上記動画の中で紹介した曲のプロンプトを紹介します。
詳しい内容は是非動画をご覧ください。

プロンプト紹介

West African Polyrhythm × Modern Jazz

West African polyrhythmic music fused with modern jazz, female lead vocal with calm controlled delivery, no shouting, interlocking percussion patterns, layered cross-rhythms, 12/8 against 4/4 polymeter, talking drum inspired phrases, balafon-like melodic figures, electric bass with complex syncopation, clean jazz guitar, modal harmony, sophisticated horn arrangements, call-and-response structures, gradual rhythmic transformations, asymmetrical accents, technically intricate ensemble playing, earthy organic sound, experimental but culturally grounded, no generic world music clichés

ペルシャ古典音楽 × サイケロック × 現代音楽

Persian classical music fused with late 1960s psychedelic rock and contemporary electroacoustic composition, female lead vocal, highly controlled and intimate singing, never shouting, no vocal belting, Persian modal melodic development, microtonal ornaments, santur-inspired metallic resonance, frame drum patterns, fuzz guitar, Hammond organ, tape manipulation, backwards textures, unconventional tuning, slowly evolving drones, extended instrumental improvisation, sudden shifts between dense psychedelic textures and near silence, sophisticated modal harmony, asymmetric rhythmic phrases, subtle dissonance, experimental studio production, organic vintage instruments combined with modern spatial sound design, hypnotic, mysterious and intellectually challenging, avoid stereotypical Middle Eastern music

Alpine Yodel × Progressive Jazz

Alpine Swiss yodeling fused with sophisticated progressive jazz, female lead vocalist using precise controlled yodel technique with rapid chest-voice to head-voice transitions, expressive but never shouting, no belting, authentic alpine yodel phrasing transformed into complex melodic motifs, virtuosic acoustic guitar, upright bass, violin, clarinet and piano, intricate odd meters including 7/8 and 9/8, sophisticated jazz harmony, chromatic passing chords, unexpected modulations, complex counterpoint between voice and instruments, rapid rhythmic displacement, sudden tempo changes, intricate instrumental solos, dynamic call-and-response, playful but technically demanding, organic live ensemble recording, experimental song structure, no cheesy folk music, no musical theater vocals, no generic Celtic sound

botanical × tribal × 実験音楽

Botanical electronic music infused with strange and mysterious tribal influences, as if an ancient ritual is taking place deep inside an otherworldly jungle. Intricate marimba and kalimba patterns, wooden percussion, seed shakers, hand drums and unusual ethnic percussion, layered with organic electronic textures, granular synths, deep warm sub bass and subtle glitches. Hypnotic polyrhythms, irregular rhythmic cycles, organic syncopation and evolving percussive patterns. Strange pentatonic and modal melodies, mysterious vocal fragments used as texture, subtle call-and-response, unexpected harmonic shifts. Lush, humid, dreamlike atmosphere with a sense of unfamiliar life and hidden movement. Gradually evolving from acoustic tribal textures into sophisticated botanical electronica, balancing organic instruments and precise modern sound design. Beautiful but slightly uncanny, exotic without clichés, immersive, sophisticated and experimental.

この記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

時代が大きく動き出すね…。

もーだん

AIとの共存をどう考えるかのフェーズだね。

Sunoが2026年8月に大きな方針転換を発表しました。
今回の変更点は、大きく分けて以下の4点に集約されます。

・電子透かし（オーディオ・ウォーターマーク）＆フィンガープリントの導入・強化
・法的安全性を確保した新モデルの移行と旧モデルの完全廃止
・無料・有料プランにおけるダウンロード数の厳格な制限
・コミュニティガイドラインおよび利用規約の厳格化

これまでは「手軽に音楽が作れるツール」として名を挙げてきましたが、法的・業界的リスクに対するSunoなりの決定的な解答として受け取ることができます。

個人的には今回のこれらの変更は、AI音楽が「グレーな新技術」から「透明化された音楽制作の一つの手段」へ移行するための転換点、であると感じています。

そして、これらの変更点が音楽制作者にとってどのようなメリット、デメリットがあるのかを調べて来ましたのでお届けします。

電子透かしとフィンガープリントの違い

今回の発表で特に注目したのは、識別技術の導入・強化でした。
私自身、「電子透かし」と「フィンガープリント」を混同していましたが、技術的な仕組みも狙いも全く異なる事が分かりました。

電子透かし（ウォーターマーク）

生成の時点で音声信号の中に識別情報を埋め込む技術のこと。
埋め込まれた識別情報を専用の検出器が読み取ることで、Spotify・Apple MusicなどがSUNO生成コンテンツを識別することが出来るようになる。

実は2024年のV3モデルの時から電子透かしはSunoに導入されていましたが、今回のアップデートで音楽業界と連携・識別が取りやすい透明性の高いシステムに拡張したと考える方がしっくりきます。

SUNO自身も「完全無欠な透かしシステムは存在しない」と言っているように、弱点があります。
それは「生成時に音声に情報を埋め込む」方式である以上、音源を大きく加工したり、一から打ち込み直したりすれば理論上は回避できる可能性が残るということです。
また、「埋め込んだ情報を剥がす技術」が発明されてしまうリスクもあります。

そうした弱点をカバーするためにあるのが「フィンガープリント」という技術です。

フィンガープリント

こちらは「生成した後」の音源から特徴量を抽出し照合する技術のことです。
身近な例で言うと、
・Shazamのような曲名検索アプリ
・YouTubeのContent IDのような無断アップロード検出システム
がこの仕組みで動いている。

つまり、Sunoで作った曲の特徴(周波数・リズム・音色…)を全てデータベースに保管し、プラットフォーム側と共有することで、「あれ？これ過去のSuno曲と同じような特徴を持ったデータがあるな」と識別することができます。

あばん

ん？…それって大丈夫なの…？

もーだん

これめちゃくちゃ怖いのでは…？

これはかなり脅威に感じています。
私自身YouTubeでのカバー弾き語り動画を投稿したことがあるのですが、かなりの精度で元曲と紐付けられます。
そのことを考えると、SUNO生成曲をステム分離して打ち込み直したとしても特徴量でSuno製の曲と思われる可能性があります。
AIで作ったことを隠したい場合、Sunoで編曲だけを参考にしたとしても元のメロディは同じものを使うので恐らく検知されるでしょう。

また、特徴量での識別になるため、偶然のメロディ被りなどによる「誤検知」に関してはどう扱われてしまうのか？など、怖い部分は多々あります。

新モデルへの移行と旧モデルの廃止

Sunoは音楽業界と連携をし透明性の高い新モデルへの開発＆移行を進めています。
特にWarner Music Groupとの提携では、高品質なライセンス済み音楽を使って新世代モデルを構築する方針が示されています。

わかっている範囲のポイントは以下の通り。

・旧モデルは全廃止：v5.5・v5・v4.5-allを含む既存モデルはすべて廃止される見込み
・過去に生成した楽曲は消えない：ライブラリからは削除されず、再生・共有は今後も可能
・SUNOは「より高速・より高い音質・より大きなコントロール性」を謳っている

一方で気になる点もあります。
たびたび議論に上がっているのは「新モデルはデータ量・ジャンルの多様性・年代・地域性は変わらないのか？」という点です。
個人的に「個性的か？」「ステム分離時の精度」「セクションや楽器構成の再現度」がどう進化するかが楽しみではありますが、学習データの幅が狭まれば、生成される音楽の多様性が落ちるリスクも当然あります。

また、「v5.5よりv4.5の方が好み」というユーザーの声も一定数あるように、モデルのアップデート＝万人に受け入れられる進化、という訳ではない事も覚えておく必要があります。

ダウンロード数制限

そして最も多くの人を戸惑わせた変更点が9月3日施行の「ダウンロード数制限」でしょう。

細かいルールは以下の通りです。

・1曲＝1ダウンロードとしてカウント。
・フォーマット違い（MP3／WAVなど）は追加カウントされない
・同じ曲を複数回ダウンロードしても1カウントのまま
・ステムはその曲のダウンロードに含まれる扱い。（10トラックのステムをすべて落としても、完成曲とあわせて1カウント）

個人的に気になっていた「ステムのカウント方法」が分かって安心しました。
そしてこのダウンロード制限は悪質な大量生成・大量投下のストリーミング汚染を防ぐ意味合いが大きいことは言わずもがな分かります。
しかし、もうひとつの見方をするとSunoが明確に自分たちのイメージを変えようとしている事がわかります。

上図でも示したように、Suno Studio経由でエクスポートする場合は、上限が適用されません。
完成曲をそのままストリーミングに流すことは制限するが、ステム分離して制作のワークフローに組み込むことは制限をかけていないということです。
つまりSunoは「誰でもワンクリックで曲を量産できるサービス」から「プロが使う制作ツール」へと、自分たちの立ち位置を意図的にシフトさせようとしていると言えるでしょう。

SUNO公式ブログの動き

8月に入ってから、SUNOは「音楽業界・人間との共存」「音楽の未来」を強く打ち出すブログ記事を連発しています。8月6日の記事では、以下の4原則が掲げられました。

・優れた音楽は人が作るものである
・テクノロジーは新しい創造の可能性を開く
・AIは模倣ではなく独創を可能にすべきである
・より多くの人が音楽を作れるようになることは、音楽エコシステム全体を強くする

AI音楽の先駆者として大きな注目を浴びると同時に、訴訟や反発も一身に受けてきたSUNOが、ここに来て透明性の向上、インフラとしての安全性、著作権への問題意識を前面に出しています。
確かに便利で使っていて面白いツールではあるけれど、正直「おお…今更かい」という感覚は否めません。
LANDRのように、最初からアーティストとの提携や著作権のクリーンさを謳っていたAIツールは他にも多くあり、SUNOはそこにようやく追随した形とも言えるでしょう。

裏を返せば、「権利のクリーンさ」がもはやアドバンテージにはなり得ない世界線に入ったとも言えます。
最初からクリーンな競争をしていた企業からするとたまったものじゃないですが、それほどに世知辛さを感じてしまいます。

Sunoが「一つの手段」になる日

Sunoがグレーさを内包した「新技術」から「一つの手段」へと切り替わりつつある。
というのが今回のアップデート全体を通して感じる大きな流れです。

DAWが生まれ、ボーカロイドが生まれ、サンプリングが生まれ、オートチューンが生まれ…。それぞれが表現の一つとして確立されてきたように、Sunoもその系譜に乗ろうとしています。
「AIと共に作りました」という言葉が、何の色眼鏡もなく受け止められる日もそう遠くはないのかも知れません。

ただし、この言葉が指し示す範囲はあまりにグラデーションが広いです。
他の方も動画で仰っていましたが、作詞だけAIに任せた曲と、生成後にすべて人間が作り直した曲が、同じ「AIと共に作った」というラベルで括られていいのか？という議論は今後も続いていくと思います。

