あばん

やっぱツールは比較してなんぼでしょ！

もーだん

意外な事実も発覚したしね…！

前回の記事では、Sunoで制作した楽曲をベースに、ボーカルやギター、ドラムなどを段階的に人間の演奏へ置き換えながら、AI Music Detector Comparisonを用いて17パターンの検証を行いました。

となると、当然新たな疑問が湧いてきます。

「どのAI検出ツールも同じなのだろうか？」
「そもそもこれらのツールは信用に足るのだろうか？」

ということで今回は前回のAI Music Detector Comparisonに内蔵されている2つの解析エンジンに3つのAIツールを加えた、5つのツールでの検証比較をしていきます。

「ツールによって何がどう違うのか」
「結局どのパートがAI判定を左右しているのか」を横断的に見ていきます。

なお、ここで紹介する内容は、各サービスが公開している情報に加え、今回の実験結果から読み取れた傾向を組み合わせたものです。
アルゴリズムの詳細は公開されていないため、一部は実験結果に基づく考察であることをご理解ください。

検出データ

SubmitHub

BeatsToRapOn

AI Music Checker

検出ツールと分析結果

ACRCloud (AI Music Detector Comparison)

AI Music Detector Comparisonは前回の記事でしっかり検証しました。
ACRCloudは「特定のリード楽器・主旋律が人間かどうか」によって判定が大きく変わる解析エンジンです。

特にボーカルに重み付けがされており、重要視されています。

しかし、1パートだけAIを入れた時の検出（#7 #8）はすり抜けています。

あばん

AIボーカルの時は見逃しちゃうんだよね…。

もーだん

詳しくは前回の記事で！

SHLabs (AI Music Detector Comparison)

2つ目の解析エンジンである「SHLabs」は特定のパートというよりも「曲全体を占めるAIトラックの量」を重視しています。

ACRCloudの時は#2の時にAI確率が大きく下がり人間判定になりましたが、SHLabsは１パートの変化ではAI確率が覆る事はありません。
「ボーカルを含んだ2パート以上が人間化」した時のみ人間判定を下します。

しかし、#7のボーカルのみAIにした時は「AI判定」となっており、曲全体の比重や量を見ていつつ、ボーカルのような帯域が広く情報量が多いパートがAI化されると反応しやすいと考えられます。

SubmitHub AI Song Checker

新ツール1つ目の、SubmitHubは「総合判定」「Spectral analysis(周波数解析)」「Temporal analysis(時間軸解析)」という3軸で、それぞれ人間/ハイブリッド（人間＋AI）/純粋AIの3つの確率を出しています。

興味深いのは、#1の全パートAIでもハイブリット判定を出した事です。
前回の記事でも言及したように、ステム化をしてプラグイン等で簡易なミックス&マスタリングを施しているのが原因だと思われます。

人間判定が出ているものを見ると「ボーカル＋他1パート以上」が条件であると考えられます。

また、「Spectral analysis(周波数解析)」の判定がかなり支配的で、Temporalが#7は91％の人間判定を出していますが、Spectralがハイブリット判定を出したため、総合判定もハイブリットになっています。

あばん

むしろTemporal解析がだいぶザルじゃないか…？

もーだん

まぁサンプル数が足りてないからね。

BeatsToRapOn AI Detector

新ツール2つ目はBeatsToRapOn AI Detectorです。
このツールは他の4つと違い、単一の総合判定を出さず、8つの指標をそれぞれ10点満点で提示します。

驚いたのが、音源の内容に関わらず、8指標のうち、テクスチャループ・スペクトルロールオフ・ケプストラムアーティファクトの3つは、内容がまったく異なる14パターンすべてで完全に同じ値を返しました。
ダミーの数値なのか、何か14曲全てに同一の癖のようなものがあったのかは不明ですが、ツール全体の信頼性を低く感じてしまう結果となりました。

残りの5つの指標を見ていくと、説明が付くものと全く説明不能な挙動を示したものに大別できます。

位相エントロピー

値は6.5か7.5の2択でした。全14パターンを「DrとBaが両方とも人間か」で分けると、14パターン全てが例外なく一致しました。

特に#8(全部人間・ドラムだけAI)は、ベースは人間なのにドラムがAIなので「両方人間」の条件を満たさず、実際に6.5でした。

マクロ構造

この指標は「パートの量」にかなり素直です。
パート数が増えるほどおおむね右肩下がりです(0パート:7.55 → 8パート:2.34)。

しかし例外なのが、#3のDrのみ人間(8.62)がむしろ全体最高値になっている点です。
ドラムが重要なファクターかというと、#7と#8を比べると大きな差はないので、説明がつきにくい部分です。

リズミック・クオンタイゼーション

値は1か6.5の2択です。
「Vo・Dr・Baの3つが全部AI」という条件で分けると、14パターン中13パターンが一致しました。

しかしここでも例外が出てしまいました。
サンプルの少なさ故でしょうか。

声質の平坦さ

VoがAIのケースは、例外なく全て8.5(合成音声的)でした。

しかし難しいのはここからで、Voが人間のケースを見てみると、Vo＋3パート以上が人間になると全て8.5(合成音声的)の数値を返してきました。

非常に怖い結果です。
自分で全部作ったのにAI判定を出されてしまう可能性を示唆する結果となりました。

エンベロープの一貫性

ここは本当に分かりません。
ほとんど8.5(合成音声的)でしたし、人間的と評価されたのは「#2」「#3.1」「#3.2」の3つでした。

ここまでを見てわかる通り「マクロ構造」の数値以外は、2パターンの数値しか返してきません。
段階的にデータを作り、検証したにも関わらず、徐々に推移していくという挙動は見られず、どの方面で使用されるツールなのだろうと頭を抱えます。

あばん

ま、ま、まぁサンプル数が、ね…？

もーだん

少ないのもあるけど…さぁ…？

AI Music Checker

新しいツール3つ目のAI Music Checker。
このツールは、「予測(人間かAIか)」「AIの確率」「最も可能性の高いAIタイプ」というシンプルな構成です。

そして非常に大きな発見がありました。
それは、前述した「SHLabs」のスコアと比較したところ、小数点以下の誤差程度しか差がなかったのです。

一部抜粋しましたが、全てのパターンでほぼ同じ数値を返してきます。

OEM供給されているのか裏側でしれっと使っているのかは分かりませんが、「最も可能性の高いAIタイプ」の指定まで同じでした。
実際はSunoを使っているのに「elevenlabs」という誤検出まで同じとなると…。

ここでの結果が示したのは、「見た目の違う複数のAI検出サイトが、実は裏側で同じエンジンを使い回している可能性がある」いう全く別軸の視点です。

横断的分析

5つのツール（実質的には4つ）を横断的に見比べてみると上記の表になります。

前回のブログでは「ボーカルが非常に大事」という結論でしたが、改めて見てみるとそうでもない、むしろ逆走の結果を示すことがあると分かります。

そして重要な切り口として「隠れAI」の検出テストがあります。

7パート人間＆1パートだけAI

#7と#8を見比べてみました。
5つ中2つ（SubmitHub、SHLabs系）のみが隠れたAIボーカルを検出しました。
「ドラムだけAI」というパターンに至っては、5ツール全部が見逃していて非常に面白い結果になりました。

しかし、逆に「#3のDrだけ人間化」を見ても、ACR CloudがAI確率を多少下げたものの、他のツールはびくともせず非情にAI判定を出しました。

「ちょっとならAIを使ってもバレない」と思うのか
「頑張って音源打ち込みをしても無意味なんだ」と思うのかは皆さん次第です。

発展途上でイタチごっこ

個人的に感じたことをまとめると、下記の通り。

・1つの検出ツールだけを過信するのは危ない
・そもそも信ぴょう性の低いツールや数値がある
・ボーカルの差し替えは多くのAI検出ツールに有効
・1トラックだけAIを混ぜるのは現時点では検出されにくい

当然、AI側も検出ツール側も発展途上であり壮大なイタチごっこはこれからも続いていきます。
そして、今回の検証で足りない部分、限界も記しておきます。

まず、圧倒的にサンプル数が足りませんでした。
永遠にn=1の話をしているので参考にはなるでしょうが、有効性がどこまであるかは不明です。
ジャンルやアレンジ、ボーカルの性別などが変わればまた結果は変わる可能性があります。

また、今回はSunoをベースにステム分離をして、再構築しましたが、Murekaなどの別のAIを使っての検証もする必要があります。

あとは、とても恥ずかしいのですが私の編曲クオリティの問題もあるかもしれません。
ミックスやマスタリングの質、歪みや位相の取り扱い方でも結果は変わる可能性は大いにあります。

あばん

課題は山積みだね…。

もーだん

少しずつ検証していこうね。

ツール側のアップデートは今後も続いて、検証アルゴリズムはどんどん強化されていくことでしょう。
なので、この記事の数値はあくまで検証時点(2026年7月)のスナップショットである点にも留意してください。

あばん

AI音楽がどんどん規制される方に進むね。

もーだん

まぁアーティストを守るためだからね。

2026年7月15日、音楽ストリーミングサービスTIDALが新しいAIポリシーを施行しました。
内容は「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けて収益化から除外するというものです。

この流れは2026年現在、非常に加速しており、Spotify、Apple MusicなどのプラットフォームもAI生成音楽の規制や排除を強化しています。
また、TuneCore、LANDRなどのディストリビューターには、「自動AI検出システム」が密やかに導入され始めています。

私が聞いた話でも、国内大手レーベルが開発したAI生成検出ツールは「1トラック8小節」でも検出することが出来、場合によっては審査基準を満たしていないとされてしまうそうです。

ここでポイントなのが、前述したTIDALは「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けるのですが、裏を返せば、人間の関与がどこかに含まれていれば、この網からすり抜けられる可能性があるということです。

だとするのであれば、どこからが人間の曲か？どこまでがAIの曲か？という線引きを知らないというのは現代の音楽家にとって非常に危うい、何なら「詰みかねない」事態だと言えます。

AI検出ツールと検証の設計

そうなると当然こんな疑問が生まれます。

補助的にAIを使い、そこに自分の演奏を重ねた楽曲は「人間の作品」なのか？
逆に、全部自分で演奏したのに誤ってAI判定されないか？

1トラックだけSunoを使っても「AI曲判定」なのか？それとも1トラックだけ人間が演奏すれば「人間曲判定」なのか？などなど、線引きが曖昧であげればキリがありません。

この答えが出ないまま制作を続けると、全パート人力なのに誤ってAI判定を受け、収益化の対象外にされてしまったり、あるいはAIを部分的に使っただけで楽曲全体がAI認定されてしまう、というリスクを抱えたまま活動することになります。
これは決して大げさではなく、今まさに世界各地で起き始めている現実です。

あばん

いやいや、怖過ぎるでしょ…。

もーだん

確かにそこの線引きは知りたいよね。

そして、調べてみるとその動きに呼応するかのように「AI音楽検出ツール」なるものがたくさん発表＆リリースされています。

その中で今回の検証は、ACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵した「AI Music Detector Comparison」という検出ツールを使用しました。

検証は、生成AI(Suno)で作った曲をステム分離して、1パートずつ私の生演奏、もしくは打ち込みトラックに変化させていき、本ツールでの検出結果をまとめていきます。

さらに、全パート人間演奏の状態からあえて1トラックだけをAI生成に戻すというテストも行いました。
「1トラックだけAIが紛れ込んでいても見抜けるのか」を確認するためです。

またMP3とWavの両方で検証しましたが、ほぼ検証結果に変化はありませんでした。なのでWavの結果を元に話を進めていきます。
書き出しを工夫することでAI検出を逃れられるとは考えない方が良いということでもあります。

予め断っておくと、このツールはAIか人間かを100％断定するものでは無く「AIらしさをどのぐらい検出したか？」という参考指標を表すツールだと考えてください。

検証用データと結果グラフ

今回使った音源データと、表示された結果、そしてそれらをまとめた表グラフを出しておきます。

「どんなクオリティなのか？」
「どんな表示のされ方なのか？」
「結果はどんな感じなのか？」

これらをざっくりと掴んで貰えると次からの検証結果の考察がわかりやすいかと思います。

音源データ

#3.1　VoDrのみ俺

#3.2 DrBaのみ俺

画面のスクショ

結果まとめ

結果①：ACRCloudは「パート」をみる

前述したように、「AI Music Detector Comparison」はACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵しています。
それぞれの解析エンジンによっての検出結果の差が非常に面白かったので、一つずつ見ていきます。

まず、ACRCloudの場合、単体の検証結果を抜き出すと下記のようになります。

ここで面白いのは、ボーカルやギターを入れ替えると人間判定が出るのに、他のパートではAI判定のままだと言うことです。

ますここから言えることは、
・ボーカルやギターというAIや打ち込みで再現が難しいものは生演奏ということもあり「人間」判定が出やすい。
・ドラムとキーボードは音源での打ち込みだったので人間っぽさが足りなかった可能性。
・コーラスは生録音だが音量的に小さく判定を覆らせるほどでは無かった

しかし、興味深いのは、#7や#8の1パートだけAIを使った時にACRCloudはそれを「人間判定」にしています。
僕の仮説では、#7がAI判定になってくれると、「ボーカルやギターなどのメインやリードは検出に反映されやすい」と主張しやすかったのですが…。

結果②：SHLabsは「量」でみる

逆にもうひとつの解析エンジンである「SHLabs」の場合、#2(Vo)と#3(Dr)では両方とも90％近くの「AI判定」でしたが#3.1(Vo＆Dr)で両方替えると一気に38％の「人間判定」へと覆ります。

概ね3つ以上、人力制作のトラックが入ってくるとSHLabsは人間判定になりやすい傾向があるようです。
勿論そのパートの役割や音量などの条件によって変わってきますが、8トラック中の3トラックということは大体曲全体の38％ぐらいを人間が作る必要があります。

#3.1(Vo&Dr) #3.2(Dr&Ba) #3.5(Acg&Elg)の3つは2トラックずつ入れ替えたのに評価に差が出たのはやはり「ボーカル」における比重が大きいからなのかも知れません。

