます。

それがコンプレッサーやリミッターに搭載されている「Look-ahead」と言う機能です。

これにより、「ピークが来る5ミリ秒前」にゲインを下げ始めることができるため、「歪みを一切発生させずに完全にピークを止める」という物理的に不可能な挙動（Brickwall Limiter）が可能になります。

位相線形性の制御

「リニアフェイズEQ」と言う言葉を聞いたことはあるでしょうか？
それについての話です。

アナログEQやフィルタは、周波数を変化させると必ず「位相ズレ」が発生します。
勿論プラグインでも変化はするのですが、「リニアフェイズEQ」を使えば、位相を全く変化させずに周波数特性だけを変える事ができます。

難しいことは分からないのですが、入力信号の全帯域を「同じだけ遅らせる」ことで、相対的な位相関係を崩さないEQとのこと。
つまりこれもデジタル的に時間を操っているので実機には不可能な挙動となります。

まとめ：魔法の正体

Open Compressorを手にしてしまったばっかりにこんなブログを書いてしまいました。

そもそもの発端を思い出すと、各パーツや構成要素や歪みを再現する事が出来る「Open Compressor」があればもうアナログプラグインはお払い箱になるのか？と言う疑問でした。

もし、そうであるならば各メーカーがこんなに鎬を削って新製品の開発をするはずが無いと思い、今回の「アナログの魔法」に関するリサーチ＆執筆を始めました。

あばん

なんだか長い旅路だったね…

もーだん

リサーチ含めて4日ぐらいかかってるよ…

冒頭述べたように結論、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

電圧・電流回路・経過時間・熱・劣化・ノイズ・個体差…などの現実世界ではどうしようもない「物理法則」によって、望む望まないに関わらず、あらぬ挙動を生み出しました。

本来それは忌避すべき「欠陥」でしたが、それがなんだか音楽的であると気付き、先人たちが使用と調整を続けてきた結果、今日の歴史的な「名機」が作られ今の音楽文化を彩っています。
「判断が早い」「どう使っても破綻しにくい」と言うのは先人たちが音楽的なチューニングを積み上げてきた「技術的文化」の上に成り立っています。

そして今日では、様々なメーカーがあの手この手でその「不確定性」や「相互干渉」というデジタルが苦手な部分をいかに矛盾なく実装するかの技術を競い合っています。

ここまで連綿と繋がってきたアナログとデジタルの歴史を振り返ると、私が知ったのは例え氷山の一角だったとしても畏怖と敬意を覚えざるを得ません。

クラークの第3法則そのもの

Open Compressorはデジタル系のコンプレッサーとして認識しています。
それはクリーンであり、正確なコンプレッションという現象の純粋な形そのものです。

一方で、実機もしくはアナログエミュのプラグインは、挙動やノイズなどを含めた「音楽的文化」を提供してくれています。
そして同時に即物的に「使えばなんかいい感じになる」を提供してくれます。

SF作家 アーサー・C・クラークの有名な「三法則」の第3法則として有名な下記の言葉があります。

「十分に高度な科学技術は、魔法と見分けがつかない」

このブログの結末にするにはやや鋭すぎる気もしますが、まさに言い得て妙だと思います。

しかし私なりに言い換えるなら下記になります。

音楽において魔法とは「理解不能なもの」ではなく、
理解した上であえて選ぶ「非合理」である。

知っていても知らなくても選んだ先にある音が目的なのですから、選ぶ事自体が目的化してしまわないように留意して音楽制作に役立てていこうと感じました。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

何となくは分かるけど…

もーだん

具体的に何が違うんだっけ？

前回別の記事で取り上げたOpen Compressor。
コンプレッサーの挙動が分かりやすく可視化されていて私自身勉強になりました。

外部リンク(Plugin boutique)

そして同時に根本的な疑問がわきました。

「コンプレッサーって結局、音量を下げているだけでは？」
「完璧にボリュームオートメーションを書けば、同じ音になるのでは？」

恥ずかしながら何となくで理解していたつもりになっていましたが、改めて考えてみると言葉に詰まるような問いでした。

今回めちゃくちゃ勉強したのでコンプレッサーとオートメーションの違いを私なりに噛み砕いて分かりやすく解説していきます。

蓋を開けてみれば「なんだそんなことか」となるかも知れませんが非常に奥が深く興味深く、皆さんの制作に活かせる内容となっていますのでぜひご覧ください。

内容としては以下の3つです。
・まず、結論。
・両者の違い
・それぞれの優位性

まず、結論。

前提として「アナログ的な歪み」や「現実的に不可能」というのは一旦置いておきます。

結論から話すと、「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を描くことが出来れば、理論上は全く同じ波形を再現する事は可能です。

あばん

え、可能なんだ…

もーだん

意外だよね、出来るんだね…。

そもそもコンプレッサーは「入力信号」と「設定（Threshold, Ratio, Attack, Release）」
から理想的なゲイン量を算出しているだけで、数学的にはただの「時間変化するボリューム」です。

そして「完璧なボリュームオートメーション」がそのゲイン量を1サンプル単位で完全再現できるなら、2つの出力は数学的にも聴感上も完全一致します。
これは、デジタル信号処理として絶対の事実です。

それでは何故コンプレッサーがここまで重宝されているのでしょうか？
ボリュームオートメーションではカバーできない部分とは何なのでしょうか？

両者の何が違うのか？

音そのものを変化させている

これが最大の大きな違いなのですが、まずそもそもの「動作原理」が全く異なります。
コンプレッサーが入力信号「A」に対して下記のような動作と計算を行います。
・検出（Peak, RMS, Opto）
・アタックによる遅延
・リリースによる戻り
・レシオとニーによる非線形カーブ
・etc…

これにより出力される信号は「B」という別物に成ります。
つまり音の波形やキャラクターそのものを変化させています。

しかし、ボリュームオートメーションの場合は信号「A」自体の波形は変えず音量を上下させているだけです。

トランジェント制御

上記の話にもややかぶってきますが、コンプレッサーはトランジェントの形を変えることができます。
トランジェントとは、音の立ち上がり部分のことで、この勾配(傾き)によってその音のキャラクター(距離感・太さなど)が決まります。

いわゆるアタックやリリースで設定できる部分で、例として出すと…
アタックが10ms → トランジェントは生き残る
アタックが1ms → トランジェントが削られて太くなる
リリース100ms → 余韻が滑らかに伸びる
リリース10ms → パンピングが生まれる

みたいな感じです。
もちろん音のソースによって変わってくるので一例として受け取ってください。

そしてこれらをコンプレッサーは1ミリ秒以下という凄まじい速さで制御しますが、オートメーションでは非常に難易度が高い部分です。

自動ボリューム系のプラグイン

「WavesのVocal Riderなどのオートボリューム系のプラグインがあるじゃないか」と声が聞こえて来そうですし、私も当然そう思いました。

確かにコンプレッサーも入力音に対して設定通りに音量を変化させているのだから結局同じだろうと思いますが、ここでも明確な差があります。

オートボリューム系は「全体の音量を目標レベルに近づける」ために「再生全体の音量傾向」に基づいて調整するため、瞬間的なピーク制御は苦手です。
つまり、コンプレッサーに比べて動作が圧倒的に遅いのです。

