あばん

UADの対抗馬がやってきた！

もーだん

これはスタメン入りの予感がするよ！

IK MultimediaのSunset Sound Studio Reverb IIがリリースされました。
前作から愛用していた身としては、これはかなり嬉しいアップデートです。

そして、実際に使ってみると単なる後継機ではなく音作りの自由度が増していて「別物」と言っても良いほどに進化を遂げていました。

今回の記事では、まず特徴をサラッと整理したうえで、
前作との違い、UADのOcean Way Studio DXとの比較、そして実際に使ってみた率直な感想を中心に書いていきます。

Ocean Way Studio DXについては動画も上げているので是非ご覧ください。

特徴の整理

まず、今回のSunset Sound Studio Reverb IIの特徴を、ざっくり短くまとめるとこんな感じです。

27ポジション・336IRデータ
各ルーム内で音源を置く位置を細かく選べるようになり、実測されたIRデータも大幅に増量。
つまり、同じ部屋でも「どこで鳴っているか」をかなり細かくコントロールできます。

2基の独立リバーブエンジンを並列駆動
2つの異なる空間設定を同時に重ねられます。
これがかなり大きくて、単純なリバーブではなく、空間のレイヤーを作る感覚で使えるようになっています。

Sizeコントロールとダンピング
残響の長さだけでなく、空間そのもののスケール感や、部屋の吸音状態まで調整可能。
「ただ長くする」だけではない、より立体的な空間設計ができます。

EQやコンソールモデリング
リバーブ単体の音だけでなく、質感や厚みまで作り込めるのが強み。
API系とNEVE系のキャラクターを使い分けることで、同じ空間でも印象がかなり変わります。