しかし、ここでも主張したい内容と逆の結果が1つ出ています。
それが、#7や#8の1パートだけAIを使った時です。

曲全体における量を検出しているのなら、#7は人間判定であるべきなのに「AI判定」を叩きつけています。
ここは今後の研究材料にいたします…。

あばん

なかなか上手くいかないもんだね…。

もーだん

大学時代を思い出すよね…。

結果③：全部人間VS全部AI

この検証は「どこまで人力パートにすればAI検出を抜けられるか？」という大きな問いがありました。
その中で試行錯誤しながら多くのパターンを試してみて示唆に富んだ結果を得ることは出来たのですが、根本的な所がどうしても気になってしまっています。

それが#1(全部AI) と#6(全部人間)の2つです。

どちらも判定自体は間違っていないのですが、あまりにも判定に「遊び」があるのが非常に気になります。
ここの謎が解けないと「全部人力なのにAI判定になっちゃった」に陥る可能性があるからです。

考えられる理由としては、

・そもそも100％の信頼を謳ったものではない

ACRCloudは25％ぐらい、SHLabsも10％程度の余白を残すようにしています。
当然、断定するというのは危険だからという理由が真っ先に思い付きます。

・マスター段のプラグインのせい

各パートを入れ替えて音量を整えて書き出したのですが、その際にラウドネスがある程度一緒になるようにリミッターを使いました。
また、バスコンプも1つ使っています。

もしかしたらそのようなプラグインの挙動が完全AI曲(#1)からパーセンテージを引き下げさせたのかも知れません。

となると、「MIXし直せばAI曲も検出を抜けられる…？」という疑問が湧いてきます。
これは今後の研究課題とさせてください。

・そもそもAI曲だから

それでは完全人間曲(#6)の数値が20％と10％で検出されてしまった理由付けをするのであれば、「メロディやコード進行の構成要素がAIっぽい」というのがあるかも知れません。

個人的には、「それは無理でしょ、いちゃもんでしょ」と思いますが可能性としては捨てきれません。
なのでここも今後の研究課題となってしまいました。

音楽家はどう備えるべきか

今回の検証から見えたことを整理すると、

・どのパートを人間が演奏するかが大事。特にボーカルの比重は大きい。
・楽曲の4割ぐらいを人力パートにすると人間判定が高くなる。
・検出ツールによって見ている箇所が違うので1つのツールを過信しない。
・MIXやマスタリングの工程でもAI検出度は変わる。
・生演奏＞音源打ち込み＞AI生成、ぐらい生演奏は強い。

という感じだと思います。

また、AI検出技術は未だ発展途上だということも分かりました。
現状では「抜け道」的なものがありますがこれからより精度を高めてアーティストや音楽家の利益をより高精度に守ってくれると思います。

何より、人間の力ってすげー！と感じました。
それは、音楽を演奏する「生演奏の力」もそうだし、その培った技術やスキルを絶対守り抜くという「検出ツールの発現と発展」についてです。

勿論、その上を行くように「音楽生成AI」もさらに進化をしていくとは思います。
しかしそれをどのように使うかは相変わらず人間の手に委ねられていると安心しました。

とは言え、現状のツールの挙動を深く理解することは大事だと思いましたし、今後調べていかなければならない部分もたくさん浮き彫りになりました。
なので、次回は他の検出ツールを使っての比較検証をしていきたいと思います。

ぜひ楽しみにして頂けると嬉しいです。

「動画」

この記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

情報更新回だー！

もーだん

色んな音源を紹介するよ！

気付けば、Pianobookを取り上げるのも1年以上ぶりになりました。

この1年で音楽制作環境は大きく変化し、AIを使った音源や自動生成が本当に増えました。
それらは「速く」「整っていて」「破綻のない」サウンドを目指し、急成長を遂げていることは皆さんも実感していると思います。

そんな時代だからこそ今回改めて紹介したいのがこの「Pianobook」というサイトです。

Pianobookとは？

Pianobookは世界中のクリエイターが自作した音源を投稿＆共有しているサイトです。

「Spitfire Audio」の共同創設者が立ち上げたプロジェクトサイトであり、「プロが使うし、作ってる」音源が数多く寄せられています。

以前は名前の通りピアノの音源が中心でしたが現在ではストリングス、木管、合唱、ギターなど多くのジャンルのサンプルが揃っておりその数は1700以上に上ります。
そして、その多くが無料となっている点も特筆すべき点です。

何よりPianobookの音源は「整いすぎていない」のが魅力の1つです。

市販の有料音源は確かに音程もバランスも安定しています。
しかし、ここの音源は人の手触りや温もり、ピッチのばらつきや、部屋なりなど「不完全」な部分が強烈な個性となりその人の「作品性」となって現れています。

あばん

綺麗すぎる音源って…

もーだん

ハマらない場面があるんだよね…

今回の厳選15＋1個について

今回紹介する15個は、単に珍しいものではなく、次の基準で選んでいます。

・曲作りに使いやすい品質の高さ
・無料で面白い質感の個性の強さ
・各ジャンルから出来るだけ多く選別

「＋1」に入れる音源は、特に私が強く推してるものです。
15個はバランス重視ですが、「＋1」だけでもぜひチェックして取り入れてみて下さい。

音源紹介

1.The Spellsinger

The Spellsinger – Pianobook

築173年の教会で録られたクワイア音源です。

音域は3つのセクションに分かれています。
高音域：心に残るフレーズのワンショット
中音域：ピッチと強弱が揺れ動く、長く変化するループに優しい装飾音
低音域：わずかなベンドとピッチのちらつきを伴う、静かなループ状のドローン

音源自体もユニークなのですが、GUIも個性的です。

一見すると設定しづらいように見えますが、耳や感覚を頼りに設定を作り込んでいくとボイスサンプルの魅力と重なって不思議な感覚に陥ります。
曲の中でのスパイスとして役立ってくれそうだと思い、取り上げてみました。

2.SOLO BRASS UNTAMED – Demo

SOLO BRASS UNTAMED – Demo – Pianobook

次はWESTWOOD社のブラス音源です。
ダウンロードして使ってる時に気付いたのですがデモ版でした。
しかし有償版はすでに販売終了になっており無料版が遺物として残されている状態です。

アーティキュレーション

チューバ – Soft Air
トロンボーン – Improvisations A
トロンボーン – Tonguing
ユーフォニアム – Vibrato Slow
ユーフォニアム – Short
フリューゲルホルン – Improvisations C
トランペット – Short

オーケストラ用のブラスではありますが、温かみがあり良い味を出しています。

3.Cello Ensemble

Cello Ensemble – Pianobook

次はダイナミックなチェロ音源です。
演奏家の呼吸まで聴こえてきそうな生々しさが良いです。

3つのダイナミックレイヤーで構成されており、SEリボンマイクをWarm AudioのプリアンプとGolden Ageのコンプレッサーを通して録音しました。

さすがに高級有料音源と比べると打ち込み時の取り回しの難しさはありますが、音源が持つパワーで説き伏せられてしまいそうな説得力があります。

4.Found Strings

Found Strings – Pianobook

またストリングス音源です。
非常にシンプルでありながら高音質な音源です。

UIを見て分かる通りアンサンブルとして必要な音域を概ねカバーしてくれています。
アーティキュレーションは一つしか搭載して無いですが打ち込みによって表情を引き出すことも可能です。

5.Spring Chimes

Spring Chimes – Pianobook

14種類のピアノブックのベルとマレットのサンプルパックを重ね合わせた音源です。
可愛らしさもあり無料とは思えないクオリティです。

またパッチ(プリセット)も6種類準備されていて音の変化を楽しむことが出来ます。
下記の動画では、5番のRainFallというパッチを使用しました。

01 アンサンブル、02 ハーフセクションソフト: まろやかで柔らかい楽器のみ、03 ハーフセクションブライト: 最も鋭く明るい楽器のみ、04 ブルーミング: 楽器の半分がランダムに音と 1 オクターブ上の音を演奏、05 レインフォール: すべての楽器がランダムに音を演奏、より混雑、06 スプリングパッド: 前のパッチのサンプルを使用して作成された 6 つのパッド信号。

6.“Vignettes” (Folk)

“Vignettes” (Folk) – Pianobook

バリトンバンジョー、フィドル、アコースティックギター、そして3つのパッドで構成された音源です。
パッドも3つ搭載されているのでかなり遊ぶことが出来る音源です。

バリトンバンジョー、フィドルのピッキング、そしてワイドステレオのアコースティックギターをフィーチャーしました。さらに、3つのパッド、グラニュラーフィドルパッド、ペダルスチールとサイン波、そしてポンプオルガンも収録しました。

後述する「Hearth & Hollow」と合わせて今回の中ではかなり推しの音源です。

7.Hearth & Hollow – Plucked Folk Ensemble

Hearth & Hollow – Plucked Folk Ensemble – Pianobook

7種類の厳選されたアコースティックな民族楽器音源です。
かなりファンタジーな雰囲気で使い勝手が良く、インスピレーションの湧く素敵な音がします。

また、作者の公式サイトに飛ぶと、グルーヴ機能がアンロックされたものが有料で発売されています。
簡単なバッキングをコード追従で行なってくれるというやつです。
気になる方はぜひどうぞ。

8.Percussion Palette

Percussion Palette – Pianobook

膨大な数の打楽器をコレクションした音源です。

セネガルのジェンベにスネアドラムを取り付けたり、モロッコのウドゥをEventide H3000に通したり、フィルター付きのトーキングドラム、シェイカー、カリンバ（スネアドラムで演奏）、フレームドラム、バリのゴング、竹製のバラフォン、そしてありとあらゆるノイズメーカーを使いました。

シンプルでありながら使い勝手は良さそうです。
しかし、無料のパーカッション音源は混交玉石ながら数多くリリースされているので是非デモ音源を聴いてみて検討してみてください。

9.Viva Bass

Viva Bass – Pianobook

まろやかでありながら力強いトーンを持つフェンダーベース音源です。
有料音源に引けを取らない音質でありながら、個人製作の荒々しさや温もりを感じる「これぞPianobook！」と呼べる音源です。

10.1937 Dobro

1937 Dobro – Pianobook

スライドギターの音源です。
ベロシティによりスライドの方向が変わります。

個人的にこういう音源を持ってなかったのでこの際に入手しておきました。

11.November Piano

November Piano – Pianobook

非常にメランコリックなフェルトピアノ音源です。
Lo-Fi系の音楽に合う優しさと寂しさを併せ持つ独特の表情が持ち味です。

モジュレーションホイールを動かすと雲の大きさが変わります。
それと同時に、テープエコーや逆再生音の音量が変わります。

ピアノ – ピアノの音量
p – ペダルボリューム
rt- リリーストリガーボリューム
ノスタルジア – ランダムにヒットした音符がカセットテープ効果を通して再生される
メランコリー – ランダムに打たれた音符が逆再生される
クラウド – ノスタルジアとメランコリーの音量を同時に調整します。モジュレーションホイールに反応します。

12.Imperfect Viola

https://www.pianobook.co.uk/packs/imperfect-viola/

非常にリアルなビオラ音源です。

先ほど出てきたチェロ音源のように圧倒的なリアルさを持ちます。
名前は「Imperfect(不完全)」となっていますが、それ故に非常に人間味のある演奏を聴かせてくれます。

13.Americana Tapestries

Americana Tapestries – Pianobook

美しくもオーガニックな雰囲気を持つパッド音源です。
個人的にはパッド音源はあまり多用はしないのですが、これは映画音楽などで使えそうな荘厳な雰囲気を持っています。

Appalachian Mellotron: ランダム化スクリプトで複数のテープループをタイムストレッチ＆スローダウン。ラップスティール、フィドル、オートハープを使用したローファイなアンビエントテクスチャ。
Fiddle for Airports: Brian Enoへのオマージュ。複数のループがランダムなポイントで再生される、アンビエントなフィドルパッド。
Granular Dobro Swarm: ドブロの演奏をgranular処理し、ランダムなピッキングの粒子で構成されたサウンド。
Pedal Steel Refraction Pad: ペダルスティールを多様なエフェクトで加工し、ハーモニクスやピアノループ、ゴムバンド音もレイヤーしたパッド。

やや音量は小さいので作曲時やミックス時にはゲインをあげる工夫が必要になります。

14.Niue

Niue – Pianobook

ワイングラスの音を録音した音源です。
「異なる圧力でこする様々な方法を用いて、様々なサイズのワイングラスを振動させ、グラスの音の最適なポイントを見つけ出した」という、パッドのような音やチャイムのような澄んだヒット音を収録しています。

プリセットも多く収録されており、Pluckのような単音やPadのように優しく広がる音、STAR Padはやや激し目のPadなど38種類が用意されています。

15.Dream Vibes

Dream Vibes – Pianobook

多用途なビブラフォン音源です。
珍しくUIに凝っていてDelayやReverbや3種類のマイクのミキサーが搭載されています。

普通に売っていてもおかしくないクオリティです。

16.Claustrophobic Piano

Claustrophobic Piano – Pianobook

これが私の最推し「＋1」のピアノ音源です。
前回の記事でも紹介したのですがここでも改めて推していきます。

冒頭でも紹介したのですが、LABSのSoft Pianoを作った人の音源で「マイクをピアノの中に入れて背面に毛布を掛けて録音した」というものです。
マイク毎の音量をミキサーで調節出来るの点も高評価です。

音像の近さやリアルな質感、何処となく寂しさや孤独を感じる音は、これにしか出せない個性となっています。

Kontakt問題

普段私は、Kontaktを使っているので、今回紹介した15＋1の音源はKontakt上で動作するものばかりです。
さらに難しいのは、Kontaktと言っても、「有料版Kontakt」「無料版Kontakt Player」の2種類がありここでも動作確認が必要になってきます。

もしも、Kontaktを未所持の場合には「Decent Sampler」という無料サンプラーを検討して下さい。

Decent Sampler Plugin [FREE] - decent|SAMPLES

A FREE sampling plugin that allows you to play samples in the Decent Sampler format. Available in VST, VST3, AU, AAX, and Standalone for Mac, Windows, Linux, and iOS.