コンプレッサーの優位性

両者の違いをある程度理解していただいた上でコンプレッサーが何故ここまで重宝されるのかを説明します。

そもそも現実的に不可能

いきなりですが、割とこれが全てです。

あばん

すごいちゃぶ台返しだね…

もーだん

前提そのものが無茶だったんだね。

前提として挙げていた「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を人力やプラグインの力を持ってしても描くことがそもそも非常に難しいのです。

1/44100秒単位（サンプル単位）で完璧にフェーダーを動かすと言えばその無謀さが理解しやすくなるかも知れません。
よしんば描けたとしても途方も無い時間と労力をそこに割くことになってしまいます。

つまりコンプレッサーとは非常にインテリジェンスな「自動音量調整機」だと言えます。

コンプレッサーによるキャラ作りが秀逸

もうひとつの前提も覆させてください。
「歪み」を抜きにして話を進めてきましたが、歪みや位相変化もコンプレッサーならではの圧倒的な優位性です。
SSLやLA−2Aなどの名だたる名機たちには独自の歪みや色を持っておりそれらを求めてエンジニアたちはコンプレッサーを使用します。

そして前述したトランジェントの成型と合わせて唯一無二のキャラクターを作ってくれます。
この「アナログの魔法」とも言うべき点においてオートメーションは及んでいません。

コンプレッサーは「音量調節機」であると同時に「質感加工機」であると言えます。

「再現ならできる」

冒頭から言っている「再現できる」と言う言葉は割と深くて、コンプレッサーの挙動を真似することは理論上は可能です（いくつかの前提条件付きで）。

しかし、あくまでも再現であってコンプレッサーはその場で倍音構成やトランジェント波形を作り変えることで新しい音を「偶発的に」生み出しています。
入力音のわずかな違いや前後の音の文脈によってコンプレッサーの内部は挙動を変えています。

つまり「コンプレッサーが作った生成物」を後追いで真似しているだけであり、リアルタイムで「音楽的に作用する」プロセスはオートメーションには存在しない
だから、結果だけを見ると似せることは可能でも、プロセス自体は全く違うということです。

あばん

なんだかオートメーションが…

もーだん

不憫になってきたよ…

それでは、オートメーションがどんな時に使えるのか？
優位性や使い分けについて見ていきましょう。

オートメーションの優位性

歪みと音量調節

大きな点としてオートメーションはボリュームを上下させているだけなので歪みません。

コンプレッサーなどの歪みは音楽的に優れている部分も有りますが、本来ノイズや歪みは忌避すべきものです。
音そのものの質感を変えたく無い時や、原音のニュアンスを極限まで守りたい場合はオートメーションの方が優れていると言えます。

そして局所的な調整、例えば、「サビの頭だけ派手にしたい」「この一文字だけ大きくしたい」といった音楽的な演出は、機械的なコンプには不可能です。
人間の感性で細かく描けるオートメーションの独壇場です。

どう使い分けるべきか？

多くのエンジニアはワークフローの中に下記のようにどちらも取り入れています。

① オートメーションで「音量問題」を整える
・句読点ごとに整える
・極端な大小を均す
・目立つ突出を避ける
・オートメーションで基礎を作る

これで聴感上の不安定さを減らしてから

② そのうえで、コンプレッサーで「質感」を作る
・前に出す
・押し出す
・密度を上げる
・ノリを作る
・アタックの速度を整える
・質感を揃える

あばん

先にオートメーションで均すことで…

もーだん

コンプも効きが良くなるって聞いたよ！

理解の難しいエフェクト筆頭

Open Compressorを手にしたばっかりにこんな疑問にぶち当たってしまいました。

それでも色んな記事や動画を見て、勉強した甲斐があると思います。
「理論上は、再現できる」と言う言葉に全てが詰め込まれています。

その場で音楽的な偶然を生成していくコンプレッサーの凄さを改めて実感しました。

こんな気付きをこれからも発信していきます。
応援のほどよろしくお願いします。

外部リンク(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

なんかすごく話題になってるね！

もーだん

BFセールで買った！って声よく見たよ！

Woodstock AudioがリリースしたOpen Compressorについて、最初はGUIも普通だし特に気にしていませんでした。
しかし、私が推していて参考にさせて頂いている方々のツイートを拝見して「これは！！？」となったので私も入手してみました。

今回はこのプラグインの売りである「透明性」がどのぐらい透明なのか？
実際の音はどうか？などの検証をお届けしていきます。

内容としては以下の3つ
・3つの特徴を解説
・徹底解剖してみる
・実際の音質デモ

購入を迷っている方や、手にしたは良いけど…。となっている人に有益な記事になるかと思います。
最後までお付き合いください。

製品情報

ボンネットの下を覗いてみよう
Open Compressorは、お気に入りのコンプレッサーのコアコンポーネントに加え、クリッピング、リミッター、自動スレッショルドなど、様々な機能を備えています。さらに、各段階で内部で何が起こっているかを正確に表示することで、技術的なプロセスへの理解を深め、音楽制作においてより良い判断を下すために必要な情報を提供します。
Open Compressorの分かりやすいレイアウトは、強化されたリアルタイムのビジュアル分析、操作しやすいUI、そして明確な用語を採用し、サウンドへの没入感を高めます。
多彩な処理ツールを指先一つで操作できるので、瞬時に視覚的なフィードバックを得ながら、思い通りのサウンドを的確に調整でき、ダイナミクス処理の芸術性と科学性を深く理解することができます。

本家サイトより引用

外部リンク(Plugin boutique)

私がグッと来たのは公式動画の後半で代表の想いが語られている部分です。

「昨今色んなAIツールが台頭してきて何もしなくても良い音が出てくる。
しかし、私は全部を深く知りたいしコントロールしたいんだ。」

的なことを言っていました。
気持ちは非常によく分かるし、コンプは理解しづらいエフェクトの筆頭だとも思います。

そして、このプラグインはMastering.comの制作チームによって開発されており、教育的側面と実用的なプロ機能のハイブリッドとして設計されており、初心者から経験豊富なエンジニアまで、あらゆるレベルのユーザーに価値を発揮します。

あばん

これでコンプが理解できれば…

もーだん

他の製品にも応用が効くもんね！

3つの特徴を解説

1.5つのビジュアライザー

このコンプレッサーの「透明性」を担保している5つのビジュアライザーを説明します。

波形ビジュアライザー（Waveform Visualiser）
ウェット/ドライ信号の波形、ゲインリダクションライン、コンプレッサー・クリッパー・リミッターの各スレッショルドラインが表示されています。
本プラグインのメインウィンドウでここを見ながら調整することが一番多いです。