このグラデーションに切り込む試みとして、別動画での「AI検出ツール」の検証企画があります。

今回、電子透かしが本格実装されれば、検出ツールの判定結果にも変化が出てくる可能性が高いでしょう。透かしという「生成時に埋め込まれる公式な印」と、フィンガープリントという「事後照合の網」の両方が強化されることで、これまでの検証結果がどう変わるのか、続編として追いかけていきます。

面白いのはそのコメント欄でも
「AIだろうが人間だろうが良いものは良い」
「AIが作ったものは面白くない」
「人間の曲よりAIの方が好き」
など、様々な意見が寄せられていることで人によってAIとの歩み方が全く違うことが分かります。

新モデル・新ポリシーが実際に施行されたタイミングで、続報の動画を出していく予定ですので乞うご期待ください。

あばん

やっぱツールは比較してなんぼでしょ！

もーだん

意外な事実も発覚したしね…！

前回の記事では、Sunoで制作した楽曲をベースに、ボーカルやギター、ドラムなどを段階的に人間の演奏へ置き換えながら、AI Music Detector Comparisonを用いて17パターンの検証を行いました。

となると、当然新たな疑問が湧いてきます。

「どのAI検出ツールも同じなのだろうか？」
「そもそもこれらのツールは信用に足るのだろうか？」

ということで今回は前回のAI Music Detector Comparisonに内蔵されている2つの解析エンジンに3つのAIツールを加えた、5つのツールでの検証比較をしていきます。

「ツールによって何がどう違うのか」
「結局どのパートがAI判定を左右しているのか」を横断的に見ていきます。

なお、ここで紹介する内容は、各サービスが公開している情報に加え、今回の実験結果から読み取れた傾向を組み合わせたものです。
アルゴリズムの詳細は公開されていないため、一部は実験結果に基づく考察であることをご理解ください。

検出データ

SubmitHub

BeatsToRapOn

AI Music Checker

検出ツールと分析結果

ACRCloud (AI Music Detector Comparison)

AI Music Detector Comparisonは前回の記事でしっかり検証しました。
ACRCloudは「特定のリード楽器・主旋律が人間かどうか」によって判定が大きく変わる解析エンジンです。

特にボーカルに重み付けがされており、重要視されています。

しかし、1パートだけAIを入れた時の検出（#7 #8）はすり抜けています。

あばん

AIボーカルの時は見逃しちゃうんだよね…。

もーだん

詳しくは前回の記事で！

SHLabs (AI Music Detector Comparison)

2つ目の解析エンジンである「SHLabs」は特定のパートというよりも「曲全体を占めるAIトラックの量」を重視しています。

ACRCloudの時は#2の時にAI確率が大きく下がり人間判定になりましたが、SHLabsは１パートの変化ではAI確率が覆る事はありません。
「ボーカルを含んだ2パート以上が人間化」した時のみ人間判定を下します。

しかし、#7のボーカルのみAIにした時は「AI判定」となっており、曲全体の比重や量を見ていつつ、ボーカルのような帯域が広く情報量が多いパートがAI化されると反応しやすいと考えられます。

SubmitHub AI Song Checker

新ツール1つ目の、SubmitHubは「総合判定」「Spectral analysis(周波数解析)」「Temporal analysis(時間軸解析)」という3軸で、それぞれ人間/ハイブリッド（人間＋AI）/純粋AIの3つの確率を出しています。

興味深いのは、#1の全パートAIでもハイブリット判定を出した事です。
前回の記事でも言及したように、ステム化をしてプラグイン等で簡易なミックス&マスタリングを施しているのが原因だと思われます。

人間判定が出ているものを見ると「ボーカル＋他1パート以上」が条件であると考えられます。

また、「Spectral analysis(周波数解析)」の判定がかなり支配的で、Temporalが#7は91％の人間判定を出していますが、Spectralがハイブリット判定を出したため、総合判定もハイブリットになっています。

あばん

むしろTemporal解析がだいぶザルじゃないか…？

もーだん

まぁサンプル数が足りてないからね。

BeatsToRapOn AI Detector

新ツール2つ目はBeatsToRapOn AI Detectorです。
このツールは他の4つと違い、単一の総合判定を出さず、8つの指標をそれぞれ10点満点で提示します。

驚いたのが、音源の内容に関わらず、8指標のうち、テクスチャループ・スペクトルロールオフ・ケプストラムアーティファクトの3つは、内容がまったく異なる14パターンすべてで完全に同じ値を返しました。
ダミーの数値なのか、何か14曲全てに同一の癖のようなものがあったのかは不明ですが、ツール全体の信頼性を低く感じてしまう結果となりました。

残りの5つの指標を見ていくと、説明が付くものと全く説明不能な挙動を示したものに大別できます。

位相エントロピー

値は6.5か7.5の2択でした。全14パターンを「DrとBaが両方とも人間か」で分けると、14パターン全てが例外なく一致しました。

特に#8(全部人間・ドラムだけAI)は、ベースは人間なのにドラムがAIなので「両方人間」の条件を満たさず、実際に6.5でした。

マクロ構造

この指標は「パートの量」にかなり素直です。
パート数が増えるほどおおむね右肩下がりです(0パート:7.55 → 8パート:2.34)。

しかし例外なのが、#3のDrのみ人間(8.62)がむしろ全体最高値になっている点です。
ドラムが重要なファクターかというと、#7と#8を比べると大きな差はないので、説明がつきにくい部分です。

リズミック・クオンタイゼーション

値は1か6.5の2択です。
「Vo・Dr・Baの3つが全部AI」という条件で分けると、14パターン中13パターンが一致しました。

しかしここでも例外が出てしまいました。
サンプルの少なさ故でしょうか。

声質の平坦さ

VoがAIのケースは、例外なく全て8.5(合成音声的)でした。

しかし難しいのはここからで、Voが人間のケースを見てみると、Vo＋3パート以上が人間になると全て8.5(合成音声的)の数値を返してきました。

非常に怖い結果です。
自分で全部作ったのにAI判定を出されてしまう可能性を示唆する結果となりました。

エンベロープの一貫性

ここは本当に分かりません。
ほとんど8.5(合成音声的)でしたし、人間的と評価されたのは「#2」「#3.1」「#3.2」の3つでした。

ここまでを見てわかる通り「マクロ構造」の数値以外は、2パターンの数値しか返してきません。
段階的にデータを作り、検証したにも関わらず、徐々に推移していくという挙動は見られず、どの方面で使用されるツールなのだろうと頭を抱えます。

あばん

ま、ま、まぁサンプル数が、ね…？

もーだん

少ないのもあるけど…さぁ…？

AI Music Checker

新しいツール3つ目のAI Music Checker。
このツールは、「予測(人間かAIか)」「AIの確率」「最も可能性の高いAIタイプ」というシンプルな構成です。

そして非常に大きな発見がありました。
それは、前述した「SHLabs」のスコアと比較したところ、小数点以下の誤差程度しか差がなかったのです。

一部抜粋しましたが、全てのパターンでほぼ同じ数値を返してきます。

OEM供給されているのか裏側でしれっと使っているのかは分かりませんが、「最も可能性の高いAIタイプ」の指定まで同じでした。
実際はSunoを使っているのに「elevenlabs」という誤検出まで同じとなると…。

ここでの結果が示したのは、「見た目の違う複数のAI検出サイトが、実は裏側で同じエンジンを使い回している可能性がある」いう全く別軸の視点です。

横断的分析

5つのツール（実質的には4つ）を横断的に見比べてみると上記の表になります。

前回のブログでは「ボーカルが非常に大事」という結論でしたが、改めて見てみるとそうでもない、むしろ逆走の結果を示すことがあると分かります。

そして重要な切り口として「隠れAI」の検出テストがあります。

7パート人間＆1パートだけAI

#7と#8を見比べてみました。
5つ中2つ（SubmitHub、SHLabs系）のみが隠れたAIボーカルを検出しました。
「ドラムだけAI」というパターンに至っては、5ツール全部が見逃していて非常に面白い結果になりました。

しかし、逆に「#3のDrだけ人間化」を見ても、ACR CloudがAI確率を多少下げたものの、他のツールはびくともせず非情にAI判定を出しました。

「ちょっとならAIを使ってもバレない」と思うのか
「頑張って音源打ち込みをしても無意味なんだ」と思うのかは皆さん次第です。

発展途上でイタチごっこ

個人的に感じたことをまとめると、下記の通り。

・1つの検出ツールだけを過信するのは危ない
・そもそも信ぴょう性の低いツールや数値がある
・ボーカルの差し替えは多くのAI検出ツールに有効
・1トラックだけAIを混ぜるのは現時点では検出されにくい

当然、AI側も検出ツール側も発展途上であり壮大なイタチごっこはこれからも続いていきます。
そして、今回の検証で足りない部分、限界も記しておきます。

まず、圧倒的にサンプル数が足りませんでした。
永遠にn=1の話をしているので参考にはなるでしょうが、有効性がどこまであるかは不明です。
ジャンルやアレンジ、ボーカルの性別などが変わればまた結果は変わる可能性があります。

また、今回はSunoをベースにステム分離をして、再構築しましたが、Murekaなどの別のAIを使っての検証もする必要があります。

あとは、とても恥ずかしいのですが私の編曲クオリティの問題もあるかもしれません。
ミックスやマスタリングの質、歪みや位相の取り扱い方でも結果は変わる可能性は大いにあります。

あばん

課題は山積みだね…。

もーだん

少しずつ検証していこうね。

ツール側のアップデートは今後も続いて、検証アルゴリズムはどんどん強化されていくことでしょう。
なので、この記事の数値はあくまで検証時点(2026年7月)のスナップショットである点にも留意してください。

あばん

AI音楽がどんどん規制される方に進むね。

もーだん

まぁアーティストを守るためだからね。

2026年7月15日、音楽ストリーミングサービスTIDALが新しいAIポリシーを施行しました。
内容は「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けて収益化から除外するというものです。

この流れは2026年現在、非常に加速しており、Spotify、Apple MusicなどのプラットフォームもAI生成音楽の規制や排除を強化しています。
また、TuneCore、LANDRなどのディストリビューターには、「自動AI検出システム」が密やかに導入され始めています。

私が聞いた話でも、国内大手レーベルが開発したAI生成検出ツールは「1トラック8小節」でも検出することが出来、場合によっては審査基準を満たしていないとされてしまうそうです。

ここでポイントなのが、前述したTIDALは「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けるのですが、裏を返せば、人間の関与がどこかに含まれていれば、この網からすり抜けられる可能性があるということです。

だとするのであれば、どこからが人間の曲か？どこまでがAIの曲か？という線引きを知らないというのは現代の音楽家にとって非常に危うい、何なら「詰みかねない」事態だと言えます。