Pianobook上ではKontakt版と一緒に用意してくれている人が結構多くいます。
個人的には「早めにKontaktは買っといた方がいい」派ですが、一旦お試しと言うことであればこちらのパターンもおすすめです。

あったか〜い音楽

「揺らぎ」「ずれ」「ノイズ」などは録音や編集の段階で排除していく。
もちろん、一般的にはそちらの方が価値があり、何処でも無難に綺麗な音が出せると言うのはシンプルに強みです。

しかし、たまには実家のご飯が食べたくなる感じというか、その人の個性や温もりがダイレクトに伝わるものを味わいたくなる時が、私にはあります。

そう考えると「綺麗」で「リアル」な音源というのは相反しあってる気がしてきました。

あばん

なんだか哲学的だね…。

もーだん

それほど息遣いを近くに感じたんだね。

ぜひぜひPianobookを覗いてみて下さい。
非常に楽しく、こんな世界もあるんだと視野が広くなる感じになります。

あばん

TUNEEのアップデートが凄まじいね！

もーだん

出来ることがほんとに増えたよね！

前回の記事や動画が大好評で本当に多く見て頂いています。
この場を借りてお礼申し上げます。

そこから約半年経ってTuneeは怒涛のアップデートを重ね、ついに9モデル体制＋Tunee 2.0へと進化しました。

それはもはや「音楽生成ツール」という言葉では収まらない大きなプラットフォームになりつつあります。変化があまりにも多いため、今回は音楽制作編、次回はMV制作編の2本に分けてお届けします。

主要アップデート時系列

前回の2025年11月から現在の2026年4月までで、Tuneeはステム分離→モデルエコシステム→Tunee 2.0→3つの新モデル追加と、半年で革命的な進化を遂げました。

主要アップデート内容

2025年12月、TUNEEは「エコシステム拡張」を宣言しました。
これまでの音楽AIが「プロンプトを投げたらあとは運任せ」だったのに対し、現在のTUNEEは「複数の専門AIが連携して1つの曲を構築する」という、いわばハイブリッド生成へと移行しています。

これは後述しますが、内部で複数のAIが複合的に動作をしている可能性があり、個性的でバラエティに富んだ楽曲の生成に一役買っていると考えられます。

他にも3つの特筆すべき進化内容は下記の通りです。
・出力速度の劇的向上: 生成速度は約1.7倍に高速化。ストレスを感じさせないテンポで試行錯誤が可能です。
・サウンド量子化精度の向上: デジタル臭さが軽減され、特に高域の空気感や低域のタイトさが改善されました。
・5つの主力モデル体制: Mureka V9、Lyria 3 Proを筆頭に、用途別のモデルが明確化。

あばん

めちゃくちゃ進化してるんだね…

もーだん

AIの成長速度には目を見張るものがあるよ。

モデル別の特徴比較──5種を正直に語る

今回の記事のもっとも重要な部分である、5種類のモデル比較です。

TUNEEの面白い所はモデルごとに作曲の「癖」や「思考」が全く違うことです。
それによって、個性的な楽曲が生まれたり自分に無いアイデアを発見したりできます。
実際は生成ガチャによっての比較検討なので一概にそうとは言い切れない部分もありますが、私なりの生成を繰り返して見えてきた、各モデルの特徴についてお届けします。

Mureka V9：完成度が高く「グッとくる」

もっとも印象が強いのは、Mureka V9です。

現在は有料メンバー限定のモデルではありますが、個人的に「曲として気持ちよく聴ける」、前回の言い方を借りると「グッとくる」モデルです。

・アレンジが自然で説得力がある
・退屈さが出てこない
・ボーカルの譜割りに不自然さが少ない

曲としての完成度が軒並み高く非常に推せるモデルです。

ボーカルの表現もかなり魅力的ではあります。
AI感もかなり薄れていますが、日本語ボーカルについては、まだ違和感が出ることがあります。
発音が自然とは言い切れない瞬間や、言葉のつながりが少し引っかかる場面は残ります。
なので、ここは「完成した歌」として見るというより、楽曲イメージを立ち上げるための素材として見る方が相性がよさそうです。

あばん

さすがフラッグシップモデル！

もーだん

これに頼めばまぁ安心って感じだね！

Lyria 3 Pro：構造力とボーカルのリアリティ

次に印象が強いのがLyria 3 Proです。

4/10に追加された最新モデルで、公式の説明では、intro、verse、chorus、bridge、outroのように、セクション単位で構築できることが明示されています。

公式としては、楽曲の設計士として、「最初は良いのに途中が微妙」や「曲としての骨組みが弱い」などの生成AIならではの弱点をここで補えるモデルという立ち位置なのでしょう。

しかし個人的に大注目なのは、ボーカルの表現力とリアリティです。
声質という点においては今回の5種類の中で圧巻です。

感情の乗り方、声のニュアンス、フレーズの揺れ方、どれをとっても現時点のTUNEEで最も人間らしい歌声を出してくれます。

・楽曲の完成度
・ボーカルのリアリティ
・骨組みの構成力

これらを意識した時にめちゃくちゃ使えるモデルで、前述のMureka V9と双璧をなす圧倒的な存在感を感じました。

あばん

これめちゃくちゃ良いんだよね。

もーだん

さすがGoogle製って感じだね。

Minimax 2.6：制御性重視、表現の幅はやや狭い

MiniMax 2.6の最大の特徴は、KeyとBPMをカスタム設定できる点であると公式の発表があります。

ただ、そこに関しては他のAIモデルでもやってやれないことは無いと思うので特段大きな差別化ポイントになっているようには感じないというのが正直なところです。

・AI生成曲と分かりやすいクオリティ
・ボーカルがかなり大きくミックスされる　
・楽曲構成が毎度似てくる

「日本語ボーカルの発音のクセ」や「イントロにスキャット入りがち」など、良く言えば扱いやすい、悪く言えば少し想定内に収まりやすい、というモデルです。

ある程度条件を決めて生成するのが得意で、プロンプトに追従する能力は結構高めです。
空間系の響きを出さずにドライな曲を作ってと依頼した時にもちゃんと追従してくれたのはこのMinimax 2.6のみでした。

ACE-Step 1.5：エレクトロ/EDMに寄る傾向

ACE-Stepはオープンソース系のモデルで、最大10分という圧倒的な長尺生成が特徴です。

しかし実際に使ってみると、プロンプトにかかわらずエレクトロやEDMに寄っていく傾向が強く、使い所をかなり選びます。

表現力については、極端に悪いわけではないものの、突出している感じはそこまで強くなく凡庸と言った印象です。

・長尺のBGM生成
・エレクトロ/EDM系の楽曲

この辺りの使用感であれば立ち位置を生かせるモデルですが、繊細な歌もの、自然なボーカル、幅広いニュアンスやジャンルという方向ではあまり力を発揮できず使う人を選ぶ気がしました。

あばん

まぁ悪くは無いんだけどね…

もーだん

AI感もそれなりに出ちゃってるのがね…

TemPolor v4.5+：中の上だが、良コスパ

TemPolorは、完成度で見れば突出しているという感じではないものの、コスパが圧倒的に良いという評価です。

人による部分ですが重要な視点で、「不安定な最高峰の一発」か「安定感のある量産」かのどちらを取るかによってこのモデルの評価は変わって来そうな気がします。

もちろん、十分に使える、十分に整理されている楽曲ではあるので「激レアSSS」楽曲が生まれる可能性もあります。

・クオリティよりもまずは量
・クレジット消費を抑えたい
・プロンプトの検証

このあたりに重きを置く人は非常に頼りになるモデルになります。

モデル比較まとめ表

ただし、日本語ボーカルの発音においてはどれも完全ではありません。
どのモデルでも不自然な日本語があり、上記は「表現力」「自然さ」という面で評価をしています。

別途、歌詞をひらがなにしたり、生成を繰り返すなどの修正がかなりの頻度で必要になります。

内部動作の謎について

ここで大事なのは「モデルごとの差をどう受け止めるか」ということです。
それぞれの得意分野や優れている点を自分の制作意図と照らしながら使い分けをしてくのが非常に大事です。

Mureka V9は、完成度と聴きやすさが強い。
Lyria 3 Proは、構造とボーカル表現が強い。
Minimax 2.6は、制御がしやすい。
ACE-Stepは、特定ジャンルに寄せやすい。
TemPolorは、コストを抑えながら回せる。

この見方をすると、Tuneeは「一つのAI」ではなく、複数の作曲思想を持つ制作環境として見る方が実態に即しているのではとも考えられます。
実際、出力の雰囲気やクオリティにばらつきがあったり、「Murekaを選んでいるのに、時々Lyriaっぽい動きをする」というような感覚に陥ることがあります。

これは単に不安定というより、内部で複数の処理が絡んでいる、あるいはフォールバック機構のようなものが働いている可能性も含めて、ブラックボックス性の高いシステムとして受け止めるのが現時点では良いと思います。

あばん

モデルの変更が上手く行ってるのか…

もーだん

不安になったりするんだよね…

プロはどう使うべきか

ステム分離について

TUNEEは生成した楽曲を6つのステム（Vocal, Drums, Bass, Piano, Guitar, Other）に分離できます。

これはSUNOと比べるとかなり少なく、必要最小限と言ったところです。

実際に各パートを聴いてみるとステム分離の精度はさほど高くありません。
MIDI変換もかなりしづらそうなのが分かります。
これから進化する可能性も大いにありますが、TUNEEの強みは楽曲全体の完成度やそのバラエティの多さにあると再度感じます。

作編曲の「学習」

前述したような「バラエティの多さ」に付随して様々なアレンジの可能性を引き出してくれるのがTUNEEの強みで、音楽家の良き相棒となりえる一面です。

上記の曲は生成した時にBメロで転調をしてくれました。
「転調はサビでするもの」という固定観念を吹き飛ばすものでしたし、サビ終わりから２Aに向けての戻し方もおお！！っと思えるものでした。

このような「作曲・編曲の発想」という点で非常に学びになる部分は多いです。

あばん

そうなると競合とのSUNOとの違いは…？

もーだん

その辺を次項で見てみよう！

SUNOとの違い─正直な比較

TUNEEとSUNOは、同じ「AI音楽生成」でもアプローチがまったく異なります。
両方を使い込んだ上で、正直に整理します。

楽曲の完成度

まず大事な要素として、楽曲の完成度が挙げられます。

純粋な楽曲クオリティという点ではほぼ互角という評価です。ただしモデルによって差があり、TUNEEのMureka V9やLyria 3 ProはSUNOのトップクオリティと十分に渡り合えます。

しかし、他のモデルだとSUNOの方が一歩上を言っていると言っても仕方ない部分はあるでしょう。

クリエイティブの引き出され方

SUNOは「こちらが要求したことに応えてくれる」ツールだと感じています。
その分、プロンプトを熟考したりある程度の音楽知識が要求されたりします。
なので、自分の想像の範囲内にあるものを高精度で出してくれるという印象です。

一方でTuneeは、こちらが曖昧なイメージを投げても、会話型AIを基に複数の方向に展開してくれる感じがあり、自分が思いついていなかったアイデアや方向性に引っ張っていってくれる「頼もしさ」があります。

ここがTUNEEの強みで、「会話から予期しない展開」と「複数モデルでの個性」が上手くかみ合って生成自体にワクワクがあり「グッとくる」要素になりえています。

個人的には共存が正解

結論として言えば「どちらかを選ぶ」よりも「両方使う」が正解だと感じています。
MV生成などのワークフローはまた別で語るとして、音楽制作という面で言えば、この2つはライバルであると同時に良き共闘関係であると言えます。

個人的に最強のワークフローは、
→Tuneeで発想と制作の間口を広げる。
→出来上がった曲をSUNOに読ませる。
→アレンジを磨いて最大12トラックのステム分離。
→DAWに落としてMIDI変換して自分なりにアレンジ。

このTUNEE→SUNO→人間のリレーが一番精度が高くワクワクできる曲作りの流れだと感じています。

もちろんこれはDTMでのリアレンジが前提なので万人に向くとは思いませんが、プロアマ問わず作曲家にとっては非常に有効なワークフローになり得ます。

別の動画で説明したFender Studio ProのMIDI変換も活用できるので是非試してみてください。

どんな人におすすめか？

どんな人におすすめかと言われると、「まじで全員」です。

しかし、これでは解像度が粗すぎるのでもう少しかみ砕くと、

何か新しい作曲の入口が欲しい人
DTMの補助として使いたい人
AI生成の検証が好きな人
アレンジの発想を広げたい人
Sunoとは別の軸も見ておきたい人

などかなり広い層に向いていると言えます。

これに加えて、

初心者→会話型でプロンプト不要
プロ音楽家→アレンジ学習＋作業効率化
YouTuber→MV一貫制作
など、さらに多くの人にとって扱いやすいと考えられます。

あばん

ほんとに巨大なプラットフォームだね！

もーだん

使用用途が広いってのが良いよね…！

「音楽制作の民主化」

ずっとTUNEEが掲げているビジョンに「音楽制作の民主化」があります。
それは音楽だけでなくMVにも派生して多くの人が自分の表現を簡単に追求できる世界でもあります。

僕たち音楽家にとってそれは喜ばしいことなのかは分かりませんが、全世界のわくわくの総量が増えていると考えればあながち悪い世界ではないようにも思います。

音楽生成AIの現在地を知る、という意味でも、実際に作ってみて、モデルを聴き比べて、再現性や実運用のしやすさを確認する価値はかなりあります。
当然各モデルは進化を続けていくのでこれからもかなり楽しめそうな気がしています。

今回紹介したTuneeは、その検証に向いた題材として、かなり面白い段階に入っていると感じました。

ぜひ気になったら使ってみてください。

MV制作編の記事も楽しみにしていただけると幸いです。

TUNEE体験はこちら

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

色んなプラグインが出てるけど…

もーだん

内部で何が起きてるんだろうね…？

最近、「Open Compressor」という素晴らしいプラグインを入手し使い込んでいます。
アタック、リリース、トランジェント、倍音……コンプレッサーの挙動を可視化してコントロールできるツールです。

そして、大きなウリとしてSSLやAPIや1176などの名機の挙動を再現できるのですが、UADやWavesが出しているアナログモデリングプラグインがこれで不要になるかというとそういうことでもないなと気付きました。

では、世のエンジニアの皆さんが言う「アナログっぽさ」や「独特の風味」と言うのは一体何を指しているのかと思いめちゃくちゃ調べて勉強してきました。

先に結論を言ってしまうと、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

別の記事で「コンプとフェーダーの違い」を解説しましたが、それの別章だと考えてもらえれば幸いです。

ここで語られる内容はプロエンジニアの方にとっては常識的なものかも知れません。

そしてブログ自体文量が多く、至らない点や不備もあるかも知れませんが必ず皆さんにとって新しい知識や視点が得られる記事になります。

・魔法の物理的構成要素
・各メーカーの戦術の違い
・それぞれの優位性
上記3点を解説していきます。

アナログ実機の動作原理が分かっていればプラグイン選びの基準になるし、購入の際、注目すべきポイントも明瞭になるのでぜひご覧ください。

魔法の物理的構成要素

Open Compressorのようなデジタルコンプは指定した数値やパラメーター通りの挙動を起こしますが、アナログ実機の場合は常に「物理法則」とせめぎ合っています。