倍音ビジュアライザー（Harmonic Saturation Visualiser）
奇数倍音（Odd）と偶数倍音（Even）の分布がリアルタイムで表示されます。いわゆる音の「暖かみ」と言うような音色変化などが倍音と音色の因果関係であることを視覚で確認できます。

EQビジュアライザー（EQ Visualiser）
トーンコントロールが描く周波数特性カーブと、スペクトラムアナライザーが同時表示されます。個人的にはトーンをいじる時のサポートとしてチラ見するぐらいです。

ニービジュアライザー（Knee Visualiser）
コンプレッサーのニー（圧縮開始の曲線）の形状と、現在のゲインリダクション状態が曲線上に表示されます。ハードニー（急峻）とソフトニー（緩勾配）の違いが視覚的に把握でき、初心者にも理解しやすいのでは無いでしょうか。

オシロスコープ（Oscilloscope）
クリッピングとサチュレーション処理を加えた後の波形形状を表示します。
いわゆるビジュアライズされたもので変化を分かりやすく表示したものだと言うことは念頭に置いた方がいいでしょう。

実際にコンプレッサーの中で何が行われているのかをここで全て見る事ができます。
いわゆる「アナログの魔法」とは真逆を行く可視性の高さです。

あばん

最初はびっくりしそうだけど…

もーだん

これが理解を深めてくれるんだよね！

2.モジュラーアプローチ

コンプレッサーの性質を決めるモジュールがGUIの左側に配備されています。
詳しく見ていくと古典的なコンプレッサーの挙動を再現することが出来る事が分かります。

Peak vs RMS検出方式
Peak: 信号のピーク値に即座に反応。デジタルコンプレッサーやVCA型の特性を再現。
RMS: 耳で聞いた時に近い反応を示す。より自然で音楽的な圧縮をするためBusなどによく用いられる。

Regular vs Optical
Regular: アタックとリリースが線形で、設定した時間で厳密に動作する。
Optical: アタック時間が可変、リリースが2段階に設定されることにより滑らかで自然な圧縮特性をもたらす。

Feedforward vs Feedback
Feedforward: 現代的なデジタルコンプレッサーの特性。反応速度が速く、クリーンな動作。
Feedback: 古典的なアナログコンプレッサーの特性。「粘着的」でグルー感のある音。
Feedforwardはトランジェント制御に優れ、Feedbackはダイナミクスを滑らかに「丸める」処理に向く。

後述しますが、この辺の設定によっても倍音構成が結構変わってくるので要チェックです。

3.ダイナミクス処理

初心者にも非常に優しい自動スレッショルド&自動リリースが搭載されています。

個人的にはコンプは「スレッショルドの調整」によって音楽的になったり破綻したりするものだと思っています。
上手く適用できればいいのですが、ボーカルのように入力レベルが変動する素材では、「大きい箇所は圧縮されるが小さい箇所は圧縮されない」という問題が発生しがちです。

それを自動スレッショルドにすると相対的な圧縮を施し続けてくれるため安定した処理を継続してくれます。

また、自動リリースも、マニュアルによると「多くのゲインリダクションが行われている箇所ではゆっくり、少ない箇所では速くリリースすることにより、自然で音楽的になる」とあります。

あばん

めっちゃ優しいじゃん…

もーだん

スレッショルドを見つけるの大変なんだよね。

そして段階的にトランジェントを制御するためにクリッパーとリミッターが搭載されています。

ルーティングの流れを公式マニュアルから引用しますが、抑えておくべきなのはクリッパー→リミッター→コンプレッサーの3段階設計になっていると言う事です。

クリッパーで音を丸くしながら、リミッターでピークを制御する。
多段掛けすることでトランジェントを段階的に制御出来ると言う仕様になっています。

あばん

とにかくコンプは一番最後！

もーだん

ここだけは覚えておかないとね…！

徹底解剖をしてみる

それではこの記事の本題の部分です。
PluginDoctorを使って細かく見ていきましょう。

周波数分析

ご覧の通りほぼフラットです。
20KHzらへんの超高域が切れていますが恐らくノイズ対策でしょう。

そしてサチュレーションを適用すると高域に変化が出てきます。

Oddで50％、Evenで30％ぐらい適用すると徐々に変化してきます。
しかし上記の適用量の場合、音はかなり歪むので「ほんの少し上がるんだなー」ぐらいの理解で良いと思います。

トーンを適用するとこんな感じです。

ビジュアライザーとほとんど同じでチルトEQを模した挙動で分かりやすいです。
サチュレーションの後に適用されるので倍音をどのぐらい押し出すかと言う調整に使えそうだと感じました。

倍音分析

恐らく一番クリーンであろうRMSタイプ&他のモジュールをオフにした状態がこちら。

それでは倍音を付加してビジュアライザーとの差異を確認してみます。

PluginDoctorの方がより多く派手に出ているようにも見えます。
後ほどのデモで聴いて貰いたいのですが、ビジュアライザーの見た目以上に歪みが強いです。

そしてクリッパーを適用しても倍音は発生します。

ビジュアライザーにはあまり反映されていませんが、かなり奇数次倍音が発生しています。

あばん

あら？なんだか意外だね…？

もーだん

あくまでもビジュアライザーなんだね！

ダイナミクス分析

ダイナミクスに関してはまぁ概ねそんな感じだろうなーと言う内容になりました。

ひとつ面白かったのは自動スレッショルドにした時にアタック部分が丸く無くなっていた事です。

考えてみれば、ずっとリダクションされ続けている状態なので当然かとも思うのですが、ボーカルなどのトランジェント部分が抑えられ過ぎてしまうのは避けたいところです。

なので、使用するパートにもよりますが、自動スレッショルドを使用する際はMIX度合いを変えるか、軽微な適用を心掛けるべきでしょう。

前述したOpticalの２段階リリースもここで確認する事ができます。

スレッショルド以下になったら最初の50%は素早く、残り50%は遅くゆっくりとリリースされます。
これはLA-2Aなどの光学式コンプを模した挙動とのことです。

実際の音質デモ

色んなプリセットを試しつつ各パートに適用してみました。

注意点&デメリット

教育的とは言いつつも…

最初の見た目から分かるように圧倒的な情報量に最初は気圧されます。
このツールを通じてコンプレッサーの原理を学ぶ分には非常に有用であるが、初心者の方が万能のコンプを求めて辿り着く製品ではないような気がします。

一応、CLOSEでビジュアライザーを完全に閉じたり、WAVEFORMでリダクション量だけ確認すると言うモードも用意されているので、もし気圧されてしまった時にはこちらを試してみると良いでしょう。

名機の音を再現…？

触れ込みとして、SSLやLA−2Aや1176など名機の音を再現できると謳っています。
レビューを見てみると結構再現度が高いとのことですが、「アナログの魔法」と呼ばれる領域の完全コピーには至っていません。

海外掲示板でも「高級コンプは最後の5〜10％の質感とワークフローの差」という意見がよく見られます。
自分なりに拡張していく場合にはOpen Compressorは良い選択肢になるかも知れません。