AI検出ツールと検証の設計

そうなると当然こんな疑問が生まれます。

補助的にAIを使い、そこに自分の演奏を重ねた楽曲は「人間の作品」なのか？
逆に、全部自分で演奏したのに誤ってAI判定されないか？

1トラックだけSunoを使っても「AI曲判定」なのか？それとも1トラックだけ人間が演奏すれば「人間曲判定」なのか？などなど、線引きが曖昧であげればキリがありません。

この答えが出ないまま制作を続けると、全パート人力なのに誤ってAI判定を受け、収益化の対象外にされてしまったり、あるいはAIを部分的に使っただけで楽曲全体がAI認定されてしまう、というリスクを抱えたまま活動することになります。
これは決して大げさではなく、今まさに世界各地で起き始めている現実です。

あばん

いやいや、怖過ぎるでしょ…。

もーだん

確かにそこの線引きは知りたいよね。

そして、調べてみるとその動きに呼応するかのように「AI音楽検出ツール」なるものがたくさん発表＆リリースされています。

その中で今回の検証は、ACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵した「AI Music Detector Comparison」という検出ツールを使用しました。

検証は、生成AI(Suno)で作った曲をステム分離して、1パートずつ私の生演奏、もしくは打ち込みトラックに変化させていき、本ツールでの検出結果をまとめていきます。

さらに、全パート人間演奏の状態からあえて1トラックだけをAI生成に戻すというテストも行いました。
「1トラックだけAIが紛れ込んでいても見抜けるのか」を確認するためです。

またMP3とWavの両方で検証しましたが、ほぼ検証結果に変化はありませんでした。なのでWavの結果を元に話を進めていきます。
書き出しを工夫することでAI検出を逃れられるとは考えない方が良いということでもあります。

予め断っておくと、このツールはAIか人間かを100％断定するものでは無く「AIらしさをどのぐらい検出したか？」という参考指標を表すツールだと考えてください。

検証用データと結果グラフ

今回使った音源データと、表示された結果、そしてそれらをまとめた表グラフを出しておきます。

「どんなクオリティなのか？」
「どんな表示のされ方なのか？」
「結果はどんな感じなのか？」

これらをざっくりと掴んで貰えると次からの検証結果の考察がわかりやすいかと思います。

音源データ

#3.1　VoDrのみ俺

#3.2 DrBaのみ俺

画面のスクショ

結果まとめ

結果①：ACRCloudは「パート」をみる

前述したように、「AI Music Detector Comparison」はACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵しています。
それぞれの解析エンジンによっての検出結果の差が非常に面白かったので、一つずつ見ていきます。

まず、ACRCloudの場合、単体の検証結果を抜き出すと下記のようになります。

ここで面白いのは、ボーカルやギターを入れ替えると人間判定が出るのに、他のパートではAI判定のままだと言うことです。

ますここから言えることは、
・ボーカルやギターというAIや打ち込みで再現が難しいものは生演奏ということもあり「人間」判定が出やすい。
・ドラムとキーボードは音源での打ち込みだったので人間っぽさが足りなかった可能性。
・コーラスは生録音だが音量的に小さく判定を覆らせるほどでは無かった

しかし、興味深いのは、#7や#8の1パートだけAIを使った時にACRCloudはそれを「人間判定」にしています。
僕の仮説では、#7がAI判定になってくれると、「ボーカルやギターなどのメインやリードは検出に反映されやすい」と主張しやすかったのですが…。

結果②：SHLabsは「量」でみる

逆にもうひとつの解析エンジンである「SHLabs」の場合、#2(Vo)と#3(Dr)では両方とも90％近くの「AI判定」でしたが#3.1(Vo＆Dr)で両方替えると一気に38％の「人間判定」へと覆ります。

概ね3つ以上、人力制作のトラックが入ってくるとSHLabsは人間判定になりやすい傾向があるようです。
勿論そのパートの役割や音量などの条件によって変わってきますが、8トラック中の3トラックということは大体曲全体の38％ぐらいを人間が作る必要があります。

#3.1(Vo&Dr) #3.2(Dr&Ba) #3.5(Acg&Elg)の3つは2トラックずつ入れ替えたのに評価に差が出たのはやはり「ボーカル」における比重が大きいからなのかも知れません。

しかし、ここでも主張したい内容と逆の結果が1つ出ています。
それが、#7や#8の1パートだけAIを使った時です。

曲全体における量を検出しているのなら、#7は人間判定であるべきなのに「AI判定」を叩きつけています。
ここは今後の研究材料にいたします…。

あばん

なかなか上手くいかないもんだね…。

もーだん

大学時代を思い出すよね…。

結果③：全部人間VS全部AI

この検証は「どこまで人力パートにすればAI検出を抜けられるか？」という大きな問いがありました。
その中で試行錯誤しながら多くのパターンを試してみて示唆に富んだ結果を得ることは出来たのですが、根本的な所がどうしても気になってしまっています。

それが#1(全部AI) と#6(全部人間)の2つです。

どちらも判定自体は間違っていないのですが、あまりにも判定に「遊び」があるのが非常に気になります。
ここの謎が解けないと「全部人力なのにAI判定になっちゃった」に陥る可能性があるからです。

考えられる理由としては、

・そもそも100％の信頼を謳ったものではない

ACRCloudは25％ぐらい、SHLabsも10％程度の余白を残すようにしています。
当然、断定するというのは危険だからという理由が真っ先に思い付きます。

・マスター段のプラグインのせい

各パートを入れ替えて音量を整えて書き出したのですが、その際にラウドネスがある程度一緒になるようにリミッターを使いました。
また、バスコンプも1つ使っています。

もしかしたらそのようなプラグインの挙動が完全AI曲(#1)からパーセンテージを引き下げさせたのかも知れません。

となると、「MIXし直せばAI曲も検出を抜けられる…？」という疑問が湧いてきます。
これは今後の研究課題とさせてください。

・そもそもAI曲だから

それでは完全人間曲(#6)の数値が20％と10％で検出されてしまった理由付けをするのであれば、「メロディやコード進行の構成要素がAIっぽい」というのがあるかも知れません。

個人的には、「それは無理でしょ、いちゃもんでしょ」と思いますが可能性としては捨てきれません。
なのでここも今後の研究課題となってしまいました。

音楽家はどう備えるべきか

今回の検証から見えたことを整理すると、

・どのパートを人間が演奏するかが大事。特にボーカルの比重は大きい。
・楽曲の4割ぐらいを人力パートにすると人間判定が高くなる。
・検出ツールによって見ている箇所が違うので1つのツールを過信しない。
・MIXやマスタリングの工程でもAI検出度は変わる。
・生演奏＞音源打ち込み＞AI生成、ぐらい生演奏は強い。

という感じだと思います。

また、AI検出技術は未だ発展途上だということも分かりました。
現状では「抜け道」的なものがありますがこれからより精度を高めてアーティストや音楽家の利益をより高精度に守ってくれると思います。

何より、人間の力ってすげー！と感じました。
それは、音楽を演奏する「生演奏の力」もそうだし、その培った技術やスキルを絶対守り抜くという「検出ツールの発現と発展」についてです。

勿論、その上を行くように「音楽生成AI」もさらに進化をしていくとは思います。
しかしそれをどのように使うかは相変わらず人間の手に委ねられていると安心しました。

とは言え、現状のツールの挙動を深く理解することは大事だと思いましたし、今後調べていかなければならない部分もたくさん浮き彫りになりました。
なので、次回は他の検出ツールを使っての比較検証をしていきたいと思います。

ぜひ楽しみにして頂けると嬉しいです。

「動画」

この記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

曲はAIで簡単に作れるようになったけど…

もーだん

MVを一緒に作るのがね、難しいんだよね…。

ぶっちゃけ私は「MV制作は面倒だ」と思っています。
しかし、YouTube上などで発表するとなるとどうしてもMVは必要になるし、味気ないものより完成度の高いMVの方が結果的に自分の音楽を相乗的に評価してもらえるとも思っています。

無くてはならないMV、なのに何故「MV制作は面倒だ」と感じてしまうのか？

それは、ストーリーを考え、カットを割り、BPMや曲展開に映像を合わせ、世界観を統一する、など考えることが無限にあるからだと思っています。

「なんとなくこんな映像にしたいなー」というふわふわしたイメージはあっても、そこから形にする最初の一歩がなかなか決まらない。
そうしてると時間が過ぎ、アイデアや意欲が溶けていく、というのを皆さんも経験したことあるのではないでしょうか？

今回はそんな悩みを解決してくれるTUNEEの「新AIエージェント機能」を紹介します。
エージェントと言うと、とっつきにくい印象があるので「一元管理の新しいワークフロー」と理解してください。

参考になるはずなのでぜひ最後までご覧ください。

TUNEEは何を解決するのか

ふわふわしたイメージを形にする最初の一歩がなかなか決まらない。と前述しましたが、TUNEEはその「最初の一歩」を導いてくれます。

きっかけは何だって良くて、ありとあらゆるものから着想を広げて提案してくれます。

書きかけの歌詞、お気に入りのイラスト、オリジナル曲でもいいし、なんならSunoで作った曲でも構いません。
これはTUNEE公式も推奨している使い方です。

０から１を作るのは難しくても、
「そっちよりこっちがいい」
「これをもうちょいこうしたい」
であれば、出来る気がしてくるでしょう。

つまり、TUNEEは、チャット形式で会話をするだけでアイデアを膨らませ、形にしてくれます。

実際に作ってみる

1つのMVを0から制作したのでそのワークフローを共有します。
全てAIとのチャット、そして同じページ上(キャンバス上)で完結するのでページやツールを跨ぐ必要がなくシンプルに作業を進めていくことが出来ます。

これらの作業は、今皆さんが使っている作業工程を完全に置き換えることもできるし、一部だけを追加することも出来ます。
つまり今までして来た他のAIへの投資を無駄にすることなく、新しい制作環境へと変貌させてくれる「革新的なクリエイティブパートナー」です。

あばん

うおお、何だか大袈裟で仰々しい感じがするけど…

もーだん

カッコ良さそうで魅力的だ…

楽曲からスタート

今回は、

エモーショナル。トロピカルハウス。ダンス。飛び跳ねる体。女性ボーカル。野外ステージ。

という断片的なイメージから曲作りを開始しました。
画像の通り、3パターンを提案してくれましたが「全部やる」を支持して全てのパターンを作って貰います。

歌詞やプロンプトを生成して貰いつつ、Mureka V9で3曲分生成して貰いました。
1曲あたりの消費クレジットは12クレジットでした。

その内の、「Melancholy Tide」という曲の雰囲気が良かったのでこれをベースに何曲か生成して貰います。
先ほど「全部やる」で作った中で3つ目の「メランコリック・パラダイス」が私には刺さりました。
こういうのがあるから生成AIは楽しいんですよね。

ちなみにこういう曲です。

そして出来上がった曲がこちらです。

そしてこれを元にMVを作っていきます。

MV制作スタート

「MVを作成」というボタンを押すと画面が切り替わり、作成範囲のトリミングを行います。

人間目線であれば、さっき作ったばかりだから何の違和感もありませんが、よくよく考えてみるとVerseやChorusがこの時点で即座に分析されているのはめちゃくちゃ凄いことです。