アナログの特徴として「非線形」「時間変化」「状態依存性」の3つに集約できます。
これらはそっくりそのままデジタルで再現が難しい理由になります。

つまりざっくり言うと、特性そのものと言うより「特性が揺らぎながら変化する」事がデジタルは苦手であり、アナログ実機の持つ不完全ゆえのエラーであると言えます。

1.変圧器のヒステリシスと位相変化

多くの名機(1176、LA-2A、APIなど)は、入出力に音声信号を変圧する「トランス（変圧器）」を通します。このトランスによって音が変わると言う話は皆さんも聞いた事があるかも知れません。

ヒステリシスと言うのは、現在の入力だけでなく、過去の履歴（変化の過程）に依存して変化する現象のことです。

音楽的にどのような効果があるかというと、低レベル信号(リバーブの余韻やブレス)に対して独特の倍音を付加し、聴感上の「密度」を向上させます。
→「小さな音が前に出てくる」「質感がザラッとして存在感が増す」

また、トランスを通った際に低域の遅延が発生し位相が変化します。
これにより、キックやベースのアタック成分が時間軸上でわずかに滲みます。

結果として鋭かったピークが「丸みを帯びたパンチ」に変わります。これがアナログに通したことで「耳に痛くないのに迫力がある」という音の正体です。

2.光と時間の記憶

LA-2Aはオプトタイプのコンプレッサーである、と言うのは聞いた事あるでしょうか。

そのオプトタイプの心臓部であるセル（発光＋受光）は、強い光を受け続けた（＝強いリダクションがかかり続けた）場合、暗くなるまでの時間にラグがあります。
それは、どのぐらいの強さの光をどのぐらい浴びていたのかによる物理的な「熱」や「残像」を記憶することでリリースや次の圧縮の挙動が変わると言う事です。

これが「歌い出しは速く反応するのに、サビの終わりではゆったりリリースされる」という、デジタルでは再現が難しい音楽的な挙動を自動で生み出します。

あばん

スポットライトとか浴び続けると…

もーだん

ずっと熱いし目の奥に残像が残るもんね。

3.電源電圧の変動（サグ）

今回勉強した中で一番面白いのがここでした。
サグは、瞬間的に電圧が通常よりも低下する現象のことです。

これが音楽的に何をもたらすかというと、キックのような低周波かつ大エネルギーの信号が入力されると電圧が瞬間的に下がります。

そうすると、同時に鳴っている高域成分（ハイハットなど）を巻き込みながらコンプレッションとは異なるメカニズムで「キックが鳴った瞬間に全体が少し吸い込まれる」という独特のグルーヴを生み出します。

これがあの「接着感（Glue）」の正体の一つです。
バストラックで使われるコンプレッサーにはこのような特徴が備わっています。
つまり、電圧というアナログ的で有機的で不可避な欠陥のおかげで魔法のようなグルー感が生まれているのです。

この3つの要素は「時間」や「熱」「電気」などの物理的で有機的な事象と複雑に絡み合いながらアナログの魔法を構成しています。

メーカーの戦い方の違い

それでは、前述したようなアナログの挙動を各メーカーはどのように再現しているのか？
それを紐解いていくと、メーカーごとの「タイプ」や「得意技」の違いが見えてきます。

あばん

この章もめちゃくちゃ面白いんだよね！

もーだん

こんなに違いあるの？！ってなるよ！

1.回路図の絶対信者（代表：UAD）

「音」を似せるのではなく、「電気」や「回路」をシミュレートする「物理モデリング」というやり方です。
回路図に基づき、各電子部品（抵抗・コンデンサ・トランジスタ・真空管・材質など）の物理法則を計算しまくってくれます。

私には詳しいことは分かりませんが、パッと考えるだけでも吐き気を催す計算量が必要になる事がわかるでしょう。
各パーツ × 素材（短いトランジェント、長い持続信号、複雑な和音）× 周波数 × …など音楽に必要な要素が多すぎるそれらの相互作用までシミュレートしなければなりません。
そして、前述したような「熱」「時間」なども計算すると想像すると、もはや感謝しか出てきません。

あばん

お金払わせてくださいってなるよね…

もーだん

セールとかしてくれてほんと感謝だよね…

2.狂気のサンプリング（代表：Acustica Audio）

上記のような膨大な計算をすっ飛ばして、入力と出力の関係性を大量にサンプリングする手法を取っているのがAcustica Audioです。

「Aという音を入力したらBになった。じゃあCもやってみよう。」を大量に行い「反応そのもの」のデータをサンプリングしています。

特徴としては、回路図から計算するのではなく、実機そのものの出力を録音してデータ化するため、モデリングでは再現しきれない「空気感」「個体の癖」「経年劣化の味」などの質感を完コピできます。
ただ、膨大なデータを扱うためマシン負荷はかなり高くなりやすいです。

音源で言うとMODO BASSとTrilianの違いのようなものでしょう。

MODO BASSの場合は、物理的に再現(シミュレート)するため、容量が小さく「っぽい音」が表現できるという高い利便性があります。

逆にサンプルベースのTrilianはライブラリ容量がかなり大きくCPU負荷も大きめですが圧倒的な「質感」「リアル感」が特徴です。

これはそのまま上記2社の違いや優位性に当てはまります。

3.個体差を科学する（代表：Plugin Alliance Brainworx)

全く同じものがこの世に無いように、アナログパーツには必ず「誤差」があります。
同じギターでも、製造ロットや個体差によって必ず音が違います。

この部分をBrainworxは各パーツをランダムに変動させたモデルをシミュレーションして72種類（チャンネル）作り出しました。
これにより、各パートやチャンネルごとに微妙な差異が生まれデジタルにはない「ワイド感」「深み」「滲み」「立体感」を生み出します。

あばん

実際のコンソールの再現という意味では…

もーだん

ここが一番理にかなってるかもね。

３パターンどれもデジタルには無いアナログの不完全さを再現・構築しています。

それぞれの優位性

ここがブログの核心部分になるでしょう。
実機を保有している人は少なくプラグインで代替している人がほどんどでしょう。
ここでは「どちらが優れているか」ではなく、「物理法則の壁」と「計算機の可能性」の対比として話を進めていきます。

アナログが出来ること

無限の解像度

デジタルオーディオには「サンプリングレート」と「ビット深度」という「階段」が存在します。サンプリングレートの44.1kHzは1秒を44,100分割した状態のことです。

デジタルの場合、必ず量子化されるのでこの「階段」と言う「段差」が存在します。
非常に鋭いアタック（マイクロ秒単位のピーク）がサンプリングの「隙間」に入った場合、デジタルではそのピークの正確な形状やエネルギーを完全に捉えきれません。

しかしアナログの場合1秒を無限に分解できるため、物理上情報の欠落は存在しないと言うことになります。

インピーダンスの相互作用

実機では、プリアンプとコンプレッサーをケーブルで繋いだ瞬間、電気回路がつながり、相互に影響を及ぼし合います。

DAW上のプラグインスロットは一方向にデータ処理を行なっているだけですので、アナログチェーン接続による「一体感」や「予期せぬトーン変化」は、相互干渉がもたらした実機特有のものだと言えます。

予測不能の状態変化

前述してきたことそのものなのですが、各パーツの材質・温度・電圧・劣化具合など多種多様な要素が混ざり合い特性を変化させたりノイズを加えたりします。

その特性変化やノイズが音楽的に心地良いと評価されているのは皆さんの知るところではありますが、この特性を完全に再現するためには、
・無限に近い状態変数
・長時間の履歴保持
・膨大な計算量
が必要になり実質不可能となっています。

デジタルが出来ること

完全な再現性とリコール

前述の項をひっくり返すとデジタルプラグインの優位性が1つ立ち上がります。

厳密に言えば2度と同じ音が出せない実機に対し、いつでも同じ音を出せると言うのがプラグインの最強の優位性です。

・温度が変わらない
・経年劣化がない
・電源電圧が揺れない
・個体差が存在しない

これらを敢えて再現する手法もありますが、「完全に同じ音を再現出来る」と言うのは、言うまでもなくデジタルだからこそ出来ることでしょう。

あばん

プラグインが劣化して修理が必要…

もーだん

そうなったらもう怖くて使えないよ…

未来を見る先読み（Look-ahead）機能

物理世界では「未来の出来事を見てから現在の行動を決める」ことは不可能です。
しかしデジタルでは、バッファを用いることで「数ミリ秒後の信号」を先読みできます。

それがコンプレッサーやリミッターに搭載されている「Look-ahead」と言う機能です。

これにより、「ピークが来る5ミリ秒前」にゲインを下げ始めることができるため、「歪みを一切発生させずに完全にピークを止める」という物理的に不可能な挙動（Brickwall Limiter）が可能になります。

位相線形性の制御

「リニアフェイズEQ」と言う言葉を聞いたことはあるでしょうか？
それについての話です。

アナログEQやフィルタは、周波数を変化させると必ず「位相ズレ」が発生します。
勿論プラグインでも変化はするのですが、「リニアフェイズEQ」を使えば、位相を全く変化させずに周波数特性だけを変える事ができます。

難しいことは分からないのですが、入力信号の全帯域を「同じだけ遅らせる」ことで、相対的な位相関係を崩さないEQとのこと。
つまりこれもデジタル的に時間を操っているので実機には不可能な挙動となります。

まとめ：魔法の正体

Open Compressorを手にしてしまったばっかりにこんなブログを書いてしまいました。

そもそもの発端を思い出すと、各パーツや構成要素や歪みを再現する事が出来る「Open Compressor」があればもうアナログプラグインはお払い箱になるのか？と言う疑問でした。

もし、そうであるならば各メーカーがこんなに鎬を削って新製品の開発をするはずが無いと思い、今回の「アナログの魔法」に関するリサーチ＆執筆を始めました。

あばん

なんだか長い旅路だったね…

もーだん

リサーチ含めて4日ぐらいかかってるよ…

冒頭述べたように結論、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

電圧・電流回路・経過時間・熱・劣化・ノイズ・個体差…などの現実世界ではどうしようもない「物理法則」によって、望む望まないに関わらず、あらぬ挙動を生み出しました。

本来それは忌避すべき「欠陥」でしたが、それがなんだか音楽的であると気付き、先人たちが使用と調整を続けてきた結果、今日の歴史的な「名機」が作られ今の音楽文化を彩っています。
「判断が早い」「どう使っても破綻しにくい」と言うのは先人たちが音楽的なチューニングを積み上げてきた「技術的文化」の上に成り立っています。

そして今日では、様々なメーカーがあの手この手でその「不確定性」や「相互干渉」というデジタルが苦手な部分をいかに矛盾なく実装するかの技術を競い合っています。

ここまで連綿と繋がってきたアナログとデジタルの歴史を振り返ると、私が知ったのは例え氷山の一角だったとしても畏怖と敬意を覚えざるを得ません。

クラークの第3法則そのもの

Open Compressorはデジタル系のコンプレッサーとして認識しています。
それはクリーンであり、正確なコンプレッションという現象の純粋な形そのものです。

一方で、実機もしくはアナログエミュのプラグインは、挙動やノイズなどを含めた「音楽的文化」を提供してくれています。
そして同時に即物的に「使えばなんかいい感じになる」を提供してくれます。

SF作家 アーサー・C・クラークの有名な「三法則」の第3法則として有名な下記の言葉があります。

「十分に高度な科学技術は、魔法と見分けがつかない」

このブログの結末にするにはやや鋭すぎる気もしますが、まさに言い得て妙だと思います。

しかし私なりに言い換えるなら下記になります。

音楽において魔法とは「理解不能なもの」ではなく、
理解した上であえて選ぶ「非合理」である。

知っていても知らなくても選んだ先にある音が目的なのですから、選ぶ事自体が目的化してしまわないように留意して音楽制作に役立てていこうと感じました。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

何となくは分かるけど…

もーだん

具体的に何が違うんだっけ？

前回別の記事で取り上げたOpen Compressor。
コンプレッサーの挙動が分かりやすく可視化されていて私自身勉強になりました。

外部リンク(Plugin boutique)

そして同時に根本的な疑問がわきました。

「コンプレッサーって結局、音量を下げているだけでは？」
「完璧にボリュームオートメーションを書けば、同じ音になるのでは？」

恥ずかしながら何となくで理解していたつもりになっていましたが、改めて考えてみると言葉に詰まるような問いでした。

今回めちゃくちゃ勉強したのでコンプレッサーとオートメーションの違いを私なりに噛み砕いて分かりやすく解説していきます。

蓋を開けてみれば「なんだそんなことか」となるかも知れませんが非常に奥が深く興味深く、皆さんの制作に活かせる内容となっていますのでぜひご覧ください。

内容としては以下の3つです。
・まず、結論。
・両者の違い
・それぞれの優位性

まず、結論。

前提として「アナログ的な歪み」や「現実的に不可能」というのは一旦置いておきます。

結論から話すと、「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を描くことが出来れば、理論上は全く同じ波形を再現する事は可能です。

あばん

え、可能なんだ…

もーだん

意外だよね、出来るんだね…。

そもそもコンプレッサーは「入力信号」と「設定（Threshold, Ratio, Attack, Release）」
から理想的なゲイン量を算出しているだけで、数学的にはただの「時間変化するボリューム」です。

そして「完璧なボリュームオートメーション」がそのゲイン量を1サンプル単位で完全再現できるなら、2つの出力は数学的にも聴感上も完全一致します。
これは、デジタル信号処理として絶対の事実です。

それでは何故コンプレッサーがここまで重宝されているのでしょうか？
ボリュームオートメーションではカバーできない部分とは何なのでしょうか？

両者の何が違うのか？

音そのものを変化させている

これが最大の大きな違いなのですが、まずそもそもの「動作原理」が全く異なります。
コンプレッサーが入力信号「A」に対して下記のような動作と計算を行います。
・検出（Peak, RMS, Opto）
・アタックによる遅延
・リリースによる戻り
・レシオとニーによる非線形カーブ
・etc…