CPU負荷がちょっと高め

自分の環境では大体5~6％でした。
めっちゃ高いと言うわけではありませんが、多数のトラックにバンバン挿していけるかと言われると微妙なところです。

バスコンプやボーカルのみに適用というピンポイントの起用であれば十分かと思います。

全部理解したい人大集合

色々言いましたが、個人的にはメインコンプになりそうなぐらい気に入っています。
倍音の調整や多段的に音量を調節できるなどの利点が非常にグッときました。

この記事を書くにあたって、
そもそもコンプの圧縮とはなんぞや？
フェーダーオートメーションとは何が違うの？
名機に付き物の「アナログの魔法」とは？
プラグインの中身は何してるの？
みたいな根本的な疑問がかなり浮かんでしまいました。

まだまだ勉強不足ではありますが、この辺を調べていくうちにかなり面白い事がわかりそうなのでまた別記事にできたらと思います。

Open Compressorは教育者としてもプレイヤーとしても非常に優秀でした。
学習していくために時間コストは割く必要がありますが、それでも楽しみの方が勝る素敵な製品です。

ぜひ皆さんも検討してみてください。

外部リンク(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

また新しい生成AIツールだね！

もーだん

しかも今回は一味違うらしい…！

「曲はできたが何か物足りない」
「ベースやギターを入れたいが弾けない」
「そもそも編曲のアイデアが出ない」

聞き飽きた作曲あるあるですが、いつまで経っても抜けられることのない作曲沼の宿命です。
そしてそんな状況を打破するかの如く、近年大きく進化を遂げたのがSUNO AIやTUNEEと言った音楽生成AIツールです。

これらで曲作りは圧倒的に簡単になりました。
アイデアもクオリティも枯れることを知らずどんどん生み出せてしまうまさに巨人です。

しかし、皆さんの心の中には、
「AIで作ってもなんか虚しい…」
「無断で演奏データ使われてるんじゃ…？」
「倫理的に後ろめたい…」
という思いが少なからずあるのではないでしょうか？

今回はその疑問や不安を払拭する新しいツール「LANDR Layers」を紹介します。

後述しますが、他のAIと違う大きな点は「フェアトレードAI」であるということです。
これは、演奏家に同意を取った上で演奏データをAIに学習させて、その収益を演奏家に還元するというものです。

あばん

メーカー、ユーザー、演奏家…

もーだん

それぞれにメリットあるじゃん！

実際どのぐらい使えるのか？
具体的なワークフローは？
注意点やデメリットは？
今回はこれらについて徹底解説していきます。

サービス概要

LANDR Layers(公式サイト)

LANDR Studioの詳細はこちら

LANDR Layersの立ち位置

まずこのツールの立ち位置として、「楽曲生成AI」でも「ループ素材集」でも無く、提携している本物のセッションミュージシャンが制作を手助けしてくれるクリーンなAIツールです。

どのように手助けするかというと、自分の楽曲（もしくはループ）を読み込ませると、AIがテンポ・キー・ハーモニー・リズム・構成を解析し、その曲に合うドラム・ベース・コード・テクスチャなどの「レイヤー」を自動生成してくれます。

あばん

楽曲の文脈を理解してくれるんだね！

もーだん

本当にセッションみたいだ。

Aiodeとの業務提携

実は「LANDR Layers」という名前が付いてはいますが、中身はAiode社の「Aiode Virtual Musicians」と全く同じです。
業務提携をして、LANDRのサブスクでも使用出来るようになった、という感じです。

Aiode社の「フェアトレードAI」プログラムで収益をミュージシャンに分配する仕組みを採用することで、著作権・倫理面でAIを敬遠しがちな方にも安心して使うことができるようになっています。

実際のワークフロー

まずは、下記の動画でBefore/Afterを確認してみてください。

いかがでしょうか？
各パートが浮くことなく、テンプレート的なループではなく、曲に最適化されたアレンジが施されています。
これが数秒で生成されていくのですから、アイデアの深掘りやデモ制作にも非常に有用です。

使用方法

アプリを起動すると、4つのモードが表示されます。

Import Music
　基本的にはこのモードを選択することになると思います。
　後述するようなファイルを準備して解析させたらセッションがスタートしていきます。

Demo Songs
　デモトラックが準備されていて、LANDR Layersを気軽に楽しんだり使い勝手を確認することが出来ます。

From scratch＆Sample Remaker
　白紙状態のプロジェクトを開きます。
　Sample Remakerの方は手持ちのサンプルを読み込んで新しいフレーズを生成してくれるトラックが初期状態で開かれていると言ったものですが、「Import Music」でも使用することは出来ます。

素材の準備

今回はSUNOを使って生成した楽曲のボーカルとアコギのみを使ってみました。
先ほどのデモ動画でもあったやつです。

今回は「悩みがちなアレンジを解決」というテーマなので、コードやビートなどある程度ざっくりした構成が決まっているラフを用意しました。
勿論、ガッツリ作り込んだ完成Verを入れても良いですが、パートが多すぎるとAIが役割を判断しづらくなるため、「骨格だけ」の段階で投げる方が良い生成結果を生みます。

読み込ませると上図のようになりますので、BPMを指定します。

そしてメトロノームを聴きながら、UIのグリッドにファイルを移動させれば下準備は完成です。

レイヤーしていく

＋ボタンから新規トラックを作ると、パートやジャンルや雰囲気別のAIモデルを選択することが出来ます。

メーカー側が用意した「Layer」と提携アーティストAIの「Musician」から選ぶことが出来ます。
それぞれ役割や生成出来る楽器やパートが違うのでタグを見ながら判別してください。

「Layer」ではほぼおまかせ状態になりますが、「Musician」では演奏スタイルを設定することが出来ます。

そしてドラッグで演奏枠を指定したら、生成の準備が出来るのですが、その前に「Edit performance」から生成内容をある程度指定することが出来ます。

上図はアーティストのパートによって変わってきます。
使用するエフェクターやサンプルの雰囲気、下部共通でダイナミクスやフレーズの複雑さ、フィルの多さを設定することが出来ます。

ベースなら「タイト・シンプル」、ギターなら「リズム・中くらいの複雑さ」ぐらいから始めると事故りにくいと思います。

美味しいテイクを抜き出す

ここまで出来たらあとは生成しまくります。
同じリージョンに対して最大20テイクまで保存できるので良い感じのものが出来るまで試してみましょう。

一度に最長1分までの生成＆最大8トラックしか出来ませんが、ここで大事なのは「通しで完璧であるとは限らない」ということです。

私自身触って感じたのですが、フィルが甘かったり、フレーズがずれたりというのはたまに発生するので、良いとこだけを切っていく作業が結構大事になります。

完成品紹介

さらにもうひとつ作ってみました。

Sample Remakerでループ生成

正直な辛口レビュー

長所

曲に合わせた「専用フレーズ」が出てくる
楽曲のキー・コード・リズムを解析したうえでフレーズを生成するため、「音程がハマらない」「グルーヴが浮きまくる」といった問題が起きにくい印象でした。
また、アレンジ初心者には「こういうフレーズが王道なんだ！」と言った学習面でも有用だと思います。