これによりお気に入りの箇所や盛り上がっている箇所を即座に判別して選択することが出来ます。

画面上部にMV生成用のタブが生成されアセット（キャラクターや背景などの構成要素）が配置されます。
これが「キャンバス」という機能で、音楽、MVなどがページを行き来することなくこのプロジェクト内で効率よく完結できるという仕組みになっています。

アセット構築の順序

AIのワークフローとしては、
楽曲解析(長さや歌詞、曲調、雰囲気やBPMなど)→

→映像の方向性の提案

→ビジョンのイメージ化

→構成要素(アセット)の生成

→映像スクリプトの提案

そしてシーンごとの動画生成という感じです。

これらを全部チャットで行いつつ、提案と選択＆修正を繰り返しながら制作を進めていくので自分のイメージが即座に投影されていきます。

ストーリーボードと完成形

アセットや映像スクリプトが決まると、各シーンごとの動画生成を進めていきます。
そして出来上がったのがこちらです。

チャットを通して選択と修正を繰り返し、満足度・完成度ともに上々の作品に仕上がりました。
ここまで通して40分ぐらいの作業時間です。
ちなみにここまでのクレジット消費はこのようになっています。

このプロジェクトにおける合計消費クレジットは296でした。
TUNEEの場合、1ドル100クレジットなので、2.96ドル、つまり477円でここまで作れました。

あばん

TUNEEの強みの1つは、

もーだん

この圧倒的なコスパなんだよね！！

さらに完成度を高めていく

TUNEEの新しいワークフローはここからが本番です。
これまでの説明は今までの機能をちょっと向上させたぐらいのものです。

もう少し長めの動画を作りたかったので再度トリミングをして分析して貰います。

同じ曲である事を分析して、提案内容が若干変わりました。
「物語」「概念」「舞台」「対面」の4つからおすすめされている物語を選んでいきます。

ありがたいなーと感じたのが、先ほど作ったアセットを持ち越して足りない部分を補助的に生成してくれるところです。
キャラクターを変えたければ、「＠」ボタンで指定してチャットで指示を出すと別のキャラクターを提案・生成してくれます。

この「＠」ボタンでの修正が非常に優秀で、自分のクリエイティブを齟齬なくAIチャットに伝えることが出来ます。

脚本修正とピンポイントの再生成

元々の脚本は6カット構成でしたが、もっと細かく割って欲しいと思い指示を出しました。

そして、カット数やスクリプト、各シーンでのキャラの動きや撮影シーンの雰囲気を新たに作り直して貰います。

私は駄々っ子のように「これやだ」「あれしてほしい」「こっちの方がいい」と言っているだけなのに非常に上手に意図を汲み取ってくれます。

そして、10カットを生成してくれたのですが、場面によって気に入らないものが出てきてしまったので先ほどの「＠」を使って修正・再生成をしていきます。

そして細かい修正を加えながら出来上がったものがこちらです。

あばん

やっぱりカットが細かくなると

もーだん

情報量が増えて良いMVに感じるね！

他の完成作品

忖度なしレビュー

良かった点

まず率直な感想ですが、とにかく制作していて楽しいです。
今回はすべてTUNEEだけで、楽曲制作からMV完成まで行いましたが、ストレス無くスムーズに制作が出来ました。

「これしたい」「あれしたい」が直感的に理解できるし、出力されるものも軒並み高品質なので満足度が非常に高いです。

また、修正したいカットには「@」ボタンから直接指示できるため、修正作業も非常にスムーズでした。

また、キャラクターの一貫性も高く、キャラクターを生成する際に、外見だけでなく性格やバックグラウンドまで設定され、それがMV内の表情や仕草にも反映されています。

惜しい点

デフォルト設定がSeedance 2.0 Fastになっていますが、個人的には、多少クレジット消費が増えても画質や表現力を優先したいため、通常版のSeedance 2.0を選ぶことが多いです。

それを毎回チャットで指示しなければいけないのはちょっと手間だと感じました。

もちろん、これは初心者でも気軽に使えるようにというTunee側の配慮であり、公式も「手軽に低コストで楽しく使ってもらうためにSeedance 2.0 Fastをデフォルトにしている」と言っています。

非常にその気持ちは分かるし、TUNEEにどうこう出来る部分ではないと思っているので甘んじて受け入れています。

生成コストについて

とは言ったものの、TUNEEの動画生成コストは実はかなり優秀です。

一般的には、3〜4分程度のAIミュージックビデオを制作すると、30〜40ドル（4800〜6400円ぐらい）程度のコストがかかることも珍しくありません。

もちろん使用するモデルや品質設定によって変わって来ますが、TUNEEの公式サイトでは、月額18ドル・1,800クレジットで、Seedance 2.0による30秒動画を約9本生成できると案内されています。

これだけでも約4分半のMVを18ドル（約2900円）で制作できる計算になります。

あばん

4分半の長めの尺で試算しても…

もーだん

半分ぐらいで作れるんだね…！

私が実際に試した感覚では、それより少ないクレジット消費で制作できる場面も多くありました。

また、Seedance 2.0 Fastを利用すれば、さらにクレジットを抑えられます。

なお、クレジットはMV生成だけでなく、音楽生成、チャット、画像生成、ストーリーボード作成などでも消費されるため、その点は理解しておく必要があります。

どんな人におすすめか

おすすめな人は、

・専門知識がない人
・動画編集や台本制作が苦手な人
・一つのツールで制作を完結させたい
・自分の音楽にMVを付けたい人
・ロイヤリティや商用利用を重視する人

個人的には、初心者は制作を前に進める力をもらえるし、中級者以上はアイデアを膨らませる相棒として活用できるので、実質ほぼ全ての人類にお勧めしたい気持ちです。

一方で、すべてを細部まで厳密にコントロールしたいトップレベルの映像制作には、ちょっと不向きかもしれません。
Tuneeは、使いやすさ、分かりやすさ、制作スピード、そしてコスパを重視したツールと考えた方が良さそうです。

作品を育てるってこういうこと

生成して、はい終わり！になっている生成AIは多いです。
その点、TUNEEは完成したあとも、キャラクターや背景、ストーリーボード、シーンなどを編集しながら、自分の理想に近づけていくことができます。

毎回ゼロから作り直す必要がなく、作品を育てながら完成度を高められる。

このワークフローこそがTUNEEが今回提案してきた大きな進化であると感じます。

また、TUNEEは無料登録で始めることができます。
クレカの登録不要だし、毎日100クレジットが配布されます。
毎日ログインしてコツコツ生成すればやれないことはないですが、ちょっと心許ないかもしれません。

なのでTUNEE公式より、登録すると250クレジットを貰えるリンクをもらいました。
気になった方はぜひ下記リンクより体験してみてください。

TUNEE体験＆プレゼントリンク

この記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

2記事連続のTB TECH回！

もーだん

また新製品のレビューだぞ！

前回のTB TECH「Future DS」の記事はご覧頂けたでしょうか？
私のディエッサー探しの旅を終わらせてくれた名機を紹介しました。

今回は後編として「Unmask」をレビューしていきます。

「Unmask」は現在イントロセール中で、「59ドル」と10,000円を切る価格帯となっています。
本製品は、ざっくり言えば「ダイナミックEQ」です。
またその名前の通り、マスキングされていて人間の耳では聞こえなくなっていたそのトラック本来の音を掘り出してくれるというものです。

非常に競合の多いジャンルではありますが、これも非常に出来が良く何より「これにしか出来ない処理」をしてくれるレギュラー当確の製品です。

本記事では前回同様に「Unmask」の
・機能と使い方
・競合プラグイン
・推しポイント
をお届けしていきますので、ぜひ最後までご覧ください。

製品概要

UNMASKは、心理音響学に基づいたダイナミックEQです。信号を継続的に分析し、リアルタイムで補正を適用することで、ディテールを明らかにし、音色のバランスを改善し、明瞭度を高めます。
このシステムは、スペクトル、音色、時間という3つの知覚次元にわたって動作し、それぞれ専用のモジュールと単一の深度コントロールによって処理されます。これらの値を上げると、サウンドがより広がります。

本家サイトより引用

外部リンク(Plugin boutique)

ダイナミックEQなのか？

先ほど「ざっくり言えばダイナミックEQ」と言いました。
しかし、個人的にはそこまでダイナミックEQ味を感じていないのが正直な所です。

私のイメージでは、ダイナミックEQは適用する周波数や処理量を細かく調整し、該当帯域の音を下げて聴き取りやすさを上げるツール、つまり手動でマイナス状態を0にするためのツールという感じです。

しかし、このプラグインは「音響心理学を使いリアルタイムに分析し本来の音」を取り戻してくれるツールであり、使う側として余りにもオートマチックに美麗な音に変わっていきます。
それは「現状からプラスまで音を引き上げてくれる」ツールと評する事も出来ます。

前回の「Future DS」の時もそうでしたが、単純にデジタル的に音量を上げ下げするのではなく、音響心理学を用いて「聴いてる人間がどう知覚するか？」に寄り添う形で処理をしてくれています。

あばん

テクノロジーとTB TECH凄いね…。

もーだん

そりゃ人気爆発するよ。

使い方と機能紹介

この製品は「周波数（SPEC）」「音色（TILT）」「時間（TIME）」という3つの次元から同時にマスキングを解析・解除するアプローチを採っています。

個人的に気になって、入力された音の通る順を調べてみましたが、本家サイトでは内部DSPの信号経路までは公開しておらず、確からしい一次情報を集められませんでした。
そのため、各モジュールがどのような順序・方式で統合されているかは現時点では不明です。

並列かもしれないし、直列かもしれない。
ちょっともやつく部分ではありますが、デモ音源を織り交ぜつつ解説をしていきます。

SPEC

ここでは周波数的な処理として、「埋もれているディテール」を上げ、「覆い被さっている成分」を下げる事で、知覚しやすい本来の音に戻してくれます。
ここの部分だけを切り取れば「ダイナミックEQ」と評されるのもなんとなく分かります。

しかし、曲の展開やフレーズごとに周波数は変わります。
その点、動的に周波数のピークとマスキングを分析し続けてくれるので、常にクリアで明瞭感のある音になるという点では「ダイナミックEQ」とは違うと言えます。

ノブも2種類のみで「Depth」と「Smooth」です。
処理の深さと処理時のQ幅の設定です。

他のモジュールでも同じことが言えますが、掛けるほどに明瞭感が上がっていくので気持ち良くなりがちですが「かけすぎ厳禁」です。
公式マニュアルでは「60〜70％ぐらいが良い出発点」と謳っていますが、個人的にはもっと低いところから始めても良いように思います。

TILT

ここではトラック全体のトーン、つまり明るさを決めると考えてください。
基準として使われているのはピンクノイズ、ブラウンノイズと呼ばれるノイズですが深く考えてもピンと来ない部分なので大丈夫です。