これにより出力される信号は「B」という別物に成ります。
つまり音の波形やキャラクターそのものを変化させています。

しかし、ボリュームオートメーションの場合は信号「A」自体の波形は変えず音量を上下させているだけです。

トランジェント制御

上記の話にもややかぶってきますが、コンプレッサーはトランジェントの形を変えることができます。
トランジェントとは、音の立ち上がり部分のことで、この勾配(傾き)によってその音のキャラクター(距離感・太さなど)が決まります。

いわゆるアタックやリリースで設定できる部分で、例として出すと…
アタックが10ms → トランジェントは生き残る
アタックが1ms → トランジェントが削られて太くなる
リリース100ms → 余韻が滑らかに伸びる
リリース10ms → パンピングが生まれる

みたいな感じです。
もちろん音のソースによって変わってくるので一例として受け取ってください。

そしてこれらをコンプレッサーは1ミリ秒以下という凄まじい速さで制御しますが、オートメーションでは非常に難易度が高い部分です。

自動ボリューム系のプラグイン

「WavesのVocal Riderなどのオートボリューム系のプラグインがあるじゃないか」と声が聞こえて来そうですし、私も当然そう思いました。

確かにコンプレッサーも入力音に対して設定通りに音量を変化させているのだから結局同じだろうと思いますが、ここでも明確な差があります。

オートボリューム系は「全体の音量を目標レベルに近づける」ために「再生全体の音量傾向」に基づいて調整するため、瞬間的なピーク制御は苦手です。
つまり、コンプレッサーに比べて動作が圧倒的に遅いのです。

コンプレッサーの優位性

両者の違いをある程度理解していただいた上でコンプレッサーが何故ここまで重宝されるのかを説明します。

そもそも現実的に不可能

いきなりですが、割とこれが全てです。

あばん

すごいちゃぶ台返しだね…

もーだん

前提そのものが無茶だったんだね。

前提として挙げていた「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を人力やプラグインの力を持ってしても描くことがそもそも非常に難しいのです。

1/44100秒単位（サンプル単位）で完璧にフェーダーを動かすと言えばその無謀さが理解しやすくなるかも知れません。
よしんば描けたとしても途方も無い時間と労力をそこに割くことになってしまいます。

つまりコンプレッサーとは非常にインテリジェンスな「自動音量調整機」だと言えます。

コンプレッサーによるキャラ作りが秀逸

もうひとつの前提も覆させてください。
「歪み」を抜きにして話を進めてきましたが、歪みや位相変化もコンプレッサーならではの圧倒的な優位性です。
SSLやLA−2Aなどの名だたる名機たちには独自の歪みや色を持っておりそれらを求めてエンジニアたちはコンプレッサーを使用します。

そして前述したトランジェントの成型と合わせて唯一無二のキャラクターを作ってくれます。
この「アナログの魔法」とも言うべき点においてオートメーションは及んでいません。

コンプレッサーは「音量調節機」であると同時に「質感加工機」であると言えます。

「再現ならできる」

冒頭から言っている「再現できる」と言う言葉は割と深くて、コンプレッサーの挙動を真似することは理論上は可能です（いくつかの前提条件付きで）。

しかし、あくまでも再現であってコンプレッサーはその場で倍音構成やトランジェント波形を作り変えることで新しい音を「偶発的に」生み出しています。
入力音のわずかな違いや前後の音の文脈によってコンプレッサーの内部は挙動を変えています。

つまり「コンプレッサーが作った生成物」を後追いで真似しているだけであり、リアルタイムで「音楽的に作用する」プロセスはオートメーションには存在しない
だから、結果だけを見ると似せることは可能でも、プロセス自体は全く違うということです。

あばん

なんだかオートメーションが…

もーだん

不憫になってきたよ…

それでは、オートメーションがどんな時に使えるのか？
優位性や使い分けについて見ていきましょう。

オートメーションの優位性

歪みと音量調節

大きな点としてオートメーションはボリュームを上下させているだけなので歪みません。

コンプレッサーなどの歪みは音楽的に優れている部分も有りますが、本来ノイズや歪みは忌避すべきものです。
音そのものの質感を変えたく無い時や、原音のニュアンスを極限まで守りたい場合はオートメーションの方が優れていると言えます。

そして局所的な調整、例えば、「サビの頭だけ派手にしたい」「この一文字だけ大きくしたい」といった音楽的な演出は、機械的なコンプには不可能です。
人間の感性で細かく描けるオートメーションの独壇場です。

どう使い分けるべきか？

多くのエンジニアはワークフローの中に下記のようにどちらも取り入れています。

① オートメーションで「音量問題」を整える
・句読点ごとに整える
・極端な大小を均す
・目立つ突出を避ける
・オートメーションで基礎を作る

これで聴感上の不安定さを減らしてから

② そのうえで、コンプレッサーで「質感」を作る
・前に出す
・押し出す
・密度を上げる
・ノリを作る
・アタックの速度を整える
・質感を揃える

あばん

先にオートメーションで均すことで…

もーだん

コンプも効きが良くなるって聞いたよ！

理解の難しいエフェクト筆頭

Open Compressorを手にしたばっかりにこんな疑問にぶち当たってしまいました。

それでも色んな記事や動画を見て、勉強した甲斐があると思います。
「理論上は、再現できる」と言う言葉に全てが詰め込まれています。

その場で音楽的な偶然を生成していくコンプレッサーの凄さを改めて実感しました。

こんな気付きをこれからも発信していきます。
応援のほどよろしくお願いします。

外部リンク(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

ついに、お迎えしてしまったー！！

もーだん

正直長年の夢でした！

いきなり個人的な話で申し訳ありませんが、この「Tube-Tech CL 1B Mk II」はDTMを始めてからずーっと気になっていたプラグインでこの度ようやくレビュー＆比較記事を書ける事をとても喜んでいます！

そして、王座たるこのプラグインの競合として、「Kiive Audio KC-1」を比較していきます。

どちらも同じ機種をモデリングしており、汎用性の高さや特にボーカルのコンプレッションに優れているという触れ込みのため非常に胸が高なっています。

宅録をされるボーカリストの方や、かつての私と同じようにこれらの製品が気になっている皆様にとって有益な記事になるようにお届けしていきます。

内容としては、以下の3つです。

・2製品の印象とレビュー
・プラグインの使い方とおすすめの設定
・実際に使ってみた

製品概要

Softube CL 1B Mk II

Tube -Tech CL 1Bがモダンクラシックであり、ヒップホップのヒーローであるのには理由があります。特にボーカルコンプレッサーとして、特徴的な温かみのある音楽的なオプトゲインリダクションと、驚くほど汎用性が高く、どんなサウンドにも負けない操作性を兼ね備えているため、クラシックロックから最先端のポップス、ラップ、ヒップホップ、EDMなど、あらゆるジャンルで定番となっています。

Mk IIバージョンは、10年にわたる経験と技術の進歩を活かし、Mk Iを徹底的にサウンドを刷新しました 。素晴らしいサウンドと斬新なルックスを実現。現代のワークフローに適した機能を備え、Generation Switchによりこれまで以上に使いやすくなりました。

外部リンク(Plugin boutique)

Kiive Audio KC-1

まったく新しい KC1 Tube Comp で、比類のない暖かさとシルクのように滑らかな圧縮を体験してください。

世界中のプロデューサーに愛されている伝説的なスタジオの定番からインスピレーションを得た KC1 は、クラシックなチューブの温かみと非常に音楽的なサウンドのコンプレッションを実現し、ほぼすべてのソースで素晴らしいサウンドを実現します。

直感的なインターフェースと綿密にモデル化された回路を備えた KC1 を使用すると、ミックスを精密に作り上げることができます。

外部リンク(Plugin boutique)

2製品の印象とレビュー

もうほぼ結論なのですが、それぞれの印象をお伝えします。

・Softube CL 1B Mk II

どちらかというと、柔らかくてまろやかなコンプレッションが得意で、押しつぶしすぎず「ふんわりまとまる」イメージです。各パート、特にボーカルを繊細にコントロールしたいときに力を発揮してくれる印象です。

何より本家Tube-Tech社の公式提携で開発された唯一無二の製品のためボーカルだけでなくアコースティック楽器にも使える温かみやアナログハードウェアの挙動をより正確に再現しています。

・Kiive Audio KC-1

後発としてSoftube1強に待ったをかけた本製品は、音がクリアで締まりがあり抜けてくる感じです。
Softubeとはまた違った印象で、よりスタイリッシュなイメージという感じでしょうか？

また、M/S処理やオーバーサンプリングなど独自の機能を備えている点は、初心者の方にとって強みにも弱みにもなるかなと思います。

あばん

うおお…まさにどっちもどっち…。

もーだん

現代的かつ他ジャンルに使うなら微差でSoftubeかなぁ…

使い方とおすすめの設定

FIXED・MANUAL・FIX/MANについて

2製品のGUIを見ていく中で一番最初に気になるのはこの部分では無いでしょうか？

このノブはいわゆるアタックとリリースの挙動を決めるモード設定パラメータです。
アタック・リリースノブの機能が、選択したモードによって完全に変わり、同じノブでも、モードによって以下の通り全く違う役割を果たします。

FIXEDモード

• アタック：1ms固定（ノブは機能しない）
• リリース：50ms固定（ノブは機能しない）
• アタック・リリースノブを回しても何も変わりません

MANUALモード

• アタック：0.5～300ms（ノブで調整可能）
• リリース：0.05～10秒（ノブで調整可能）
• 一般的なコンプレッサーと同じ動作です

FIX/MANモード（最も特殊）

• アタック：常に1ms固定
• リリース：Release ノブで調整可能
• しかし、Attackノブは「リリース遅延制御」として機能する

あばん

リリース遅延制御…？

もーだん

アタックのノブで何が変わるか分かんない…。

上記を見てもらうと、アタックノブを動かすとリリースが始まるポイントが前後しているのがわかるかと思います。
他のプラグインで「HOLD」みたいなノブと同じような効果があります。

これで何ができるかと言うと、
・時計回りに回す→リリースまでが早くなる→ドラムのような短いピークには素早く反応して自然に戻る
・反時計回りに回す→リリースまでが遅くなる→ボーカルやストリングスなど持続音には適度な圧縮を維持する

みたいな使い分けをここで調整することができます。

周波数特性と倍音特性

それぞれの周波数特性を調べてみました。

ピンクがSoftube、赤がKiive Audioです。
どちらもめちゃくちゃフラットです。

ピンクは20KHz以上が落とされていますが、赤はフラットが続いていっていますね。

そしてSoftubeの方は、モダンVerのmkⅡともうひとつ、ビンテージVerのmkⅠモードが搭載されています。

超高域がややロールオフしているのと、30Hz以下にカットが入っています。
聴覚的に意識しづらい部分ですが意識しておくだけでも良いかも知れません。

倍音特性

Softube

上がモダンVer、下がビンテージVerです。
若干ですがビンテージの方が偶数次倍音が出ています。
しかしそこまで大きな差は無く、本家のアナログモデリングの特性が見て取れます。

Kiive Audio

こちらは、オーバーサンプリングが搭載されているので「OFF」「X4」「X16」の3種類で比較してみます。

やはり分かりやすくノイズの量が減っていますね。
しかしその分CPU負荷が爆増するので要注意です。

そして、THDというノブで歪みやすさをコントロールすることが出来ます。
これを上げていくと、控えめだった偶数次倍音が伸びていきます。

つまり、Softubeは偶数次倍音が優勢で真空管らしい歪みを持ち、Kiive Audioは奇数次倍音がやや優勢で明瞭でエッジのある音になりやすいという特性を持つことが分かります。

実際に使ってみた

今回は2曲分用意して「ボーカル」「ベース」「ミックスバス」の3つで比較していきます。

1曲目

2曲目

どっちがおすすめ？

どちらもコンプレッサーを学ぶのには非常におすすめです。
そして無茶苦茶な設定だとしても失敗しにくく音楽的な効果を得られる点でも優秀です。

個人的には「Softube CL 1B Mk II」の温かみと色気がもう大好きです。
これにしか出せない温かみが、プロ現場で使われ続けている理由だと納得できます。

Softube CL 1B Mk II(外部リンク)

しかし、コスパとして優秀なのは「Kiive Audio KC-1」です。
通常$139、セール時で$80と大体13,000円ぐらいになります。

ただ、Softubeもずっと定価$199で約30,000円ほどしていたのですが少しずつ価格が下がってきている感があります。
セールのタイミングによって、60％オフの約13,000円ほどになってたりするので最安値自体はそう変わらないかも知れません。

じゃあ「Kiive Audio KC-1」に優位性がないかと言うとそうではありません。

過去に書いた記事なのですが、Kiive Audioは知る人ぞ知る技術力高めのディベロッパーなので、品質は折り紙つきですし、前述したような本家にはない機能を独自の解釈で現代的にアレンジしています。

聴いてみてやけにクリアで明瞭感が出たように感じたのはKiive Audio KC-1の方でした。

Kiive Audio KC-1(外部リンク)

好みの領域になってしまいますが、当分は「Softube CL 1B Mk II」を使い倒しつつ時々「Kiive Audio KC-1」に浮気させてもらおうかなと思っちゃってます。

また分かったことや追加情報があれば共有させてください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

音楽生成AIってどう使えば良いんだよ…

もーだん

出来上がった曲をそのまま出したくないしなぁ。

SNSで生成AIの作った曲が聞かれるようになって久しい今日この頃。
AIアーティストなるものも生まれてきていて進化が著しい限りです。

そんなAIの力を自分の創作活動に活かしていきたいと思ったけどなかなか先に進めずにいる方も多いのではないでしょうか？

「AIの力を何か導入したいなぁ…」
「けど、曲は自分で作って行きたいし…」
「ちょうど良い塩梅の使い方ないかなぁ…」

そんな皆さんに今回はSUNO AIのステム分離を使用したDTMについてお届けして行きます。

内容としては以下の3つです。

ステムをMIDIに変換
リアレンジしてみた
注意点

ステムをMIDIに変換

SUNOのステム分離精度

3曲をステム分離してみました。
それぞれ雰囲気やジャンルの違う楽曲で分離精度がどのように変わるか確認してみます。

最大12パート分離とのことですが、私がやってみた感じでは7〜9パートぐらいに分離されました。

そして出力はMP3とWAVが選べますが今回はMP3でやってみました。
WAVは多少高音質になる分、分離生成にかなり時間がかかっていたので今回は諦めました。

1.80年代テイストのレトロインスト

2.エネルギッシュなアンセムロック

3.柔らかなピアノとローファイ曲

いかがでしょうか？

各パートごとに多少の精度の違いこそあれど、音は聴き取れるし充分な使い心地ではないでしょうか？
ドラムなどはこのままサンプルとして使いたくなるぐらいですね。
ボーカルも非常に聴き心地よく進化しています。