生演奏ベースのグルーヴ感
実在のミュージシャンの演奏を学習しているため、「人間っぽいダイナミクスとタイミング」を体験できます。
今はまだ使用できるパートやアーティストは少ないですがこれからの拡張性を考えると非常にワクワク出来るツールです。

倫理的にクリーン
前述したように、しがらみや後ろめたさ一切無しで楽曲を作り上げていくことが出来ます。
むしろ使っていくことで世の中のアーティストに還元できるということを考えると積極的に使っていきたいとさえ思えます。

短所

結局はガチャ次第
いくらプロの演奏ベースであるとは言え「完璧」ではありません。

もう一つ作って見ましたが、個人的にはイマイチの出来です。
原曲は跳ねてるグルーヴィーなものですが、そこがあまり解析されずややのっぺりとしたアレンジが組まれました。

ボーカルのメインだけでなく、コードやリズム隊が入っている方がよりイメージに近いものは出来上がりやすいでしょう。

細かくコントロールすることは出来ないので過剰な期待は禁物です。

挙動が不安定
トラックが増えていくと、重くなったり、途中で落ちたりすることが多々あります。
自動保存されているので、作業が白紙になると言うのは私の環境では起きていませんが、ストレスはちょっと溜まります。
UI上でも明記されている通り、現状はまだベータ版での展開ですので改善を期待しています。

あくまで「補助輪」
やはり完成度や細かいコントロールでやや難はあります。

一発で完成形を出してくることはあまり無いし、生成結果が無難なとこに落ち着きがちでもあります。

「完全自動で神アレンジが出てくる魔法ではないが、行き詰まりをほぐしてくれるパートナーにはなり得る」というのが現実的な評価だと思います。

おすすめの使い方

これまでを加味して提案できるおすすめの使い方は下記の通りです。

サビだけ盛り上げたいときのテクスチャ足し
オーケストラやギターバッキングはガチャ次第ですが良い仕事をしてくれるのでサビのみの「ワンポイント起用」で空気感だけ足すのはとても実用的で気軽に試すことが出来ます。

Sample Remakerでアイデア発掘
腐らせがちな手持ちのサンプルを読み込ませてアイデアを膨らませるというのは結構ありです。数秒でネタを作って自分でブラッシュアップさせるのは作曲の腕試しとして使うことが出来ます。

あばん

いずれ全パートを一発生成ってのも出来るかもね！

もーだん

鍵盤系も生成出来るようになったら嬉しいなー！

競合製品との比較

Output 「Arcade Co-Producer」

現在、LANDR Layersと最も激しくシェアを争っているのがOutput社のArcadeです。

・特徴
Arcade自体はサンプルベースのインストゥルメントですが、近年追加された「Co-Producer」というAIエンジンが強力です。

・Layersとの違い
Arcade: 既存の膨大な高品質サンプルから、あなたの曲に合うものをAIが「選んで提案」する。
Layers: あなたの曲を解析して、新しい演奏を「その場で書き下ろす（生成する）」。

・比較のポイント
「既存のプロの音をサンプリング感覚で使いたいならArcade」、「自分だけの唯一無二のフレーズを生成してほしいならLayers」という棲み分けになります。

Splice「Create」

サンプルパックの最大手Spliceが提供する、レイヤー構築ツールです。

・特徴
数百万というSpliceのライブラリから、キーとテンポが合うループを最大8つまでAIが瞬時にスタック（重ね合わせ）してくれます。

・Layersとの違い
Splice: あくまで「既存のループの組み合わせ」です。そのため、メロディの細かいニュアンスまでは追従しません。
Layers: 既存のオーディオの「ノリ」や「コードのボイシング」をAIが聴き取って合わせるため、一体感がより高い。

Apple Logic Pro 「Session Players」

DAW標準機能として強力なライバルとなっているのが、Logic Proのセッションプレイヤー機能です。

・特徴
AI Bass Player, AI Keyboard Playerなどが搭載されており、コードトラックを指定するだけで、AIがまるで人間のようなアーティキュレーションで演奏します。

・Layersとの違い
Logic: Logic上でのみ動作するので他DAWでは使用することが出来ません。
Layers: デスクトップアプリで起動、ドラック&ドロップでどのDAWにも貼り付けることが出来ます。

Suno 「Suno Studio」

Sunoは「曲そのもの」を作るツールですが、2026年現在は「ステム（パート別）書き出し」や「アップロードした曲への重ね描き」機能が強化されています。

・特徴
圧倒的な生成能力。鼻歌をアップロードすれば、それに合わせたフルバンド演奏を数秒で作ります。

・Layersとの違い
Suno:著作権の学習元が不透明な点があり、プロの商用利用にはまだハードルがあります。
Layers: 「フェアトレードAI」を掲げ、プロの演奏家のデータを正当に契約して学習させているため、権利関係がクリーンです。

まとめ

LANDR Layersが支持されている最大の理由は、参加ミュージシャンに正当な報酬が支払われる『フェアトレード』な仕組みにあることを再三お伝えしてきました。

勝手に他人の曲を学習させたAIを使うことは、将来的な権利トラブルのリスクを孕むので、「ツール選びの倫理観も実力のうち」ということが言えるかもしれません。

あばん

実際かっこいい曲になってるもんね！

もーだん

人間も負けてられないね！

単体でLANDR Layersを契約することは出来ませんが、LANDR Studioのサブスクリプションに含まれています。

Essentialからでも使用できますが他の機能との兼ね合いもあると思うので、ぜひご自分の使用環境を加味して検討してみてください。

LANDR Studioの詳細はこちら

ベータ版ということで改善すべき部分もありますが、これからのアーティストの拡張や、更に高品質な生成にも期待は高まります。
既にドラマーとピアニストの実装も準備されているのでかなり楽しみです。

個人的には「AIに任せるところ」と「自分で締めるところ」を明確にしながら使用するのがコツだと感じました。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

私は「まぁ、なんとなるでしょう」と楽観的に捉えていたのですが、ここに至るまでの経緯を調べていくと、そこには「マネーゲームの犠牲者」となった真のNIの姿が見えてきました。

実はNI社は2度も売り渡されていたのです。

率直な今の感想は「悔しい…」の一言に尽きます。

今回の記事では
現在までの時系列
今後の展望
ユーザーがすべきこと
上記を解説していきます。

NI社のこれまでの経緯

1996〜2016：信頼の黄金期

NI社は1996年にReaktorの開発を目的として創業され、2000年代に入ると次々と伝説的な製品を世に送り出します。

この時のNI社は「独立した自由な開発」「ユーザーの声を反映するアップデート」「音楽の未来を感じさせる情熱」を確かに纏っており、企業としても健全な成長を辿っていました。