「Depth」は先ほど同じで処理の深さですが、「Slope」はトーンの傾き具合を決めます。
一応、マニュアルでは適用する場所に応じておすすめの傾き具合を紹介してくれています。

・‑3 dB/oct (明るめ) バランス型 ミックスバスやマスターバス
・‑4.5 dB/oct(普通) ボーカルや、メイン系のトラック
　本家Youtube動画では単一トラックは‑4.5 dB/octでOKと言ってた
・‑6 dB/oct (やや暗め)温かみのある音、Pad系や低音重視のトラック

先ほどのSPECが詳細だとすれば、このTILTは全体だと言えます。
より人間の耳が心地良いと感じる周波数バランスに整えてくれる役割です。

TIME

個人的に一番扱いが難しいと感じたのがこの「TIME」です。
なぜならこのような挙動をするプラグインをあまり見た事ないからです。

ドラムのアタック音や子音などの強いトランジェントによって隠れてしまう、その直後の小さな音を知覚できるように引き上げてくれるモジュールです。
つまり、ドラムだとサスティン、アコギだと胴鳴り、ボーカルだと発声直後のディテールを取り戻すことにより、音に深みや躍動感、失われていた表現力や空気感を加えることが出来ます。

イコライザーやコンプレッサーでは決して到達できない深みとディテールを明らかにする。それができるのはUNMASKだけだ。

本家サイトにある文言を引用しましたが、割と強めの物言いです。
しかし、大いに納得する部分もあり、今まで周波数的なマスキングの処理ばかり考えていましたが、時間的なマスキングの処理に手が届く新しくて魅力的なモジュールです。

「良い出発点としては、30～40％程度が目安です。」とマニュアルにある通り、少量から少しずつ試していきましょう。

あばん

改めて言っとくけど…

もーだん

かけすぎ厳禁！！！！

Master

そして最終段のマスターセクションです。
個別で「Depth」を調節してきましたが、3つのモジュールが重なると何だかんだでかけ過ぎになっちゃうものです。

なので「Scale」を使って最終的な処理量をここで決めましょう。

また画面右側のスペクトル表示部で処理範囲や周波数ごとの重み付けをすることも出来ます。

画面右下にはこれまでの個別モジュールの切り替えボタンがありますが、個人的にはマスターセクションで一括設定をしてしまった方が楽だし、あまり大差ないと感じています。

強いて言えば、画面上下のラインを動かすと最大処理量を決めることが出来ます。
これを使って「各モジュール±3dB以上の処理をしないようにする」というセーフティネットを貼っておく、という使い方はありかもしれません。

Glueという神機能

このプラグインの一番難しくてややこしいのにめちゃくちゃ重要な機能はサイドチェーンを使った「Glue」機能です。

これまでは単体トラックに適用する前提で話を進めて来ましたが、本領を発揮するのはこの機能を使ってからです。
「サイドチェーンでマスキング解消できるよー」ってレベルじゃないです。
それだったら他のプラグインでも余裕で出来ます。

何が凄いかというと、従来は、ボーカルをトリガーにしてオケ側を圧縮・変化させます。
しかし、このGlueはオケをトリガーにして「ボーカル側を変化・修正」するのです。

最初使った時、今までの常識と真逆過ぎてビビりました。
「メインのボーカルを変えちゃダメじゃない？」と思いましたが、それらの処理をするのがこれまでお話ししてきた3つの次元からなるモジュール達です。

適用例としては、
・ボーカルとオケなら、ボーカル側に適用する。
・キックとベースなら、ベース側に適用する。
・レイヤーしたシンセなら、メインの音域がある中域レイヤーに使う。
という感じです。

あばん

そう聞くとちょっと安心かも。

もーだん

悪くならないようにしてくれるよ。

私のデモ音源も記載しますが、公式のデモ動画が非常に分かりやすかったので一応置いておきます。

競合プラグイン

競合プラグイン比較をしようと思ったのですが、Unmaskが新しすぎて完全な競合は存在しないということに気が付きました。

なぜならUnmaskは
・ダイナミックEQ
・スペクトルプロセッサー
・マスキング除去
・ミックスのGlue
という4つを融合したような製品だからです。

強いて上げるとすれば、

oeksound: soothe3

Soothe harshness, save time. Soothe3 identifies problematic resonances on the fly and applies matching reduction automatically.

Soundtheory

Soundtheory develops unique methods for realtime audio processing. Try Gullfoss, your own pair of Golden Ears!

INTENSITY 2

Waves Audio - 日本 - Curves AQ

Wavesは常に革新を追求しています。Clarity Vx、DeReverb、Silk Vocal、IDX、Curves Equator、Sync Vxなどの開発を通じて、新たなサウンド技術の限界を押し広げてきました

FabFilter Pro-Q 4

Buy sonible VST Plugins, sonible Instruments and Effects, Download Online, Ab...

Buy sonible VST Plugins, sonible Instruments and Effects, Download Online, sonible Free Demo Plugins from Pluginboutique.com

パッと思いつくのはこの辺りでしょうか。

各プラグインとの比較分析

自分でも無理あるなぁ…と思いながら列挙していました。

何か一芸においては似たような機能ではあっても他の部分が全く違うという状況になりすぎてて比較にならないと言うのが正直なところです。

耳障りを良くする、ディテールを引き出すと言う点では、Soothe3やINTENSITY2、Gullfossなどが挙げられますが、設計思想が違うし、カットもするしブーストもすると言う点ではCurvesAQやsmart:EQ 4が挙げられますが、TIMEやGlueと言ったような機能は搭載していません。

安易な結論ではありますが「Unmaskは唯一無二」と言うことにさせてください。

好きを語るレビュー

まだ使って日が浅いですが、非常に効能を享受しています。
ただ、使う塩梅が難しいと言うのは申し添えておきます。

動的な処理であるが故に、処理量が絶えず変化し続けるのでその辺りをうまくコントロールしないと「しゃりしゃりするし、音量が不安定」と言うことに成り兼ねません。

肝でありながら操作が難しい「TIME」と「Glue」を自分の中で咀嚼できた時に改めてこいつの凄さを実感できると感じます。
「本来の音を取り戻す」と言うコピーのプラグインは山ほど見て来ましたが、ここまで人間の知覚に則って機能を提案して来たのがUnmaskが初めてなので戸惑っている部分もあるかと思います。

個人的なチェーンとしては基本的なEQとSoothe3、ディエッサーで整えた後に挿して、サチュレーションや空間系を加えるという形になっています。
初撃のインパクト50％、これからの熟達50％ぐらいの割合でレギュラーに当確したのでまた新しいチェーンを見つけたら共有したいと思います。

なんで今まで無かったん？

やはり特筆すべきは時間的マスキングを処理する「TIME」と、ボーカル側を変化させちゃう「Glue」でしょう。

「ボーカルのためにオケに隙間を空けて…」
「キックとベースは帯域を譲り合って…」

もちろん大事なことなんですが、発想の転換というか「なんで今まで無かったんだろう」と思うぐらい私にとって新しい内容でしたし、それを可能にする技術力がTB TECHにはあるんだなぁと気付かされました。

あばん

こういうのを知っていくのが楽しいよね。

もーだん

音楽制作もより楽になるといいな。

前後編に分けてTB TECHの2つのプラグイン紹介をして来ました。
どちらも人間の知覚や心理に基づいて、新しいアプローチで価値のある製品を世に送り出しています。

前回の「Future DS」と同様に「Unmask」絶賛イントロセール中ですし、本家サイトからデモ版を使用することが出来ます。

TB TECHのデモ版は基本フル機能で無期限使えるという太っ腹仕様です。
その分、プリセットが使えなかったり、無音になったり、DAWを落とすと設定内容が全部デフォルトに戻ってしまうという制限があります。

とにかくデモとして使う分には申し分ありませんので是非試してみてください。

外部リンク(Plugin boutique)

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

話題のディベロッパーの…

もーだん

話題の新製品が来たね！

Three-Body Technology、通称 TBTECH の勢いが凄いです。
Kirchhoff-EQ等で証明された技術力を武器にどんどん新製品をリリースしています。

記事のリサーチのためにXを調べていたら、「Fabfilterから乗り換える！技術力があるし、何より安い！」というポストを見かけました。
それ程に技術力や勢いを感じさせます。

今回は前後編に分けて「Future DS」と「Unmask」という2つのプラグインを紹介していきます。

「Future DS」と「Unmask」は現在イントロセール中で、「39ドル」と「59ドル」というどちらも10,000円を切る価格帯となっています。
単に価格が安いだけなら有象無象のプラグインはたくさんある訳ですが、ちゃんと紹介・レビューするに値する品質があります。

ざっくり言えば、この2つは「ディエッサー」と「ダイナミックEQ」です。
もし今、「ディエッサーでいいのが欲しい」「ダイナミックEQでもっと自然に聞かせたい」と探しているなら、その旅路はこれで確実に終わります。

買わないまでも、試す価値は非常に高いです。
私自身も、レギュラー入りを確定させています。

本記事では「Future DS」の
・機能と使い方
・競合プラグイン
・推しポイント
をお届けしていきますので、ぜひ最後までご覧ください。

製品概要

Future DSは、空気感を損なうことなく耳障りな歯擦音を抑制するスペクトルディエッサーです。問題となる高周波ピークをリアルタイムで識別し、周囲のスペクトルを損なうことなく、的確な減衰処理を行います。
従来のディエッサーは音量レベルに基づいて動作しますが、Future DSはスペクトルを読み取ります。「これはうるさいですか？」と問う代わりに、Future DSは「この周波数のピークは文脈上不自然ですか？」と問いかけます。スペクトルエンベロープを破る狭帯域エネルギーを特定して減衰させ、隣接する周波数には影響を与えません。その結果、空気感を損なうことなく、耳障りな音を軽減できます。

本家サイトより引用

外部リンク(Plugin boutique)

スペクトルディエッサーとは？

従来のディエッサーは歯擦音(シビランス)が発生した時に問題の高域を丸ごと削り取ってきました。
その結果、耳に突き刺さる不快感と一緒に空気感やトーンも失われるという問題点があります。

その点「Future DS」はスペクトル（ざっくり言えば、周波数全体の輪郭）を見ながら不要・不自然なピークのみを抑えるという設計で、暗くせず、明瞭感を残したまま耳当たりを整えてくれます。
つまり、ボーカルの歌の文脈を理解し、気になる部分だけを賢く処理してくれるというものです。

公式文書の中でも「該当箇所のみをピンポイントで削減し、隣接する周波数には影響を及ぼさない」という旨の記載があります。
それがボーカルにとって非常に重要であるとこは皆さんも実感して頂けるかと思います。