曲全体としてボーカルの隙間を開けるためにボリュームの変化があったり、オケだけ聞いてみると意外とシンプルだったりというのは大きな発見でした。

あばん

伴奏にいろんなパート追加したくなっちゃうけど…

もーだん

最小限でも充分かっこよくなるんだね。

MelodyneでMIDIに変換

今回はキーボードをMIDI変換します。
コード楽器はギターもあるのですがステムの分離精度やMIDI変換の難度の関係によりあまりお勧め出来ません。

耳コピをしたりDAWの機能を使ってコードを分析してみるのも良い方法でしょう。

以前書いた記事ですがStudio Oneのコード解析機能を紹介しています。

Melodyneで「ポリフォニック」のアルゴリズムで解析してもらったら、MIDIを書き出してDAWに戻すだけで簡単にMIDIに変換することができます。

無料の変換方法

調べてみると「Topmediai」というウェブツールでも出来るみたいです。

Topmediai音源・MIDI変換：音源を即座にMIDIへ変換可能

TopMediaiの高性能音源・MIDI変換ツールで音源を瞬時にMIDI化。メロディやコードもすぐに抽出！

まぁ、DTMにAIを導入していくという趣旨なので恐らくご覧の皆様は何らかの方法をお持ちかと思いますが、念の為。

リアレンジしてみた

せっかくなので3曲目に作ったピアノボーカル曲をリアレンジしていきます。
ボーカルはそのまま使って他のパートを音源プラグインに置換していきます。

ドラムはUJAMのCOZYを使ってみたり、アコギは自分で弾き直したりなど。

ステム分離時には「Synth」として書き出されていたパッド系の音もストリングスの方が柔らかくて良いだろうと思いNIのストリングス音源にしました。

オートメーション等は全然書いておらずMIDIノートの位置などを調整しただけとなっています。

出来上がり

ボーカル入りと無しVerをそれぞれ比べてみました。

あばん

うーーーーむ……。

もーだん

正直、甲乙つけ難い…。

やはりSUNOは暖かさもありながら非常にバランスの取れたものでした。
そして、私の方はよりLo-Fi感を出しながら優しさを重視したアレンジになったと思います。

MIDIの調整やら、ギターの録音やら、バランス整えたりやらでなんだかんだ2時間ぐらいかかったような気がします。

それでも、ここまで自分が自由にできる余地がある曲は、AI曲といえどもかなり愛着が湧いてくるのでは無いでしょうか？

注意点

MIDIと音源は必ずしも一致しない

やってみて思ったのがピアノのサスティンペダルとかは当然考慮されていないので、MIDIノートが実音より長く伸びてきます。
また実録の音ではなく生成された音なのでMIDI変換がうまくいってないパターンもかなりあります。

それにより不自然に音が切れたり重なったりしてしまう部分があるので上手く調整しましょう。

あばん

その調整のひとつひとつが…

もーだん

更なるオリジナリティを産むんだね！

私もリアレンジ中は原曲を聞き返して「こう鳴っているのか…じゃあこうアレンジしよう！」を繰り返していました。

MIDIと音源は必ずしも一致しないことを念頭においておけばかなりの作業スピードの向上が見込めます。

BPMを合わせる

これも当然なのですが、SUNO曲とBPMを合わせておいた方が楽に作業できます。
グリッドが適切な位置に無いだけでかなりやりづらいです。

もし可能であれば、楽曲を生成するタイミングで、BPMを指定しておくとその周辺で生成をしてくれるのでBPMを合わせるのが楽になります。

初歩的なことですが、見落とさずに調整しておきましょう。

ステムの見るべきポイント

構成楽器
パートごとの音色変化
副旋律のフレーズや伴奏

今回やってみて、各パートの担当音域がある程度棲み分けされていることの大事さを改めて感じました。

ベースがいる時にはピアノは中〜高音域を埋めて、ベースがいなくなると低音域を使う、とか。

構成楽器自体は多くなくても、各楽器の出し入れで曲の展開は作れる、とか。

伴奏はシンプルでもボーカルが入ると曲になるぐらい声の存在はデカい、とか。

ステムから学べることは正直かなり多いです。

もちろん、曲全体からインスピレーションを得ても良いし、ステムの１パート、例えば、ギターリフなどからガラッと作り替えても良いしと、汎用性はかなり高い気がします。

欲張ったことを言うなら、もっとドライで高音質なステム分離ができるようになれば、キックだけ抜いたり、ループサンプルとして使いやすくなるだろうなと感じます。

耳コピはプロの技を盗む大事な方法ですが、ステムを使ってのリアレンジは勉強にもなるし制作物にもなる一石二鳥状態です。

ぜひ、このような方法でのAI導入を試してみてください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

なんか唯一無二の音を作りたいなー…

もーだん

最強のチートツールがあるよ…！

各SNSやメディアで最近よく見かけるマルチエフェクター「CHEat code」。

その名の通り、音作りをする上でチートコード的な力を発揮してくれるモジュールが16個も入っています。

しかし、実際使ってみると、めちゃくちゃ難しい！！
思った通りの音にならなかったり各パラメーターの意味が分からなかったりと、かなり初心者泣かせのプラグインです。

毎回マニュアルを熟読する私ですが、今回のプラグインに関してはたった5ページで概略を載っけている程度だったので自力で出来る限り理解してきました。

ということで、他の特色にはほぼ触れず16個のモジュールの解説に重きを置いて記事を書いていきます。

製品概要

CHEat code は再構築されたマルチエフェクトプロセッサーです。 徹底的に設計された16のモジュールで、音を根本から変え、ワークフローを加速。重ねて使う、ルーティングし直す。伝説的なChe Popeとの共同開発。これがあなたの新たな「ズルい」武器です。
16種類のユニークなエフェクトエンジン： 常識を超えたサウンドを探求しよう。グラニュラーシンセシス、歪んだディレイ、豊かなモジュレーション、リズミカルなスライス、テクスチャー処理――各モジュールが独自の音響的個性を持っている。
フルイド・ルーティング： モジュールを直列でつなげて進化するチェーンを作るもよし、並列で重ねて複雑なレイヤーを構築するもよし。従来のFXプラグインのように直列か並列かを選ぶのではなく、本製品ではその中間も自在に探索可能。たとえばノブが中央にあるとき、それは直列と並列のちょうど中間で、両方の信号経路を動的にブレンドしている状態です。
パフォーマンスウィジェット： 一時的なエフェクトスロー。タッチに反応するオートメーションリターン。ライブパフォーマンスの即興性をDAW内でそのままキャプチャ。
高度なマクロ： 複雑さをシンプルに。4つのマクロが、精巧なサウンドデザインと直感的なパフォーマンスのギャップを埋める。

本家サイトより引用

外部リンク(Plugin boutique)

あばん

なんだか凄そうじゃん！

もーだん

本当色々出来すぎちゃう奴なのよ…

マクロコントロールやフルイド・ルーティングなど色々解説すべき点はあるのですが、今回は割愛します。

解説動画の中で…

ある解説動画を見ながら今回の記事の知識を蓄えていたのですが、その中で

「ここでは何が起きているかを考えずに、ただ気に入った音を選んでください。」
「私もこれから理解を深めていく必要があります。」
と言っています。

つまり、理解するのがめちゃくちゃ難しいので深く考えちゃダメということです。

あばん

これから解説していくのに…

もーだん

いや、でもそう言いたくなる気持ちは分かるのよ…

と言うことで、早速モジュールの解説に入っていきます。

16個のモジュール解説

1.Bubble Grain

ディレイにグラニュラーシンセサイシスの要素を加えた「Bubble Grain」。
名前の通り泡っぽい質感とディレイの空間の広がりを加えることが出来ますがどちらかというとサウンドデザインの意味合いが強いモジュールです。

TIME
FREEは手動設定で、SYNCにするとDAWのテンポと同期して4分音符や8分音符、三連符や付点音符のディレイを隣のダイヤルで設定できます。
16thに設定すると元の信号がどの長さサンプリングされるかを指定することが出来ます。

SIZE/FEEDBACK
X軸(ヨコ)はディレイのサイズで伸ばすほどディレイの再生時間が長くなります。
Y軸(タテ)はフィードバックのループ音量でディレイの減衰感を設定できます。
ここは直接マウスで触ることが出来ます。

上記の2点はディレイ系やリバーブ系のモジュールで度々出てきます。
共通のパラメーターになるので何となくでもここで理解しておいてください。

TYPE
4つのアルゴリズムで質感を変更することが出来ます。
「TYPE」や「ENGINE」というパラメーターがこれから何回か出てきますがここはもう説明とかじゃないです。
難しいことを考えず好みの質感を選んでください。

SHAPE
SPEEDはグレイン(粒子)がミックスされる速度です。数値が低いと原音とディレイ音がすぐ混ざるのでスッキリとした音になりやすいです。
逆に数値を上げていくと空間の広がりや残響感が大きくなります。

PATTERNも前述の「TYPE」みたいな感じで好みの音を選んで貰います。
デチューンが強いものや音の広がりが強いものなどかなり個性的です。

FILTER
バンドパスフィルターの周波数とQの幅を設定します。

有機的な粒感・幻想的な空間感

各モジュールで「ランダマイズ機能」を使用してデモ動画を撮りました。
雰囲気やこのプラグインの魅力が伝われば嬉しいです。

Bubble GrainはCHEat Code内でも特に「有機的な粒感・幻想的な空間感・音の溶解と再構成」が得意なグラニュラーモジュールです。
「有機的」「幻想的」「アブストラクト」がキーワードになります。

パッド音やシンセ、ボーカル、パーカッションなど様々な音の質感を変えることが出来るのっけから優秀なモジュールです。

2.Chorus

「Chorus」は7種類のコーラスアルゴリズムを搭載し、繊細でクリアなアンサンブル感から、派手なディメンション系、ヴィンテージ風のデチューンや現代的な広がりまで幅広いキャラクターを搭載しています。

TYPE
LFOタイプが「Drunk」「Sine A」「Sine B」の３タイプがあります。Sine波を模した２タイプも素敵なのですが、まさに「酔った」ような音になるDrunkが一番お気に入りです。

そして「ENGINE」は前述した通りアルゴリズムが7種類用意されているので好みの音を選んでください。

FREQUENCY/STRETCH
X軸(ヨコ)は変化周期、Y軸(タテ)は変化量を設定できます。

LFO
SHIFTは左右の位相のオフセットです。
数値が低いとすっきりした音になり高くしていくと音がより滲んでいきます。

FLIPは「位相がズレたLFOをどのぐらい混ぜるか？」ということみたいです。
言語化が難しいのですが、数値を上げていくと気持ち悪い不安定な音になります。

DRIFTは他のモジュールでも度々出てくるのですが、「漂流」や「フラフラする」みたいな意味で音がランダムにさまよって揺らぎを付加します。その強度を設定することが出来ます。

DELAY
ディレイ音の音量設定とのことですが、個人的にはイマイチ設定がしっくり来ませんでした。
ちょい難し目のパラメーターです。

立体感と自然な揺らぎ

このモジュールでは「定番コーラス」から「唯一無二の厚みと広がり」まで1つで自在にコントロール可能なエフェクトです。
SpinやDetuneなどの他モジュールと重ねることでサウンドデザインの幅が倍増します。

3.Detune

「Detune」は、入力音のピッチを微細に揺らし、コーラス効果や厚み、アナログ的な温かみや広がり感を加えるピッチモジュレーション系エフェクトです。

GLOBAL
INSTは不安定さを設定します。
個人的にはデチューンの量も増えているように感じました。
STEREOはそのまま「ステレオ幅」の設定です。

FREQUENCY/AMOUNT
前述の「Chorus」と同じように変化周期と変化量です。
XY軸で直感的に操作可能です。

LFO
デチューンの3種類のLFOをmodifier(変更・修正)するパラメーターです。
英文の意味は何となく分かるのですが、具体的な解説が出来るほど言語化が進みませんでした。

一応ビジュアライザーも少し変化するのですが説明には足りえませんでした。
このモジュールに限らず、ビジュアライザーが分かりやすいものとそうでないものがあるのであまり期待してはいけません。

あばん

すいません…精進します…

厚みと絶妙な不安定感

DetuneはCHEat Codeの中でも「サウンドの厚み」「温かさ」「立体的広がり」を生み出す必須級モジュールです。地味派手どちらにも効く万能エフェクトなので、現代ポップ／エレクトロ／アンビエント／ロック問わず“音にもう一段階の存在感”が欲しい場面で大活躍します。

リード、シンセ、ボーカル、ギター、ベースなど色んなパートに適用できる幅広さもこのモジュールの特徴のひとつです。

4.DownSampler

「DownSampler」は、入力音のサンプルレートやビット深度を意図的に落とし、デジタル特有の「ざらつき」「ジャリジャリ感」「Lo-Fiの質感」を付加するエフェクトです。

操作できるポイントが少なくてシンプルな設計になっているのも非常にありがたいです。

JITTER
どのぐらい音を劣化させるかを設定します。歪みやノイズの量が変化します。

RATE/FILTER
横軸がローパスフィルターで縦軸がサンプルレートです。
サンプルレートが低くなるほど音がボヤけて壊れていきます。

特有のざらつき感とLo-Fi感

サウンドデザイン的な性格が強く、使用箇所はだいぶ限定的ではありますがハマれば強いモジュールという印象です。

一番上のビジュアライザーが前述した3つとは違ってやや視覚的にわかりやすいのも特徴かも知れません。

あばん

ビジュアライザーの変化が…

もーだん

他のモジュールは解りづらいんよ…

5.Flanger

Flangerは、“揺らぎ”や“金属的なうねり”を付加するエフェクトです。単純な80sのギターサウンドだけでなく、現代的かつ幅広い表情のフランジャー効果が得られるよう設計されています。

TYPE
8種類のアルゴリズムが搭載されています。
スッキリめ、厚みましまし、金属感など様々な質感があります。

DELAY
ディレイ音の量と長さを設定します。上記のTYPEによっても雰囲気が変わってくるので動かしてみて下さい。

LFO
FREQは変化周期の幅です。ビジュアライザーも変化するので多少分かりやすいです。
PHASEは位相反転が出来ます。音の抜けが悪い時には試してみても良いかも知れません。