時代の風を掴み10年以上業界の王者として最先端をひた走り続けましたが、2010年代後半から少しずつ綻びが見え始めます。

・新製品の開発ペースが鈍化
・アップデートが遅い、または来ない
・競合他社の台頭
・4K/VST3などへの移行の遅さ

これらの不満が徐々に吹きこぼれ始めた時に、最初の大きな分岐点を迎えてしまいます。

2017〜2020：運命の分岐点「EMH Partners参入」

2017年にNI社はEMH Partnersという投資会社から巨額の投資を受けました。

この時点では、EMH Partnersは少数株主で、創業者たちはまだ会社の支配権を保持していました。
つまりNI社は「助けを求めていた」わけではなく、むしろ成長を加速させるためのパートナーシップだと考えていた訳です。

あばん

両方同じドイツの企業だし…

もーだん

理解も合って成長を期待してたんだろうね…

実際、売上60%増、月間アクティブユーザーは150万人に倍増と更なる成長を遂げた訳ですが、創業者主導・プロダクト中心の企業から投資会社主導の利益・成長率重視の企業へ変質したのを当時のユーザーは見逃しませんでした。

そして、2019年に1日で100人以上が解雇されるという事件が発生します。

「ベルリンとLAチーム間の対立」「サブスクリプション派 vs 従来製品派」などの内部崩壊と混乱が進む中、コロナ禍対策と業績向上のために翌年の2020年にEMH Partnersは更なる巨額の追加投資を行います。

このタイミングで会社の過半数所有権を達成し、実質的な支配権が創業者からEMH Partnersに移りました。

最初は、文化を守り共に成長を求めるパートナーだったはずなのに、ここから事態は急変します。

2021〜2024：新オーナーとLBOという「劇薬」

2021年1月、EMH Partnersは、NI社の過半数株式を、より大きな投資会社Francisco Partnersに売却します。

ここで用いられたのがLBO (レバレッジド・バイアウト)という手法で、私はここでマネーゲームの恐ろしさとNI社がここまで転落した原因を知ることとなりました。

つまり、NI社は「自分を買い取った主人の借金を、自分の稼ぎで返済する」という地獄の無限ループに放り込まれたということです。
そうなると、利益は全て自身の借金の返済に回されるので、人件費や開発費などは後回し・コストカットとなります。

これが、ユーザーが指摘していた「製品の放置」「サポートの崩壊」の真の原因でした。

さらにiZotope、Plugin Alliance、Brainworxと言った有力企業を次々と買収してSoundwideという新ブランドを立ち上げました。

あばん

当時発表された時は胸踊ったよなぁ。

もーだん

まさに銀河系軍団だもんね…。

しかし、こうした背景を見てみるとユーザーのためではないことが今となっては分かります。ただ、Francisco Partnersが複数の会社をまとめて「時価総額」を釣り上げ、高値で売り抜けるための化粧に過ぎなかったということです。

シナジーを期待されていたものの、強引に統合を進めたことで、Native Accessのバグや不具合が止まらず混乱を極めます。
2024年にも大規模リストラ（開発者・サポート要員大量解雇）を行い、「サポート体制の崩壊」「製品開発の停滞」「約束の不履行」などにより内部崩壊と信頼の毀損の一途を辿っていきます。

LBOとは？

調べていくと、LBOというのは「投資会社に圧倒的に有利な仕組み」です。

LBOは「投資会社がノーリスクに近い形で、ハイリターンを狙うためのギャンブル」の手法です。
NIがどれだけ素晴らしいソフトを作っても、その利益はまず「自分を買うために作られた借金」の返済に消えます。

何故、LBOを受け入れたのか？

個人的には「救済の一手」としてであって欲しかったですが現実は、「経営側がそれを受け入れざるを得ない状況」に追い込まれたとき、救済の顔をしたLBOが成立するケースも多く、NI社はまさにそのグレーゾーンに位置していたと考えられます。

・成長鈍化
・ハード（Maschine / Kontrol）とソフトの収益モデル破綻
・サブスク転換の失敗
・開発リソースの分散
・iZotope / PA買収による統合コスト増

これらを抱えていたNI社は、
「単独では立て直せないが潰してしまう訳にはいかない」
「今の値段でもいいから買ってくれる所を探そう」
という魂胆があったのだろうと推測されます。

2025〜現在：救済失敗から破産手続き

2025年11月11日、EUは投資会社BridgepointとBain Capital Creditの2社が、Francisco PartnersからNIを共同買収するという通知を受領し、承認しました。

しかし、取引は完了せず、2026年1月27日、NIは予備的破産手続きに入ったという我々の知るニュースとなりました。

ここでのポイントは以下の通りです。

Francisco Partnersも売り抜けようとした

個人的に一番やるせないのが、結局NI社を駒にしてマネーゲームをしていたんだと言う現実です。

調べていく中でこのようなLBOは3〜5年の短期サイクルで売却益を得ると言うのがスタンダードらしく、劇薬とも言える投資形態です。

ドサっと資金を入れ、強引に成長させて、運良く劇薬が適合し生き残れればWin-Win。
劇薬に耐えられずに終わったとしても借金はNI社持ちなのでFrancisco Partnersはほぼダメージ無し。

こう書いてみるとアニメで悪の組織が強い手駒を作るために民間人を実験体として色々しちゃう、的なあのシーンが頭をよぎります。

思えば最初のオーナーであるEMH Partnersも4年で売却しているので、最初からその目論見だったのかもしれません。

結局のところ、よくあるLBOの常套パターンに組み込まれて、魔改造を施され心も体もボロボロになったのがNI社と言うことです。

新たな買い手が割に合わないと判断

何故、EUが承認したのに取引が完了していないのか？の答えは明快です。

割に合わないと判断したからでしょう。

・負債が大きすぎる
・収益の大幅な下方修正があった
・リスクがリターンを上回った

などの憶測はいくらでも立ちます。

しかし、それほどに内情は深刻なのかも知れません。

今後の展望

ここからは、「事業継続可能か」「どの資産をいくらで売却するか」を1〜3ヶ月で判断します。
各メディアで言われている通り、即座の清算と言うわけではないので、すぐに製品が使えなくなると言うことはありません。

ただ、ここから先の動きを我々ユーザーは注視していく必要があります。

切り売りの対象は？

個人的に最も可能性が高いと考えているのは、Plugin AllianceとiZotopeが最初に売却されるというシナリオです。

理由としては、下記の通り。
・独立性が高い: これらのブランドはNIのコアシステムと深く統合されていない
・後から入ってきた: 2021年〜2022年の買収で追加されたため、分離しやすい
・個別に価値がある: 単独でも十分な市場価値を持つ
・債務の軽減: これらを売却することで、NI本体の債務を減らせる

iZotopeのAI技術、PAの膨大なアナログモデリング資産は、他社から見れば非常に魅力的な「商品」でしょう。

逆に、Kontakt、Massive、Maschineなどのコアコンテンツはハード・ソフトの垣根をこえたシステムを構築しています。

特にKontaktは他のサードパーティメーカーの製品も多く関与しているし、NI社の根幹みたいなところがあるので、ここが切り売りされるというのは考えづらいです。
と言うよりも個人的に考えたくないような気持ちです。