あばん

マジでディエッサー難民だもんね…

もーだん

やっと長い旅路が終わるよ…

使い方と機能紹介

Future DS は2つのモードで駆動します。
画像真ん中の「Sibilance」のON・OFFで切り替えることが可能です。

・ON
いわゆるボーカル専用のディエッサーとして機能します。

ONにすると「Sib/Non-Sib」ノブが操作可能になります。
これは、検出の深さを決めるためのスレッショルドのようなものです。

マニュアルには「外側のリングは、入力信号における⻭擦音と非⻭擦音の比率を示します。」とありますが、私は単純にボーカルの音量を示しているように見えました。

・OFF
高域を抑えてくれるリミッターのように機能します。
これによりアコギやシンバルなどボーカル以外にも広く適用することができます。

「Depth」は処理量の多さを決めることができます。
耳で感じとる必要が出てくるので当然設定はケースバイケースです。
なのでこまめにバイパスと切り替えたり、デルタボタンを使用して余計な声の部分を削っていないかをチェックしましょう。

「Smooth」は削減Q幅の狭さを決めることができます。
他のプラグインと同じように、狭くすればピンポイントでの処理が可能になりますがその分アーティファクトやノイズ、歪みが出やすくなるので注意をして下さい。

他のアタックなどはコンプレッサーと同じ感じです。

右側のスペクトル表示

スペクトルが表示されている方でも重要な操作方法があります。

それは、「適用周波数と処理量の制御」と「重み付け」です。
画面の左右に出ているラインは適用周波数の範囲を、画面下部のラインは最大処理量を決めることが出来ます。

「適用周波数はともかく、最大処理量って「Depth」で決めりゃ良くない？」

と思われたかも知れませんが、ちゃんと明確に使うべきパターンがあります。

それは、満遍なく深く処理したい時です。

「Depth」を上げてしまうと、ちょっと出ている部分はいい感じに処理されてるが、超突出している所は大きく処理され過ぎてしまい結果不自然になってしまいます。

「Sib/Non-Sib」ノブでスレッショルドを深く設定すれば…？とも思いますが、突出した2つの山の差を埋めることは出来ません。

そういう時に使うのが、この最大処理量を決める下部ラインです。

もう１つの代替案として、「重み付け」をするということです。

こちらであれば、ちょっと突出した部分に重み付けをする（EQポイントを上に動かす）ことでより深く処理をしてくれます。
逆に、超突出している部分を軽めに設定する（下に動かす）ことで浅めに処理をしてくれます。

あばん

ディエッサーとして欲しい機能は全部あるね…

もーだん

シンプルでいて安くて高品質は、最強だね。

競合プラグイン

ディエッサーと名を冠するものは全て競合になりますが、一部ピックアップするのであれば、

FabFilter Pro-DS

Weiss Deess

smart:deess

Waves Audio - 日本 - Sibilance

Wavesが新たに開発した革新的なOrganic ReSynthesisテクノロジーから、限りなく透明に近いボーカル・ディエッサーが誕生しました。耳ざわりな”S”サウンドを、ありえないほ

この辺でしょうか。

各プラグインとの比較分析

それぞれ一長一短があるし、優劣は無いのですが、比較のために分析します。

Pro-DSやWeissの検出方式はオールドなレベルベースです。
しかしそこに各社独自の検出アルゴリズムを用いてシビランスの除去を行なっています。

ボーカル特化モードとその他モードという2つを搭載しているのは「Future DS」も同じですね。

同じようにスペクトル分析で検出を行なっているのがSonibleのsmart:deessです。
デモを使ったことがありますが、歯擦音だけでなく破裂音も検出してくれていて結構感触が良かったのを覚えています。

あばん

でも導入には至ってないんだよね…？

もーだん

それはお財布事情と関わってくるんだ…

どれも評価が高く、第一線級のプロ仕様の製品であることは間違いないのですが…いかんせん高価であるというのは否めない部分です。

現状「Future DS」はイントロセール中ではありますが、比べると2倍、大きければ5倍ほどの価格差があります。

その点、WavesのSibilanceは6000円前後と同じような価格帯です。
検出方式もボーカル特化させており、申し分なさそうなのですが…。

「私は現状これを使っています」

というので察していただければ幸いです。

好きを語るレビュー

非常に好きです。
まだ使って3〜4日ですが、必要十分でありながら、変なノイズも無いし、高域の空気感はそのままだし、使いやすいし、何より安い。
Holdの設定は少しややこしそうですが、多用せずとも充分実用的です。

スペクトル系のディエッサーは他にもあったりするんですが、ブレスを歯擦音と検出して中途半端に処理した結果、ガビガビしたノイズになることが多々ありました。
しかし、このFuture DSは検出精度が優秀なので今の時点ではそんな事故は起きていません。

レベルベースで高域を抑える系のプラグインも所有して使いましたが、やはりピンと来なかったし、「これならダイナミックEQで全然良いやん…」という気持ちがあり続けました。

最初にデモを使った時の「え？良くね？」の感覚は忘れられません。

また、空気感を残してくれるという意味で分かりやすかったのはアコギにかけた時です。

ギラギラしていた音がめちゃくちゃ上品で爽やかな、いわゆるプロの音になります。

「音圧は欲しいけど、どうしても耳に刺さるのが気になる…」という時に耳当たりを良くするコスパ高めのディエッサーだと思います。

TB TECHの技術力

ディエッサー探しの旅に、ひとまず終わりを告げることが出来ました。

個人的には、「あれもこれも出来るユーティリティプレイヤー」より「これしか出来ないけど圧倒的に強い」という職人タイプのプラグインが好きです。
それで言うとこの「Future DS」はちゃんと職人然としていて非常に好感が持てましたし、質も良く、TB TECH出身と名前に箔がある感じも素敵です。

絶賛イントロセール中ですし、本家サイトからデモ版を使用することが出来ます。

TB TECHのデモ版は基本フル機能で無期限使えるという太っ腹仕様です。
その分、プリセットが使えなかったり、無音になったり、DAWを落とすと設定内容が全部デフォルトに戻ってしまうという制限があります。

とにかくデモとして使う分には申し分ありません。

ぜひ試してみて、一緒にボーカルミックスのレギュラーに迎え入れましょう。

後編はこちらです。

外部リンク(Plugin boutique)

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

情報更新回だー！

もーだん

色んな音源を紹介するよ！

気付けば、Pianobookを取り上げるのも1年以上ぶりになりました。

この1年で音楽制作環境は大きく変化し、AIを使った音源や自動生成が本当に増えました。
それらは「速く」「整っていて」「破綻のない」サウンドを目指し、急成長を遂げていることは皆さんも実感していると思います。

そんな時代だからこそ今回改めて紹介したいのがこの「Pianobook」というサイトです。

Pianobookとは？

Pianobookは世界中のクリエイターが自作した音源を投稿＆共有しているサイトです。

「Spitfire Audio」の共同創設者が立ち上げたプロジェクトサイトであり、「プロが使うし、作ってる」音源が数多く寄せられています。

以前は名前の通りピアノの音源が中心でしたが現在ではストリングス、木管、合唱、ギターなど多くのジャンルのサンプルが揃っておりその数は1700以上に上ります。
そして、その多くが無料となっている点も特筆すべき点です。

何よりPianobookの音源は「整いすぎていない」のが魅力の1つです。

市販の有料音源は確かに音程もバランスも安定しています。
しかし、ここの音源は人の手触りや温もり、ピッチのばらつきや、部屋なりなど「不完全」な部分が強烈な個性となりその人の「作品性」となって現れています。

あばん

綺麗すぎる音源って…

もーだん

ハマらない場面があるんだよね…

今回の厳選15＋1個について

今回紹介する15個は、単に珍しいものではなく、次の基準で選んでいます。

・曲作りに使いやすい品質の高さ
・無料で面白い質感の個性の強さ
・各ジャンルから出来るだけ多く選別

「＋1」に入れる音源は、特に私が強く推してるものです。
15個はバランス重視ですが、「＋1」だけでもぜひチェックして取り入れてみて下さい。

音源紹介

1.The Spellsinger

The Spellsinger – Pianobook

築173年の教会で録られたクワイア音源です。

音域は3つのセクションに分かれています。
高音域：心に残るフレーズのワンショット
中音域：ピッチと強弱が揺れ動く、長く変化するループに優しい装飾音
低音域：わずかなベンドとピッチのちらつきを伴う、静かなループ状のドローン

音源自体もユニークなのですが、GUIも個性的です。

一見すると設定しづらいように見えますが、耳や感覚を頼りに設定を作り込んでいくとボイスサンプルの魅力と重なって不思議な感覚に陥ります。
曲の中でのスパイスとして役立ってくれそうだと思い、取り上げてみました。

2.SOLO BRASS UNTAMED – Demo

SOLO BRASS UNTAMED – Demo – Pianobook

次はWESTWOOD社のブラス音源です。
ダウンロードして使ってる時に気付いたのですがデモ版でした。
しかし有償版はすでに販売終了になっており無料版が遺物として残されている状態です。

アーティキュレーション

チューバ – Soft Air
トロンボーン – Improvisations A
トロンボーン – Tonguing
ユーフォニアム – Vibrato Slow
ユーフォニアム – Short
フリューゲルホルン – Improvisations C
トランペット – Short

オーケストラ用のブラスではありますが、温かみがあり良い味を出しています。

3.Cello Ensemble

Cello Ensemble – Pianobook

次はダイナミックなチェロ音源です。
演奏家の呼吸まで聴こえてきそうな生々しさが良いです。

3つのダイナミックレイヤーで構成されており、SEリボンマイクをWarm AudioのプリアンプとGolden Ageのコンプレッサーを通して録音しました。

さすがに高級有料音源と比べると打ち込み時の取り回しの難しさはありますが、音源が持つパワーで説き伏せられてしまいそうな説得力があります。

4.Found Strings

Found Strings – Pianobook

またストリングス音源です。
非常にシンプルでありながら高音質な音源です。

UIを見て分かる通りアンサンブルとして必要な音域を概ねカバーしてくれています。
アーティキュレーションは一つしか搭載して無いですが打ち込みによって表情を引き出すことも可能です。

5.Spring Chimes

Spring Chimes – Pianobook

14種類のピアノブックのベルとマレットのサンプルパックを重ね合わせた音源です。
可愛らしさもあり無料とは思えないクオリティです。

またパッチ(プリセット)も6種類準備されていて音の変化を楽しむことが出来ます。
下記の動画では、5番のRainFallというパッチを使用しました。

01 アンサンブル、02 ハーフセクションソフト: まろやかで柔らかい楽器のみ、03 ハーフセクションブライト: 最も鋭く明るい楽器のみ、04 ブルーミング: 楽器の半分がランダムに音と 1 オクターブ上の音を演奏、05 レインフォール: すべての楽器がランダムに音を演奏、より混雑、06 スプリングパッド: 前のパッチのサンプルを使用して作成された 6 つのパッド信号。

6.“Vignettes” (Folk)