SHAPE1/2は…原音とエフェクト音のうねりが変化しているのは分かるのですが、具体的にこうと言える確信がなく…。
私は「うねり量」と理解しました。

COLOR
DYNはダイナミクスの調整です。プラス方向に回すと、音量の大小がより顕著になります。逆に回すと、大小の差が小さくなって音量が均一になります。個人的には音が大きくなる傾向です。

TONEはダーク(暗い)っぽい音から、ブライト(明るめ)な音に調整することが出来ます。

FEEDはフランジャーのフィードバック量です。他のエフェクトと同じように少なくするとスッキリするし、多くすると滲んで効果が知覚しやすくなります。

「静と動」「広がりと密度」

“従来のフランジャーを使いこなしたい人”にも、“最先端エフェクトによる新しい揺らぎ・空間・存在感”を追求したい人にも強力なモジュールです。
空間に馴染ませることも、逆にリード音を目立たせることも出来るので個人的にはかなりお気に入りのモジュールです。

6.Fractal Delay

「Fractal Delay」は、14タップ×3段階のディレイを多層的に組み合わせ、奥深いリズムや空間の複雑さ、特徴的なエコー効果を自在に生み出すマルチタップディレイです。1→2→4→8と折り重なるようにディレイ音が増えていくので非常に作りごたえのあるモジュールです。

TIME
前述した「Bubble Grain」と同じです。

RATIO/FEEDBACK
X軸で分岐比率（タップ間隔の規則性や複雑さ）、Y軸でフィードバック量をコントロールします。フィードバックを上げると多層エコーがより際立ちます。

BP FREQ/WIDTH
左右の矢印を押すと「RATIO/FEEDBACK」と切り替わって設定することが出来ます。
ディレイ音に対するバンドパスフィルターです。

COLOR
SOURCEはステレオ信号のL/Rのどこから原音を取得するか選択します。これにより左右の広がりや特異な定位演出が可能です。

PLAYはディレイをどの層からスタートさせるか、FEEDはフィードバック信号をどのステージに挿入するかを決めます。ビジュアライザーで指定地点が可視化されているので解りやすいと思います。

STEREOはステレオ幅の設定です。

DRIFT
前述の「chorus」で記載したような不規則な音の揺らぎを設定します。FREQで周期、AMOUNTで変化量です。

空間の創造と予測不能な残響

Fractal Delayは「非直線的なディレイ」「分岐と拡がり」「ミクロなモーション感」といった、CHEat Codeの中でも最も“空間を創造”するユニークなモジュールです。

パーカッションに使えば「多層的で複雑なリズム」になるし、パッド系に使えば「不思議な浮遊感」のある音色になります。

7.Grain Delay

Grain Delayは、入力音を粒状（グレイン）に分解し、ピッチ・ディレイ・再生位置などを独立して変化・再構築する“グラニュラーディレイ”型モジュールです。

COLOR FREQ/BAL
TIME/FEEDBACKは前述したものと同じなのですが、左右の矢印切り替えで、ハイパス＆ローパスフィルターと周波数の設定ができます。色が白くなった方が適用されます。

横軸を中央に設定すると全周波数を満遍なく適用することが出来ます。

SPACE
他のディレイでもよく見るパラメーターが並んでいます。
DAMPは音の減衰量。STEREOはステレオの幅。

SPEEDはディレイ音が拡散していく速度で、数値を低くするとスッキリした音像になります。逆にすると、ディレイが長くなり空間の広がりが出ます。

DRIFT
前述したものと一緒です。

解体と再構築特化のリズムディレイ

Grain Delayは、CHEat Code内でも特に空間的・時間的“解体と再構築”に特化した先鋭的ディレイモジュールです。

グラニュラー感を出すことも可能なのですが、どちらかというと「Fractal Delay」のようにビートやエッジ感を強調する使い方が個人的には好みです。

8.Reverb

Reverbはホールから抽象的なサウンドアート空間まで、幅広い残響パターンを搭載しています。自然で透明感のある残響から、人工的で幻想的なアンビエンスやリバース的効果まで自在に演出できるモジュールです。

TYPE＆SIZE/FEEDBACK
前述してきたような効果です。
8個のアルゴリズムはそれぞれ聴き比べてみるだけでも非常に面白いです。

総じてリアルな残響感というより、サウンドデザイン的な変わった響きが多い印象でした。

BLUR
DRIFTは残響の音の揺らぎ、DIFFは輪郭のぼやけ具合、DAMPは高域の減衰量、COLORは音の明るさをそれぞれ調整できます。

FEEDBACK
各音域のフィードバック量の設定です。
低音を増やすとかなりおどろおどろしい雰囲気になります。

他のモジュールと相性抜群

CHEat CodeのReverbは多機能で、実用残響から芸術的サウンドアートまで幅広く対応する万能空間系エフェクトです。
単体でももちろん優秀なのですが、他のディレイ系やモジュレーション系のモジュールと組み合わせることによって「CHEat Code」ならではの唯一な音作りが可能になります。

9.Reverser

Reverserは「シンプルな逆再生」だけではなく、多層的な時間操作によって、トラックにダイナミックな展開やグリッチ効果を追加できるモジュールです。

そしてこれが理解するのに一番苦労しました。
目玉モジュールっぽくもあるのですが、もうめちゃくちゃ難しかったです。

あばん

「何が起きてるかを理解しようとしちゃだめ…」

もーだん

最初の言葉がずっと突き刺さるんだよね。

MODE
DIRは左端の「forward」から順番に、「正・正」→「逆・逆」→「正・逆」→「逆・正」と再生回転の方向を４パターンから設定できます。
リバース音を使うには「正・逆」が一番分かりやすくてMIXで調整するなら「逆・逆」が個人的にはおすすめです。

MODは回転スピード設定ができ、スピードを変更した際の音程のクオンタイズがあります。
無段階や半音ずつ、5度などがあります。

SPEED/CURVE
解説動画曰く、仮想の2つのターンテーブルのどちらのデッキを長く再生するか？を設定できるとのことですがちょっと理解が難しいです。

ここでは、X軸(ヨコ)で再生スピード(音程)を決めて、Y軸(タテ)で音量のカーブを決めます。Y軸の理解が難しいのですがここは素直にフェードのカーブをイメージしてもらえればいいです。

値を低くするほど、右側のデッキの再生の立ち上がりが遅くなるのでやや不鮮明(フェード)な感じになります。

MOVEMENT
RATIOは左右のデッキの再生速度の比率を決められます。1:1であれば原音通りですが、0.5に設定した方は半分の再生速度になるので1オクターブ分音が低くなります。

RATEはオーディオをスライスする長さです。Tが付くのは3連符という意味です。
曲のリズムや求める効果によって設定しましょう。

BACKは非常に複雑です。
どのぐらい前に遡ってオーディオをスライスするかを決められます。
1~4の数値で表示しているのが直感的ではないような気がしますが、MODやRATEやSPEEDといったパラメーターとも絡んでくる要素なのでいいタイミングで再生が始まるように調整しましょう。
1であればすぐに後ろのデッキが再生されるし、4にするとかなり遡って再生が始まるので遅れて聞こえます。

現代音楽に通ずる時間操作

Reverserは「逆再生」という基本機能を超えて、楽曲の時間軸そのものを自由に“いじる”ことができる唯一無二の時間系エフェクトです。リバースギミックやハーフタイムはもちろん、現代エレクトロニック／エクスペリメンタル系の“時間操作”要素まで即興的に取り込めます。

個人的にはかなり扱うのが難しいモジュールだと思います。
RATEを2nや4nぐらいから使い始めるのが音が破綻しづらいと思うので試してみてください。　

10.Sequence Delay

Sequence Delayは、ディレイタイム／パン／フィルター／音量などを「ステップシーケンサー形式」でプログラムできる多機能リズムディレイ・エフェクトです。

AMP/SOURCE
ディレイの音量と、左右のどちらから原音を取得するかを選ぶことが出来ます。
矢印を移動させると他にはパン・フィルターもシーケンサー式に設定が可能です。

FILT MIX
原音も含めた、ハイパス・ローパスフィルターを設定できます。
Hz表示ではなく0~100の数値間なので耳や感覚を頼りに設定しましょう。

FEEDBACK
AMOUNTはフィードバックの量や強さ、RATIOは　です。数値を上げるほど、後ろの音まで大きめの音で鳴ります。

シーケンス化したリズムや空間演出

Sequence Delayは「反復ディレイ」にとどまらず、「シーケンス化したリズムや空間演出」「部分ごとの動き変化」といった先進的なディレイデザインを一発で実現できるモジュールです。

結構個人的には扱いが難しいモジュールでもあります。
パンやフィルターやAMPでの音量操作など難しいと感じたので「ランダマイズ機能」で良い感じの設定を引くのを待つのも一興かもしれません。

11.Shaper

Shaperは、音に多彩な歪みと個性的な質感を与える“ウェーブシェイピング／サチュレーション系”エフェクトです。“倍音付加”“非線形な波形変形”など、アナログ的な温かみからデジタル的なギラギラ感、歪みのキャラクター作りまで1台でカバーすることが可能です。

TYPE
4種類のENGINEとOFFSETを設定することが出来ます。サチュレーションからディストーションに近い歪みまで多様に用意されています。

OFFSETは線形の中心のオフセット設定です。
マイナス方向に回すと音量が小さいタイミングから歪み出します。
逆に回すと、より大きな音が入力されたときに歪みます。

SATURATION/RIPPLE
3つのグラフで歪み具合を設定します。
SATURATIONは「DRIVE」や「AMOUNT」とも言い換えられる、歪みの量です。
弱めにすれば「温かみ」、強くかければ「激しさ」という印象になります。

RIPPLEは波打ち具合というかうねり具合みたいな感じです。
ここを強めると、倍音成分の周期が不規則に変化し「不穏・幻想的な雰囲気」が付加されます。

この2つはビジュアライザーで視覚的に適用量が理解しやすいかと思います。

どちらのグラフも左から「negative」「center」「positive」となっており、これが何かというと調べた限りでは、波形の上方・下方や入力の大小みたいなことらしいです。

「negative」はビジュアライザーの線形で言うと左下を変化させます。
個人的な印象では小さめの音量でも歪み始め、全体的な音としてディストーションみのある「歪み」になると言う印象です。

逆に「positive」は線形の右上を変化させ、入力の大きな音を歪ませます。
聞いた感じとしては、倍音成分が多めで「抜ける音」「サチュレーション」と言う印象です。

FILTER
ローパスフィルターの周波数と適用量(AMOUNT)を設定できます。

SOFT CLIP
ソフトクリッパーの適用量を設定できます。

多彩な歪みと個性的な質感

音作りの「核」として、「変化球」「飛び道具」として、またサウンドデザインとしてなど多彩な歪みを使用することが出来ます。
ドラム／ベースの芯・太さ強化や、現代Lo-Fi/ヒップホップ向けの“粗さ”付加、ボーカル・ギター・FXの個性的な存在感アップなど使用用途の幅広さが評価できます。

視覚的・聴覚的にも直感的に理解しやすい良いモジュールだと感じます。

12.Shuffler

Shufflerは、リアルタイムで入力音を3バンド（低域・中域・高域）に分割し、それぞれを独立してスライス／並べ替え、即興的でダイナミックな“音の再構成”を可能にするマルチバンド・シャッフルモジュールです。

X-OVER
ここで低域・中域・高域に入力音を分割します。

PATTERN
ステップ1~8まであり、それぞれ8種類のパターンがあります。
ビジュアライザーが連動して動きますが各ステップ・各パターンが影響しあって動きが変わっていくので好みのパターンを探すのはやや難儀かも知れません。

HIGH/MID/LOW
各音域の設定画面です。
PULSEは分割の細かさ、シーケンスの音数です。

OFFSETでは発音タイミングのオフセット調整ができます。
しかし設定はめちゃくちゃ難しいです。
OFFSETをいじるべきなのかPATTERNをいじるべきなのか…。
ここの判断が出来る場合は意思を持って、難しい場合は奇跡を信じて、パラメーターを触って見てください。

何が起きているかを理解しようとしないで

と、動画解説者の人は言っていました。
イメージとしては、単なるスライサーを超えて「素材の帯域ごとに即興的なビートやフレーズ再構築」を実現するCHEat Codeの中でもかなりエッジの効いたクリエイティブエフェクトです。

個人的には結局「ランダマイザー機能」を使って思いもよらないリズムやビートが産み落とされるのを待つようなモジュールになると思います。

あばん

曲作りの起点になりそうなモジュールだね！

もーだん

インスピレーションが沸くかも知れないね！

13.Slicer

Slicerはリズムや音素材を帯域ごと・断片ごとにスライス＆分割し、スタッターやグリッチ、リズム再構築まで可能な強力な分解・再構築系エフェクトです。
通常のスタッターやゲートを超え、複数の周波数帯域を独立してスライス制御できる点が特徴で、現代的なビートの解体やエレクトロニックなフレーズ解体・再生成に最適です。

PATTERN
パターンはあらかじめ92個用意されていてカスタムは出来ません。
LOW/MID/HIGHの3種類のノブで各音域の音量を決めることが出来ます。

ADSR/STRETCH
各バンドのADSR(アタック・ディケイ・サスティン・リリース)を設定でき、STRETCHでは3バンドまとめてX軸でアタック、Y軸でディケイとリリースを調整できます。

VINYL
ここではレコードのような音飛びの音程変化について設定できます。AMOUNTをプラス方向に回せば高い音に、逆に回すと低い音に音が飛びます。

DECAYはどのぐらいの時間をかけて変化するかを設定します。
数値が低いと「ピュン」と変化しますが、逆だと「ぴゅ～～ん」という感じです。

CURVEはピッチカーブの設定です。
すぐに変化するかゆっくり変化するかの違いになります。

STEREO
各3バンドにおける左右への広がりを設定できます。
オフセットなので、厳密には違うのですが、個人的にはパンを振るようなものだと解釈しました。

X-OVER
FREQUENCIESでは3分割するクロスオーバーポイントを設定します。
STEREOでは左右への広がり方、MOVEでは入力音量によって変化するモジュレーションの量を設定します。

現代的なグリッチ・即戦力のリズム操作

ビートを“切って並べる”だけでなく、“帯域別・パターン別”の自在なコントロールで、新しいリズム・フレーズを次々生み出せます。「VINAL」でのピッチの変化も面白くおすすめのモジュールです。