万が一、買われたとしても、NI社の独立性を尊重し、クロスプラットフォーム開発を継続させてくれたらいいなと希望を持っています。

前述した、Plugin Alliance・iZotopeは何らかのライセンス変更やサブスクプランの変更などはあるかも知れません。

考えうるマルチエンディング

このニュースを知って、どんな所が買うんだろうか？と思いを巡らせていると、先日発表された「Fender Studio Pro」のことを思い出しました。

Fenderは2021年にPreSonusを買収し、5年間Studio Oneの開発を継続しており、長期的な開発支援を行ってきました。

「FenderはPreSonusを何か別のものにしたいのではなく、あるがままの姿で買収した」と言う当時の明確なビジョンが示す通り、大きな変化もなく、ここまできています。

また、2005年には、SteinbergをYamahaが買収しました。
当初こそ懸念されましたが、YamahaはSteinbergの独自性を尊重して、結果としてCubaseは業界標準を守り抜き、Windows/Mac両対応を維持し続けています。

別パターンですが、Cakewalkのパターンもありえます。

時系列をざっと話すと、
→2013年にGibsonがRolandから買収
→2017年にGibsonが開発終了を発表
→2018年にBandLab Technologiesが資産を購入
→無料DAWとして復活
と言う流れです。

一旦、開発が止まったとしても、再起をすると言うパターンはあり得ます。
そう言った意味でも音楽に愛のある所に引き取ってもらえるのが理想形ではあります。

あばん

そう言う未来だったら嬉しいね！

もーだん

でもそれって、あのパターンもあるよ…？

個人的バッドエンディング

勿論、表面的にやばいケースというのはあります。

その1つは、製品開発が完全に凍結され、ライセンスが無効化されて、誰も使えなくなることです。
あって欲しくないと思っていますし、それは現状の製品・ブランド価値的にも考えづらいと考えています。

それよりも私が恐れているのは、Appleに買収され、Logic Pro専用になり、他のDAWで使えなくなる未来です。

Appleの囲い込み

Appleは、音楽ソフトウェア企業を買収して自社エコシステムに統合し、他のプラットフォームを切り捨ててきた過去を持っています。

2002年にはAppleがEmagicを買収し、その主力商品であったLogicを手に入れました。
そしてWindows版の開発は中止され、Logic ProとしてmacOS専用DAWに進化して今日まで至っています。

また、2015年にはCamel Audioを買収し人気のあったAlchemyシンセサイザー、サウンドライブラリ、エフェクトプラグインを手中にし、AlchemyはLogic Pro Xに統合され、現在も主要シンセとして使用されています。

SteinbergとYamahaの時にもHALionをCubase専用にしましたが、VST3版を作ることで他DAWとの互換性を残しています。

もし、iZotopeのRXやOzone、あるいはKONTAKTのエンジンがAppleに買収され、「これからはMacのLogic専用です。Windows版と他DAWへのVST供給は終了します」と言われたら……。

あばん

Logicユーザーは歓喜だろうけど…

もーだん

これは本当救いが無さすぎる。

私たちができること

NIが誰の手に渡るか、サーバーがいつ止まるか、もはや誰にも分からない状態です。
「ある程度の猶予はある、製品は残る希望がある。」
とはいえ、今のうちにやっておくべき防御策について考えてみました。

・ステム（全トラック書き出し）の完全実施
　Kontaktなどの音源トラックを使っている場合はWAVに書き出したりバウンス機能を使ってオーディオにしておく。

・インストーラーとライブラリの物理バックアップ
　インストーラー(exe/dmg)、Kontaktライブラリ、購入シリアル、NIアカウント情報などを外付けストレージに保管したりスクショで残しておく。

この辺りでしょうか。
非常にめんどくさいですが自衛のために私もやろうと思います。

悔し過ぎる全貌

冒頭で述べた通り、このニュースは「悔しい」。
ずっと愛用してきたツールが、マネーゲームの犠牲になりました。

思えば、2017年のEMH Partnersから何かが変わってしまったのかも知れません。

実は、Avid（Pro Tools）やImage-Line (FL Studio)にも似たような資本が入っていて囲い込みも行われていますが、現時点では大きな問題にはなっていません。
改めて、パートナー選びの大事さを痛感します。

では、我々、音楽家のパートナーとはなんでしょうか？

愛用している楽器？
パソコンのソフトウェア？
バンドメンバー？
あるいはお客さん？

色々浮かびますが、私は「リスナーとしての自分」だと思います。

もう1人の自分を楽しませるために、自分が「これかっこいい！」と思えるために、手と耳と心を動かしながら作曲をしているように感じます。

確かにNI社は愛すべきツールです。
しかし、自分というパートナーの信頼を失わないために、これからも作り続ける使命があります。

今は、前述したような自衛をしつつ、せめてFenderやYamahaのような、音楽への愛がある企業に救われることを祈りながら今後の動きを注視していきましょう。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

遂にWaves3部作が完結だね！

もーだん

ちゃんと無償配布でGET出来たかな？

48時間限定の無償配布という衝撃プロモーションで話題を掻っ攫った「Waves Curves Resolve」。
分類としては「スペクトラルダッカー」というサイドチェーンを用いてマスキング対策を行うプラグインです。

そして、皆さんも感じられたと思いますが、
「Trackspacerと役割が丸かぶりしてない…?!」かということです。

確かに、マスキング対策といえばTrackspacerと言われ続けてきたDTM界に、今回Wavesが明確な回答として出してきたのがCurves Resolveと言うわけです。

本記事では、Trackspacerをすでに持っている人が「本当に知りたい比較」にフォーカスし、Curves Equatorも含めた3者を、実際のミックス例で検証します。

製品概要

ノブ 1 つで解決します。
Curves Resolveは、ミックス内の複数のトラック間の不一致をインテリジェントに解決します。1つのトラックを別のトラックに聴き取り、衝突が発生した箇所のみにスペースを確保します。
その結果、マスキング、音の詰まり、濁りは一切ありません。
呼吸するかのようにクリーンなミックスが生まれ、すべてのサウンドが美しく調和します。そして、過剰な処理はほぼ不可能。他のどの方法よりも透明感があり、よりコントロールしやすいのです。

https://www.waves.com/plugins/curves-resolve

2024年に発表してから2年掛でついに完結を迎えたWaves3部作の最後の製品です。
これまでの2製品はCurves Equator、Curves AQです。

それぞれ動画や記事にしていますので、よければぜひご覧ください。
機能をざっくりまとめると下記のようになります。

機能解説

このプラグインは大きく分けて3つのブロックに分けられています。
それぞれに分かりづらかったり重要な機能があったりします。

1.サイドチェーン

画面上部はサイドチェーン(以下SC)で入力された音について調整する場所です。
入力する音は「目立たせたい音」を設定します。

例えば、キックとベースの場合、キックを出したいのでSCにはキック、このプラグインはベースに挿します。

また、オケとボーカルで、ボーカルの抜けを良くしたいのでSCにはボーカル、プラグインはオケのバスに挿します。

意外と混乱しやすい所なので気をつけましょう。

LEARN

オーディオを再生して、一定期間にわたってサイドチェーンの入力音を平均化します。
より安定した柔らかい処理が必要な場合に使用します。
また、後述するDYNAMIC/STEADYに関わってきます。