“Vignettes” (Folk) – Pianobook

バリトンバンジョー、フィドル、アコースティックギター、そして3つのパッドで構成された音源です。
パッドも3つ搭載されているのでかなり遊ぶことが出来る音源です。

バリトンバンジョー、フィドルのピッキング、そしてワイドステレオのアコースティックギターをフィーチャーしました。さらに、3つのパッド、グラニュラーフィドルパッド、ペダルスチールとサイン波、そしてポンプオルガンも収録しました。

後述する「Hearth & Hollow」と合わせて今回の中ではかなり推しの音源です。

7.Hearth & Hollow – Plucked Folk Ensemble

Hearth & Hollow – Plucked Folk Ensemble – Pianobook

7種類の厳選されたアコースティックな民族楽器音源です。
かなりファンタジーな雰囲気で使い勝手が良く、インスピレーションの湧く素敵な音がします。

また、作者の公式サイトに飛ぶと、グルーヴ機能がアンロックされたものが有料で発売されています。
簡単なバッキングをコード追従で行なってくれるというやつです。
気になる方はぜひどうぞ。

8.Percussion Palette

Percussion Palette – Pianobook

膨大な数の打楽器をコレクションした音源です。

セネガルのジェンベにスネアドラムを取り付けたり、モロッコのウドゥをEventide H3000に通したり、フィルター付きのトーキングドラム、シェイカー、カリンバ（スネアドラムで演奏）、フレームドラム、バリのゴング、竹製のバラフォン、そしてありとあらゆるノイズメーカーを使いました。

シンプルでありながら使い勝手は良さそうです。
しかし、無料のパーカッション音源は混交玉石ながら数多くリリースされているので是非デモ音源を聴いてみて検討してみてください。

9.Viva Bass

Viva Bass – Pianobook

まろやかでありながら力強いトーンを持つフェンダーベース音源です。
有料音源に引けを取らない音質でありながら、個人製作の荒々しさや温もりを感じる「これぞPianobook！」と呼べる音源です。

10.1937 Dobro

1937 Dobro – Pianobook

スライドギターの音源です。
ベロシティによりスライドの方向が変わります。

個人的にこういう音源を持ってなかったのでこの際に入手しておきました。

11.November Piano

November Piano – Pianobook

非常にメランコリックなフェルトピアノ音源です。
Lo-Fi系の音楽に合う優しさと寂しさを併せ持つ独特の表情が持ち味です。

モジュレーションホイールを動かすと雲の大きさが変わります。
それと同時に、テープエコーや逆再生音の音量が変わります。

ピアノ – ピアノの音量
p – ペダルボリューム
rt- リリーストリガーボリューム
ノスタルジア – ランダムにヒットした音符がカセットテープ効果を通して再生される
メランコリー – ランダムに打たれた音符が逆再生される
クラウド – ノスタルジアとメランコリーの音量を同時に調整します。モジュレーションホイールに反応します。

12.Imperfect Viola

https://www.pianobook.co.uk/packs/imperfect-viola/

非常にリアルなビオラ音源です。

先ほど出てきたチェロ音源のように圧倒的なリアルさを持ちます。
名前は「Imperfect(不完全)」となっていますが、それ故に非常に人間味のある演奏を聴かせてくれます。

13.Americana Tapestries

Americana Tapestries – Pianobook

美しくもオーガニックな雰囲気を持つパッド音源です。
個人的にはパッド音源はあまり多用はしないのですが、これは映画音楽などで使えそうな荘厳な雰囲気を持っています。

Appalachian Mellotron: ランダム化スクリプトで複数のテープループをタイムストレッチ＆スローダウン。ラップスティール、フィドル、オートハープを使用したローファイなアンビエントテクスチャ。
Fiddle for Airports: Brian Enoへのオマージュ。複数のループがランダムなポイントで再生される、アンビエントなフィドルパッド。
Granular Dobro Swarm: ドブロの演奏をgranular処理し、ランダムなピッキングの粒子で構成されたサウンド。
Pedal Steel Refraction Pad: ペダルスティールを多様なエフェクトで加工し、ハーモニクスやピアノループ、ゴムバンド音もレイヤーしたパッド。

やや音量は小さいので作曲時やミックス時にはゲインをあげる工夫が必要になります。

14.Niue

Niue – Pianobook

ワイングラスの音を録音した音源です。
「異なる圧力でこする様々な方法を用いて、様々なサイズのワイングラスを振動させ、グラスの音の最適なポイントを見つけ出した」という、パッドのような音やチャイムのような澄んだヒット音を収録しています。

プリセットも多く収録されており、Pluckのような単音やPadのように優しく広がる音、STAR Padはやや激し目のPadなど38種類が用意されています。

15.Dream Vibes

Dream Vibes – Pianobook

多用途なビブラフォン音源です。
珍しくUIに凝っていてDelayやReverbや3種類のマイクのミキサーが搭載されています。

普通に売っていてもおかしくないクオリティです。

16.Claustrophobic Piano

Claustrophobic Piano – Pianobook

これが私の最推し「＋1」のピアノ音源です。
前回の記事でも紹介したのですがここでも改めて推していきます。

冒頭でも紹介したのですが、LABSのSoft Pianoを作った人の音源で「マイクをピアノの中に入れて背面に毛布を掛けて録音した」というものです。
マイク毎の音量をミキサーで調節出来るの点も高評価です。

音像の近さやリアルな質感、何処となく寂しさや孤独を感じる音は、これにしか出せない個性となっています。

Kontakt問題

普段私は、Kontaktを使っているので、今回紹介した15＋1の音源はKontakt上で動作するものばかりです。
さらに難しいのは、Kontaktと言っても、「有料版Kontakt」「無料版Kontakt Player」の2種類がありここでも動作確認が必要になってきます。

もしも、Kontaktを未所持の場合には「Decent Sampler」という無料サンプラーを検討して下さい。

Decent Sampler Plugin [FREE] - decent|SAMPLES

A FREE sampling plugin that allows you to play samples in the Decent Sampler format. Available in VST, VST3, AU, AAX, and Standalone for Mac, Windows, Linux, and iOS.

Pianobook上ではKontakt版と一緒に用意してくれている人が結構多くいます。
個人的には「早めにKontaktは買っといた方がいい」派ですが、一旦お試しと言うことであればこちらのパターンもおすすめです。

あったか〜い音楽

「揺らぎ」「ずれ」「ノイズ」などは録音や編集の段階で排除していく。
もちろん、一般的にはそちらの方が価値があり、何処でも無難に綺麗な音が出せると言うのはシンプルに強みです。

しかし、たまには実家のご飯が食べたくなる感じというか、その人の個性や温もりがダイレクトに伝わるものを味わいたくなる時が、私にはあります。

そう考えると「綺麗」で「リアル」な音源というのは相反しあってる気がしてきました。

あばん

なんだか哲学的だね…。

もーだん

それほど息遣いを近くに感じたんだね。

ぜひぜひPianobookを覗いてみて下さい。
非常に楽しく、こんな世界もあるんだと視野が広くなる感じになります。

あばん

攻撃力高めのドラム音源!!

もーだん

これは持ってて損が無い!!

破壊的、暴力的なドラム音源がHeavyocityから登場しました。
その名も「Oblivion Drums」

実体験として、重厚で凶暴なドラムが似合う退廃的な曲を作っていた時、音作りで大きな壁にぶち当たりました。
どんなに歪ませたり加工をしても重さや凶暴さが出てこず、チープな音になっていった苦い過去が蘇ります。

あばん

これは本当にあるあるだよね…。

もーだん

未だに音作り難しいって思うもん…。

「早く入手していればどれだけ曲作りが楽になっただろう」
「自分では作れない音からどれだけ想像力を膨らませられただろう」

皆さんがそんな後悔をしないためにも本記事でOblivion Drumsの特徴や使い方、おすすめの使用方法やジャンルをお届けします。

製品概要

OBLIVION DRUMSは、30,000以上のサンプル、99のプリセット、そして500以上のループを、Kit Designer、Ensemble Designer、Loop Designerという3つの楽器で提供します。すべてが、強烈なアグレッシブサウンドのために設計されています。ロードして演奏すれば、最初の音から、生々しく、常軌を逸したパワーがあなたを襲います。心臓の弱い人にはお勧めできません。

公式サイト

外部リンク(Plugin boutique)

プリセット紹介動画を見るだけでもめちゃくちゃ迫力があって重厚かつ凶暴な音であることが分かります。

では実際に基本的な使い方と個人的に気に入ったポイントをお届けしていきます。

Drum Kit Designer

一番多用するであろう「Drum Kit Designer」です。
鍵盤16個に音源を割り当ててスタンダードなサンプラーとして機能します。

プリセットキットも準備されていますが個別のサンプルを変更することが可能です。
つまり新しく「自分だけのキットを作れる」と言うことです。

そして各Chごとに独立したFXチェーンを設定することが出来ます。

また、後述する「Ensemble Designer」にもありますが、Close、OH、Room、Hall、LFE の5つのマイクチャンネルで空間系も調節できます。

見慣れない「LFE」はサブベース帯を増強するものです。
空間を大きく録ると低域はぼやけて薄くなりがちですが「LFE」を盛ることで非常に圧のある低域を作り出すことができます。

公式の説明にもある通りサンプルの数は30000個を超えており、ベロシティレイヤーやラウンドロビンを搭載しているので、非常に表現力が豊かでかつ高音質となっています。
ちなみに画面右側にある「RR」がラウンドロビンのスイッチとなっています。

あばん

サウンドデザイナーって凄いね…。

もーだん

こんなのなかなか作れないよ。

Drum Loop Designer

個人的に一番使い勝手が良く、この音源のエース的存在と言えるのが「Loop Designer」です。
500以上のループ素材を組み合わせて、指1本でハイブリッドなドラムパターンを構築することが出来ます。

低/中/高ごとに1オクターブ分の鍵盤が割り当てられておりそれぞれをカスタマイズしたりループ素材を変更することも出来ます。

またStutter Keysでスタッター効果を付与したり、FXの効きをオートメーション化出来たりするので、独創的かつ動きのあるループへと簡単に作り変えることが出来ます。

勿論、この「Loop Designer」だけでドラムトラックを完成させることは出来ますが、個人的には先述の「Drum Kit Designer」と組み合わせるのが最強だと思っています。

難しい音作り、ドラムパターン、動きのあるFX、これらが「Loop Designer」で完結できてしまうというのは非常に有難いです。

Drum Ensemble Designer

この音源の革新的な部分である「Ensemble Designer」。
視覚的にドラムパーツを配置できる仮想ステージが設定されており、前述の5つのマイクで圧倒的な空間演出を可能にします。

「Ensemble Designer」の独自機能ですが、5つのマイク毎に音響特性が異なっています。

と言った具合にかなり自然なスタジオ特有の音響を再現しています。

ただ、個人的にはあまり使わなそうだと感じました。
各ドラムに Crescendo、Swell、Flam、Roll、Repeat といった演奏モードもありますが学習コストがやや高そうで、いい感じのドラムキットを即座に鳴らせるという印象が無いためです。