効果が分かりやすく、前述した「Shuffler」よりも音楽的に破綻しづらいので気軽に触れる点もおすすめのポイントです。

14.Spin

Spinは、ステレオパン＆モジュレーション系エフェクトです。
“音の位置や動き”を立体的に、かつ独創的に制御可能でサウンド素材に“生命感”“浮遊感”“躍動”を加えたい時に最適です。

SPIN
DIRECTIONの「CCW」が反時計回り、「CW」時計回りです。
SHAPEはLFOの線形を変化させます。

EDGEは後述する周波数選択の端に行くほど効果を薄めることが出来ます。ステレオの広がりを和らげることが出来るし、モジュレーション効果を馴染ませたりするときに使えます。

FREQ/OVERSHOOT
X軸は周期・回転の速さ、Y軸はオーバーシュートの量を設定できます。

オーバーシュートとは、「モジュレーションやパンニングのカーブの急激さ」「ピークの飛び出し具合」または「エフェクトの係り具合の最大ピーク」を意味します。
つまり、この設定値が大きいほど、サウンドの揺れ幅が一時的に大きくなり、エフェクトが強調されます。

ASYN/ASYM
X軸が「非同期性」、Y軸が「非対称性」を設定できます。
XYパッドのグラフが変化するのである程度分かりやすいかと思います。

X軸(ヨコ)は左右の位相やスピードをどのぐらいずらすか、それによってどのぐらい立体的で有機的な響きにするかを決めます。
Y軸(タテ)は「モジュレーションの波形」や「変化のプロセス」を左右対称/均一からどれぐらい崩すか、それによってどのぐらいランダムで不規則な揺れを与えるかを設定できます。

X-OVER
適用する周波数範囲を設定できます。

ミックスの奥行きや空間設計

Spinは単なる「自動パンナー」に留まらず、「帯域ごとの立体移動」や“音像の変幻自在なダンス”を直感的に作り込めるCHEat Codeでも屈指のモジュールです。ミックスの奥行きや空間設計、新たなグルーヴや浮遊感の追加手段として、創作で重宝すると感じます。

15.Tap Delay

Tap Delayは“タップ操作”で直接ディレイタイムを決定できる、パフォーマンス志向かつ超直感型のディレイエフェクトです。

TYPE
ディレイエンジンとして「Pan」「Stutter」「Filter」の3種類が用意されてます。

PATTERN
「TAP」と書かれた部分をクリックするとタイミングが記憶されて白線で表示されます。一応枠の上部を叩くと長い線、下部を叩くと短い線で表示されますが、これはディレイ音のベロシティとなっています。

MOD
START/ENDのダイアルを回すと選択したエンジンのモジュレーション量が変化します。
例えばSTARTを小さく、ENDを大きくすると、ディレイの後半になるにつれモジュレーションが強化されていくという音像になります。

VEL CRVはベロシティカーブで、前述したベロシティの強弱量を決めます。
右に回す(プラス)ほどベロシティの強弱は強調されて、左に回す(マイナス)ほど平坦になり音が大きくなる傾向があります。

“唯一無二のグルーヴ”や“人間味”

Tap Delayは単なるディレイに収まらない、“叩くタイミング”そのものをサウンドの一部にしてしまう、ライブ・即興・実験的サウンドデザインに必須の革新的エフェクトです。

他モジュールの「Slicer」や「Spin」と連携すれば“叩いた残響”自体を断片化したり、空間的にパンして“タップエコーがグルグル動く”唯一無二のビートになります。
また、「DownSampler」「Shaper」と並列すれば、タップディレイ音をLo-Fi化、歪みや個性を加えることで全く新しい残響テクスチャを創出することのできる汎用性の高いモジュールです。

16.Viber

Viberは、“帯域分割ピッチシフティング”タイプの先鋭的エフェクトです。

通常のピッチシフターは音全体の高さを変えるのに対し、Viberは“高域だけ”または“低域だけ”を個別にピッチ変化できるのが最大の特長。
ただ、ピッチシフターというより、トランジェントを丸めたり温かみを増したりとトランジェントの成型に役立つモジュールな気がします。

PITCH
「Warm」「Warmer」「HalfDown」「Down」の4つのエンジンを搭載しています。

SPLIT/FREQ MIX
X軸は周波数の分割ポイント、Y軸はフィルターの選択です。白く表示される方が優先されて選択されており、真ん中に置くと全周波数的にエフェクトが適用されます。

TRANSIENT
「ROUND」「SHARP」のMODEと「SLOW」「PUNCH」のSPEEDを選ぶことが出来ます。なんとなく語感で理解しましたがトランジェント(アタックらへん)についてのモード選択になります。

DECAYは音価の長さになります。数値を低くすると余韻が切れるシャープな音になります。

MIX
「TRANS」「SUSTAIN」はそれぞれトランジェントとサスティンを設定します。

揺らぎと懐かしいレトロ感

いつもの素材を一味も二味も違う質感で演出したいという場面で活躍する非常にクリエイティブなモジュールとなっています。
また、このモジュールもビジュアライザーが割と分かりやすく機能してくれているので、アタックを強調したり、余韻を切ったりしてうまく音をまとめてくれます。

他のモジュールとの相性も良いので、個人的に結構お気に入りのモジュールです。

全16モジュールでサウンドデザイン

あばん

めちゃくちゃ長かったね…

もーだん

よく頑張ったと褒めてあげたいよ…

非常に長い記事になってしまいました。
似通ったパラメーターこそありましたが、個性的なモジュール揃いだったと思います。

個人的な印象とレビュー

サウンドデザインの側面が強い

音の質感を大きく変えたり、リズムや雰囲気を再構築したりとかなり派手に効くエフェクトが多い印象でした。

リアルで自然な音場や音色を作り出すというより、HIPHOP系やグリッヂ・アンビエント系などのエレクトロな音楽に合うプラグインだと感じました。
グラニュラー系のモジュールも多く入っているのでお勧めできます。

DTM初心者にはちょっと…

この記事をもってしてお分かりいただけたかと思いますが、かなり学習コストが高いです。

前述した、「マクロコントロール」や「フルイド・ルーティング」などを駆使すれば、ここでしか作れない音というのは存在するので、魅力的ではありますがやはりちょっと難しいかと…。

好きなモジュールTOP3

上から順番に「FLANGER」「VIBER」「SHAPER」が良かったです。

やはり音が破綻しにくく他のモジュールとの相性もよさげな「無難」なランキングになったと思います。
これらは、単体でも使っていきたいなと思います。

新しい表現を創出するためのサウンドツール

CHEat Codeは16種類の個性的なモジュールを備え、音の質感や動き、時間軸を自在に操作できる革新的なマルチエフェクトです。

直列・並列を超えた自由なルーティングとマクロ操作に対応し、ライブや制作で即興的に使いやすい設計。幅広いジャンルに適応し、複雑なサウンドデザインや表現を根本から拡げる強力なツールだと感じたので興味がある方は是非製品ページを覗いてみてください。

(外部リンク)Plugin Boutique

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

個人的な内容にはなりますが、DTMや音楽の情報も入れつつお話ししていきたいと思います。

挙式をしてきた

6月末〜7月中は非常にバタバタしていたのですがその理由が表題にある通り、挙式とそのための準備に全集中していました。

少しずつ意識にあげては構想を練りを繰り返していましたが、ご多分に漏れず我々も5〜7月の式直前になってバタバタと諸々を用意し始めました。

その為、配信活動を一旦お休みしたり、ブログの更新を止めたりしてたくさんのご心配をおかけしたと思います。

その分、十分にリソースを割いて準備し切って迎えた7/20。
無事に結婚式を挙げることが出来ました。

これも一重に日頃応援して頂いている皆様のお力添えあってのことだと思います。
改めて感謝を伝えます。

やっぱお金がめちゃくちゃかかる

打ち合わせや衣装選び、小物選びをしていく中で覚悟はしていたのですがめちゃくちゃ金額が嵩んでいきます。
もう仰天ってレベルではなくあれよあれよと数字の桁が増えていくのを見て非常にビビりました。

DIY的に少しずつでも削減していかないと大変なことになるぞ？！と思っていた矢先。
披露宴中のBGMの料金が結構かかることをその場で知りました。

アイサム登録料（ISUM登録料）？

披露宴中で市販されている音楽を使用する場合には、アイサム手数料というものが1曲ごとにかかります。
大体、4000円〜6000円ぐらいみたいで、我々は1曲6000円ぐらいだと言われました。

そして、披露宴中の要所でBGMが必要になる場所が結構あります。
我々の場合ですと、

全部で10曲です。
ここに歓談中のBGM等も入れだすと、かなりの曲数が必要になってきます。

正直、歓談中のBGMに関しては式場の方で用意されてる曲を使えば無料で出来る場合もありますが、式中の要所はなんでもOKというわけではないと思います。

そして、我々はこの10曲を「自作」することで大きく削減、そして自分たちのコンテンツとして「企画」を打つことが出来ました。

要所のために作った曲

オープニングと入場

一部ですがこんな感じで作りました。
曲の後半を10分近くまで繰り返して伸ばすことでオープニングと入場をシームレスに兼ねた曲にすることが出来ました。

動画も作ったし、思い通りに曲の尺を前後させることが出来るのも、音楽界隈にいるおかげだなぁと心底思いました。

中座＆再入場

ここは自分たち「アバンdeモーダン」のオリジナル曲を3曲使いました。

その他、歓談中のBGMも自分たちの既存曲を総動員したので、非常に居心地が良かったのを覚えています。

感じたのは、「サビの後も同じように盛り上がり続ける曲」の優位性でした。
もしくは「サビと同じぐらいに盛り上がり続けるAメロ＆Bメロ」です。

サビとの落差でメリハリや緩急をつけるのも大事なのですがこと「結婚式のBGM」という事であれば歌ものであれそこを意識するのは重要でした。

生い立ち動画

1パート1分半ぐらいの曲を3回繋げて、最後にボーカルも重なるという変わった趣向の曲です。

よくある生い立ち動画は、新郎・新婦・2人の3回に分けて市販曲をクロスフェードさせるものですが、より1つのムービーとして一体感を出すためにはこのやり方が最適だったような気もします。

それぞれの歴史を振り返りつつ2人の出会いや歴史に繋げていくという構成ですが、動画も音楽もこう言ったものはなかなか無いのではないでしょうか。

乾杯＆新婦の手紙＆記念品贈呈

ここはインスト曲として3曲作りましたが、「深夜の2時間DTM」をやっていて本当に良かったと感じた瞬間でした。

過去に作った大量のストックから再構築したり、アイデアをもらったり。
「深夜の2時間DTM」がなければそもそも全部BGM作るという発想まで至らなかった気がします。

かなり昔の記事ですが、「深夜の2時間DTM」という企画について説明してますので是非覗いて見てください。

エンディングと退場

ここは歌ものを書き下ろしました。
式当日を思い出してニヤニヤしながら絶賛MV制作中です。

来てくれた友達に向けての感謝の気持ちや「これからもずっと同じ話を何度でもしような」という思いを伝えるために歌詞を書きましたが非常にお気に入りの曲になりました。

退場時の曲はエンディング曲のサビ部分をストリングスメインのインストにしました。
後で聞いた話では、退場時にインストで流れていた曲がエンディング動画で再度歌ものとして流れたから聴きやすくて耳に残ったとのこと。

そこまで計算していたかはここでは言及しませんが、そのような作り方・演出が出来るのも「ならでは」だと思います。

「削減」と「創出」

作った曲をざっくりと紹介しましたが、これで音楽・BGMに関する出費は無くなり約6万円の削減となりました。

こちらとしては、自分の曲が式中に流れ続けてしかも節約も出来るというまさに「一石二鳥」状態なのですが、これらをさらにコンテンツとして企画を立てました。

今回作った曲をCDにしたり、フォトブックを作ったり、配信で式の様子を流したり。
初めはどのぐらい参加してもらえるか非常に不安でしたが、思った以上にたくさんのご支援を頂き、現在絶賛製作中となっています。

自分たちの曲を流せて、費用の削減につながり、応援者にコンテンツを届けられるという「一石三鳥」状態で、いかに恵まれた環境にいるかを痛感させられました。

また今回のことを当ブログやYouTubeで紹介できるので一石三鳥以上かも知れません。

音楽も動画も作れるってすごい

今回のことで、妻からの目線に「尊敬」の色が増したような気がします。笑

音楽も動画も外注しようとすればそれなりに金額がかかりますが、それを自分で賄えてしまうというのはよくよく考えてみれば、かなり凄いことなのでは…？
そして、世の中のボカロPやDTMをしている人たちも同じようにすげぇんだよなと心から感じました。

動画を作ったり、音楽を作ったり、歌詞を書いたり…。
もっと自信を持つべきだと思ったし、俺たちすげーんだよ！！と肩を叩き合いたい気持ちになりました。

そして、もう一つ感じたことがあります。

結婚式要所のBGMパック

オープニングからエンディングまで音楽が必要な場面はたくさんありますが、割と選曲に苦労するのではと思いました。

好きなアーティストがいれば良いとは思いますが、似通った「定番曲」を使いたくないという人も一定数いそうな気もします。
インスト曲なんてなんでも良いんだけどなぁ…みたいな需要もある気がするので、「各場面ごとのBGM10曲パック」なんてのはどうなのだろうとふと思いました。

フリーダウンロードにするとか、公式LINE登録してくれたらお渡しするとか。
「全国各地の結婚式のBGMでバズった夫婦デュオ」なんてのも面白そうだなと感じます。

使用した人はBGMの費用が浮いて、我々は認知を広げられる、というWin-Winな関係にもなれそうです。そこからCDを買ってもらったりライブに来て貰えたりしたら嬉しいですからね。

こんなアイデアとうに誰かがやってそうな気がしますけど、そんなことをふと思いました。
皆さんはどう思われるか良かったら教えてください。

重ねて感謝

改めて、7/20に我々は結婚式を挙げることが出来ました。
結婚して6年目でしたがようやく念願叶ったというところです。

日頃より応援してくれてるリスナーのみんな、ブログやYouTubeを見てくださってる皆様、家族や友達にこの場を借りて改めて感謝します。

鋭意制作活動に励んでいますし、ブログもYouTubeも再度動き出しますので応援の程よろしくお願いいたします。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。