TILT

入力音のどの帯域を重視して処理するかの重み付けができます。
ナチュラル(シーソースタイル、低音/高音両方に傾きます)、High（高音強調)、Low(低音強調)の3種類があります。

基本的にはナチュラル（デフォルト設定）で大丈夫です。
GAINを上げると高域が強調されて、よりスペースが大きく広がります。低域は逆にあまり削減されなくなります。

しかし、Lowの場合はGAINを上げると低域側が持ち上がるので注意が必要です。

FREEZE

LEARNボタンの横にあるボタンですが、これは瞬間的に入力音をキャプチャーして完全固定の削減スペースを作ります。

マニュアルの使用例としては、「⻑めのLEARNが柔らかすぎると感じ、サイドチェインオーディオ内の特定の瞬間にシャープさが欲しい場合などに使用します。」とあります。
個人的にはほぼ使わない機能ですので、どう使えばいいか分からない方やモヤモヤする方は、気にしなくて大丈夫です。

2.メイングラフィック

画面中央のパネルです。
青色で表示されているのが、サイドチェーン音のスペクトラルで、下部では実際にダッキング(削減)されている様子が分かります。

CrossOverバンド

この画面で大事なのは、4つのバンドとリダクションバンドです。

前述したTILTとは別で、帯域ごとの削減量や幅を決めることができます。
後述するデルタボタンと組み合わせて確認しながら調節するのがコツです。

3.メインコントロール

中央の青いノブで全体の削減量を決められます。
全体的に過去のCurvesシリーズと同じようなUIですが、一部個人的に分かりづらかったので、そこを重点的に説明していきます。

DYNAMIC/STEADY

DYNAMICはリアルタイムで入力音を聴きながらそれに応じて削減する場所や量を変化させてくれます。
逆にSTEADYはLEARNで読み取った固定の処理を行います。

メーカーはDYNAMICの100％(左側に振り切り)を推奨していますが、アーティファクトの発生や処理がシャープ過ぎたりする懸念点があります。
なのでSTEADYを数％混ぜていくことで、より安定して柔らかめな削減が可能になります。

ダッカーモード

アヒルボタンを押すとダッカーモードになります。
ダッキング(ducking)とアヒル(duck)を掛けた言葉遊びですね。

これは、特定の周波数帯域ではなく、全帯域を減衰させたい場合に最適です。

この状態でも前述した、TILTやCrossoverは生きているので帯域毎に変化量を調整することは出来ます。
マニュアルによると、ナレーションやラジオ風にBGMを下げる用途を推奨しています。
せっかくのスペクトラルダッカーなので個人的にはあまり使用するポイントは無さそうです。過激な音作りやダッキングが欲しい時には使えるかも知れません。

サイドチェーンコンテンツ

ここでは、サイドチェーンに選んだパートを選択することで最適な初期設定を提示してくれます。
全部自分で設定する場合には不要ですが、LERANの後に設定することで作業を大分効率化できます。

デルタボタン

メインノブ右のデルタボタンはめちゃくちゃ重要です。
ONにしている時はボタンが点滅し、削減されている音のみを聴く事ができます。

特にキック&ベース処理時のベースの削れ方を聴いてみるとより実感出来るでしょう。

あばん

だいぶ長くなっちゃった…。

もーだん

早速デモで比較してみよう!!

デモ音源比較

今回は、Curves Resolve・Trackspacerに追加してCurves Equatorも一緒に比較していきます。
ノイズサプレッサー系のプラグインですがサイドチェーン入力で同じような事ができるので一緒に比較していきます。

キック&ベース

やはり、デルタボタンで、ベースの削り過ぎを確認できるのは優秀と言わざるを得ません。
Crossoverで処理したい帯域や量を調整できるのも使い勝手がいいです。

オケ&ボーカル

オケが痩せていないのにボーカルの空間だけスポッと空いてる感じが良いですね。
ボーカルを自動追尾しているので透明性がかなり保たれています。

Trackspacerもいいのですが、やはり大きくごそっと削られすぎてる感じは否めません。
ボーカルを抜いてみて、処理後のオケのみを聴いてみましょう。

正直なレビュー

Trackspacerの良いところを探してみようとはしたのですが、価格、操作性、出音、CPU負荷のどれをとってもどうしてもCurves Resolveに軍配が上ってしまいます。

それもそのはずで、Trackspacerは2012年リリースという信じられないほど長い歴史を持っています。
32バンドリアルタイムEQというのは当時は画期的な技術だったに違いありませんが、いくらアップデートを重ねてきたとは言え、時代の流れと技術の進歩には「やはり…」と言わざるを得ません。

強いて言えば、キック&ベースのような1対1で役割がはっきりしている場面であれば、Trackspacerでも良いと思います。
しかし、オケ&ボーカルのような情報量が多くなるような場面だとCurves Resolveの透明感や処理精度には一歩及ばない感じがします。

Curves Equatorに関しては、そもそもがノイズサプレッサーで戦う土俵が違うと言えばそれまでなのですが、
・ややUIと手順が煩雑
・Curves Resolveほどのピンポイントさは無い
・ダッキングにはやや不向きだった

という印象です。

巻き返しに期待

個人的には、Curves Resolveに総乗り換えになりそうです。
これを機にTrackspacerの超大型アップデートが来たりすれば面白くなりそうな気もしますが、これ以上必要な機能が思いつかないのが正直なところです。

あばん

全部Wavesがやっちゃった感はある。

もーだん

これがマスキング対策の定番になるかもね！

またCurves Resolve Liveというレイテンシーが少ない別バージョンも同梱されています。
ライブや配信などでも使えるので非常に使用用途が広いです。

ミックスの理解を深める

Curves Resolveは、音を単純に引っ込めるプラグインではありません。
必要な瞬間に、必要な帯域だけ、必要なだけ譲る。
その結果、ボーカルをオフにしてもオケが痩せず、
キックが鳴った瞬間だけベースが自然に居場所を空ける。

そしてデルタ機能によって、
「今、何が起きているのか」を耳で理解できる。
これは単なる便利機能ではなく、ミックス技術そのものを底上げする設計だと思います。

・Trackspacerを「なんとなく」使っている
・マスキング対策が正解かどうか分からない
・ミックスの透明感を一段上げたい

もし皆さんがそう感じているなら、Curves Resolveは単なる新製品ではなく、考え方をアップデートしてくれるプラグインになるはずです。

https://www.waves.com/plugins/curves-resolve

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
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