強いて言えば、プリセットの「Cinematic Modwheel Jam」はかなりいい感じでした。
ただこれもモノによってはモジュレーションホイールの設定が済んでおらず、自分でやるのがちょっと手間だと感じてしまいます。

ちなみにプリセット名にも書かれている「STR」や「TPR」は Straight / Triplet という意味で、STR はイーブン系、TRP は3連符系です。

本音レビュー

普段はBFDやAD2を使ってドラムトラックを製作しているのですが、「Heavyocity…めちゃくちゃ音良くね…？」が率直な第一印象です。

ストリングスやブラスなどのシネマティック系音源メーカーのイメージがあるのでドラム音源に関してはちょっと舐めていたのですが、非常にビビりました。
30000個あるサンプルも、水増ししたようなチープなものばかりではなく、どれもちゃんと使えるし、似た処理では無く個性が立っています。

ただ、それだけ個性が強い音源なので使うジャンルや人を選びます。

使いやすいジャンルで思いつくのは下記の通りです。

この音源でJazzやPop、爽やかで軽快な曲を作ろうと思うとかなり無理があるし音源自体の良さを消してしまいます。

また、各サンプルが全帯域に渡って強いパワーを持っているので、他の楽器との棲み分けやアレンジ・ミックスで手こずる可能性もあります。

あばん

ベースやボーカルとの兼ね合いがあるよね。

もーだん

油断すると喰われちゃうからね。

AI曲のリアレンジ

もうひとつ感じたのはAI曲のリアレンジに非常に有効なのではないか？ということです。

昨今のAIの進化は目覚ましく、さまざまな音楽ジャンルを取り入れてアレンジの幅を広げている印象です。
そんな中、AI曲の中で歪んだドラムが使われていた場合などに、わざわざ苦手な音作りを真似てやってみて本来の楽曲制作になかなか取りかかれないというパターンは結構あります。

そんな時にこのような音源があれば非常に助かると感じました。

あばん

色んな手札を持っておくのは大事だよね。

もーだん

それだけで創作の幅が広がるからね！

自分の得意分野を伸ばすのも大事ですが、たまには違った音楽ジャンルに触れるのも大事です。
その際に、ある程度のドレスコードというか定型を持っていないとせっかく挑戦したのに「なんか思った感じにならない」というネガティブな印象が付いてしまいがちです。

汎用性こそ低いものの「ある1点」においてはファーストチョイスになれる。

持っておいて損は無い、むしろ新しい創作の扉を開放してくれる可能性すらある「Oblivion Drums」をぜひ使ってみて下さい。

外部リンク(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

UADの対抗馬がやってきた！

もーだん

これはスタメン入りの予感がするよ！

IK MultimediaのSunset Sound Studio Reverb IIがリリースされました。
前作から愛用していた身としては、これはかなり嬉しいアップデートです。

そして、実際に使ってみると単なる後継機ではなく音作りの自由度が増していて「別物」と言っても良いほどに進化を遂げていました。

今回の記事では、まず特徴をサラッと整理したうえで、
前作との違い、UADのOcean Way Studio DXとの比較、そして実際に使ってみた率直な感想を中心に書いていきます。

Ocean Way Studio DXについては動画も上げているので是非ご覧ください。

特徴の整理

まず、今回のSunset Sound Studio Reverb IIの特徴を、ざっくり短くまとめるとこんな感じです。

27ポジション・336IRデータ
各ルーム内で音源を置く位置を細かく選べるようになり、実測されたIRデータも大幅に増量。
つまり、同じ部屋でも「どこで鳴っているか」をかなり細かくコントロールできます。

2基の独立リバーブエンジンを並列駆動
2つの異なる空間設定を同時に重ねられます。
これがかなり大きくて、単純なリバーブではなく、空間のレイヤーを作る感覚で使えるようになっています。

Sizeコントロールとダンピング
残響の長さだけでなく、空間そのもののスケール感や、部屋の吸音状態まで調整可能。
「ただ長くする」だけではない、より立体的な空間設計ができます。

EQやコンソールモデリング
リバーブ単体の音だけでなく、質感や厚みまで作り込めるのが強み。
API系とNEVE系のキャラクターを使い分けることで、同じ空間でも印象がかなり変わります。

あばん

かなり進化してるのが分かるね…！

もーだん

UADに対抗意識あるんだろうね…

前作と何が違うか

前作はLIVE ROOMの3番が非常にお気に入りでした。
コントロールノブもかなり少なく、センドで送って音量バランスを整えるぐらいの明快な使い方でした。

今回、進化した点で言うと「音作りの自由度」が格段に上がりました。

・どこに音源を置くか
・どれくらい部屋成分を出すか
・どれくらい吸音された空間にするか
・2つの空間をどう混ぜるか

と言うところまで設計出来るようになっています。

つまり今作では、部屋そのものを設計&演出するプラグインになったという感じです。

ネガティブな面

しかし、それらは裏を返せば「迷いやすくなった」と言うことでもあります。

前作の場合は、1～3番のROOMを切り替えて合わなければ別のプラグインを試してみるというシンプルな操作性ゆえの決断の速さがありました。

しかし、今作になって一気に自由度が増えたので、

「こうしたらもっと合うかも」
「このポジションならどうだろう」
「Room 1とRoom 3をどう組み合わせるといいか」

などの試行錯誤の余地が生まれました。
もちろん、ポジティブな要素ではあるのですが、人を選びそうな進化だと感じました。

ポジションの考え方

このプラグインの面白さは、グリッド上のポジション移動にあります。

大事なのは、位置を動かす＝単純に音量や残響時間が変わる、ではないということ。
変わるのは、主に下記の5つです。

・反響の出方
・残響の密度
・距離感
・部屋鳴りのまとまり
・定位の感じ方

ざっくりした感覚としては、こう捉えると分かりやすいです。

手前
リバーブは控えめで、近くに感じる。
メイン楽器向きで、前に出したい音に合います。

中央
バランスが良い。
その部屋で録っている感覚がいちばん出やすい位置です。

壁寄り
反射が早く返ってきやすく、密度感や色付けが増えます。
定位も少し寄りやすく、キャラクターが出ます。

奥
部屋成分が強くなり、遠近感が出ます。
空間に包まれる感じを出したいときに向いています。

残響感の変更の方法

とは言え、手前と奥とで、そこまで残響感が明確に変わるかと言うと個人的には微妙な部類だと思っています。

「もっと大きくて長い響きが欲しい」
「広い空間を感じたい」

という時にはポジションよりDecayとSizeの影響が大きいと感じました。
このプラグインを使う上で結構大きなポイントだと思います。

あくまでこのスタジオの空間の中で「どの場所に鳴らすか」を決めるものですが、DecayとSizeは、残響そのものの印象を変えてくれます。

逆に、短く圧迫感のある残響が欲しいなら、ISOブースを使ったほうが狙いやすい場面があります。

ISOブースが意外と重要

使ってみて思ったのが、「残響を近くしたい」「短くしたい」と思っても、通常のルームでは限界があります。

圧迫感や音の厚みを出すという意味では、ポジションを手前にするよりISOブースを使う方がより好ましいです。

残響感はほぼ無く、質感を変えてくれる感じに近いというか、UADの「RE-MIC」に近い気がします。

後述するリバーブの並列駆動(デュアル設定)時に片方ISOブースを入れておくと異なる空間がレイヤーされてより、生っぽい音の響きにすることが出来ます。

UAD Ocean Way Studio DXとの比較

ここは多くの人が気になるポイントだと思います。
結論から言うと、完全な上位互換ではないです。
ただし、既に十分な対抗馬である、というのが率直な感想です。

動かす「モノ」の違い

決定的に違うのは、UADは「マイク」の位置を動かしますが、今作は「音源」の位置を動かします。

これによって何が変わるかと言うと、UADは変化量がかなり明快です。

3組のマイクがどの距離で音を拾い、どの音量で出すのかがコントロール出来て、所謂リバーブとして距離感を作るのはこちらの方が上手です。

一方で、前述した通りSunset Sound Studio Reverb Ⅱは、残響感のコントロールは出来ますが、そこまでハッとする感じではありません。
どちらかと言うと質感や、そのスタジオの空気感や生々しさや色気を底上げするタイプのように感じます。

この楽曲への「溶け込み方」が好きかどうかで評価はかなり分かれそうです。
派手な変化を求めるならUAD。
スタジオの空気感そのものを楽しみたいならSunset Sound II。
と言う印象を感じました。

CPU負荷について

率直に言うと、UADのOcean Way Studio DXは、使っていてまじで重いです。
多用したいプラグインではあるんですが、挿す前に必ず上書き保存したくなるレベルでヒヤヒヤします。

それに比べると、Sunset Sound Studio Reverb Ⅱはだいぶマシです。
体感でも数値上でも1.5〜2倍くらい重い印象です。

とは言え、前作よりかは多少重くなっています。
画像で「TR5」と頭に書いてあるのが前作です。

単なるリバーブであればセンドで使うので多少重くても良いのですが、トラックに入れて質感を変えるのであれば、せめてこのぐらいに抑えていて欲しいです。

デュアル設定の使い方

前述した通り、このプラグインの面白さをもっとも実感しやすいのが、2基の独立リバーブエンジンを組み合わせる使い方です。

① ISO近め＋長めのプレート

これはボーカルにかなり使いやすいです。
ISOで近さを残しつつ、プレートで存在感と艶を足すイメージ。
歌を前に出したまま、少しリッチにしたいときに向いています。

② ROOMタイト＋チェンバー

これはドラム向きです。
ルームで芯を残しつつ、チェンバーで空気感を足すと、打ち込みでも一気に“録音物”っぽくなります。
タイトなのに薄くならないのが良いところです。

③ ROOM1近め短め＋ROOM3遠め長め

これは空間のレイヤーをはっきり作りたいときに便利です。
近い部屋で輪郭を残して、遠い部屋で奥行きと余韻を足すことが出来ます。

この手の組み合わせは、単発で聴くと地味でも、ミックス全体ではかなり効きます。
特に初心者〜中級者の人ほど、こういう2段構えの空間作りは試す価値が高いです。

個人的にはかなり好きです。
正直、前作が好きだった人ほど、今作は素直に楽しめると思います。

Ocean Way Studio DXのような劇的な変化を求めるか、
Sunset Sound Studio Ⅱのような自然な空気感とスタジオの色気を求めるか。
ここは好みが分かれるところですが、少なくとも十分な対抗馬であると感じました。

CPUの負荷も実用的なラインに収まってくれているところも非常に高評価です。

あばん

UADがおばけ過ぎるという説はあるけどね…

もーだん

それぞれの良さがあるんだよね…

そして何より、
前作が好きだった自分にとっては、ちゃんと「続編として嬉しい」完成度でした。
この系統のプラグインが好きな人には、かなりおすすめできます。

外部サイト(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
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