あばん

かなり進化してるのが分かるね…！

もーだん

UADに対抗意識あるんだろうね…

前作と何が違うか

前作はLIVE ROOMの3番が非常にお気に入りでした。
コントロールノブもかなり少なく、センドで送って音量バランスを整えるぐらいの明快な使い方でした。

今回、進化した点で言うと「音作りの自由度」が格段に上がりました。

・どこに音源を置くか
・どれくらい部屋成分を出すか
・どれくらい吸音された空間にするか
・2つの空間をどう混ぜるか

と言うところまで設計出来るようになっています。

つまり今作では、部屋そのものを設計&演出するプラグインになったという感じです。

ネガティブな面

しかし、それらは裏を返せば「迷いやすくなった」と言うことでもあります。

前作の場合は、1～3番のROOMを切り替えて合わなければ別のプラグインを試してみるというシンプルな操作性ゆえの決断の速さがありました。

しかし、今作になって一気に自由度が増えたので、

「こうしたらもっと合うかも」
「このポジションならどうだろう」
「Room 1とRoom 3をどう組み合わせるといいか」

などの試行錯誤の余地が生まれました。
もちろん、ポジティブな要素ではあるのですが、人を選びそうな進化だと感じました。

ポジションの考え方

このプラグインの面白さは、グリッド上のポジション移動にあります。

大事なのは、位置を動かす＝単純に音量や残響時間が変わる、ではないということ。
変わるのは、主に下記の5つです。

・反響の出方
・残響の密度
・距離感
・部屋鳴りのまとまり
・定位の感じ方

ざっくりした感覚としては、こう捉えると分かりやすいです。

手前
リバーブは控えめで、近くに感じる。
メイン楽器向きで、前に出したい音に合います。

中央
バランスが良い。
その部屋で録っている感覚がいちばん出やすい位置です。

壁寄り
反射が早く返ってきやすく、密度感や色付けが増えます。
定位も少し寄りやすく、キャラクターが出ます。

奥
部屋成分が強くなり、遠近感が出ます。
空間に包まれる感じを出したいときに向いています。

残響感の変更の方法

とは言え、手前と奥とで、そこまで残響感が明確に変わるかと言うと個人的には微妙な部類だと思っています。

「もっと大きくて長い響きが欲しい」
「広い空間を感じたい」

という時にはポジションよりDecayとSizeの影響が大きいと感じました。
このプラグインを使う上で結構大きなポイントだと思います。

あくまでこのスタジオの空間の中で「どの場所に鳴らすか」を決めるものですが、DecayとSizeは、残響そのものの印象を変えてくれます。

逆に、短く圧迫感のある残響が欲しいなら、ISOブースを使ったほうが狙いやすい場面があります。

ISOブースが意外と重要

使ってみて思ったのが、「残響を近くしたい」「短くしたい」と思っても、通常のルームでは限界があります。

圧迫感や音の厚みを出すという意味では、ポジションを手前にするよりISOブースを使う方がより好ましいです。

残響感はほぼ無く、質感を変えてくれる感じに近いというか、UADの「RE-MIC」に近い気がします。

後述するリバーブの並列駆動(デュアル設定)時に片方ISOブースを入れておくと異なる空間がレイヤーされてより、生っぽい音の響きにすることが出来ます。

UAD Ocean Way Studio DXとの比較

ここは多くの人が気になるポイントだと思います。
結論から言うと、完全な上位互換ではないです。
ただし、既に十分な対抗馬である、というのが率直な感想です。

動かす「モノ」の違い

決定的に違うのは、UADは「マイク」の位置を動かしますが、今作は「音源」の位置を動かします。

これによって何が変わるかと言うと、UADは変化量がかなり明快です。

3組のマイクがどの距離で音を拾い、どの音量で出すのかがコントロール出来て、所謂リバーブとして距離感を作るのはこちらの方が上手です。

一方で、前述した通りSunset Sound Studio Reverb Ⅱは、残響感のコントロールは出来ますが、そこまでハッとする感じではありません。
どちらかと言うと質感や、そのスタジオの空気感や生々しさや色気を底上げするタイプのように感じます。

この楽曲への「溶け込み方」が好きかどうかで評価はかなり分かれそうです。
派手な変化を求めるならUAD。
スタジオの空気感そのものを楽しみたいならSunset Sound II。
と言う印象を感じました。

CPU負荷について

率直に言うと、UADのOcean Way Studio DXは、使っていてまじで重いです。
多用したいプラグインではあるんですが、挿す前に必ず上書き保存したくなるレベルでヒヤヒヤします。

それに比べると、Sunset Sound Studio Reverb Ⅱはだいぶマシです。
体感でも数値上でも1.5〜2倍くらい重い印象です。

とは言え、前作よりかは多少重くなっています。
画像で「TR5」と頭に書いてあるのが前作です。

単なるリバーブであればセンドで使うので多少重くても良いのですが、トラックに入れて質感を変えるのであれば、せめてこのぐらいに抑えていて欲しいです。

デュアル設定の使い方

前述した通り、このプラグインの面白さをもっとも実感しやすいのが、2基の独立リバーブエンジンを組み合わせる使い方です。

① ISO近め＋長めのプレート

これはボーカルにかなり使いやすいです。
ISOで近さを残しつつ、プレートで存在感と艶を足すイメージ。
歌を前に出したまま、少しリッチにしたいときに向いています。

② ROOMタイト＋チェンバー

これはドラム向きです。
ルームで芯を残しつつ、チェンバーで空気感を足すと、打ち込みでも一気に“録音物”っぽくなります。
タイトなのに薄くならないのが良いところです。

③ ROOM1近め短め＋ROOM3遠め長め

これは空間のレイヤーをはっきり作りたいときに便利です。
近い部屋で輪郭を残して、遠い部屋で奥行きと余韻を足すことが出来ます。

この手の組み合わせは、単発で聴くと地味でも、ミックス全体ではかなり効きます。
特に初心者〜中級者の人ほど、こういう2段構えの空間作りは試す価値が高いです。

個人的にはかなり好きです。
正直、前作が好きだった人ほど、今作は素直に楽しめると思います。

Ocean Way Studio DXのような劇的な変化を求めるか、
Sunset Sound Studio Ⅱのような自然な空気感とスタジオの色気を求めるか。
ここは好みが分かれるところですが、少なくとも十分な対抗馬であると感じました。

CPUの負荷も実用的なラインに収まってくれているところも非常に高評価です。

あばん

UADがおばけ過ぎるという説はあるけどね…

もーだん

それぞれの良さがあるんだよね…

そして何より、
前作が好きだった自分にとっては、ちゃんと「続編として嬉しい」完成度でした。
この系統のプラグインが好きな人には、かなりおすすめできます。

外部サイト(Plugin boutique)

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あばん

おお！また新しい音楽生成AIですか！

もーだん

今回のはどうだろうねー！

最近のAIの進化には本当に凄まじいものがあります。
先日公開したTUNEEの動画も多くの方に見られていて、感謝すると共に、皆さんの関心の高さを伺えます。

しかし、多くのツールは「ボタンを押して完成した曲を聴いて終わり」というある種エンタメ的な消費に留まっているのも事実です。

今回は、MusicCreator.aiが提供する多機能ツール群が、果たして音楽家の良きパートナーになり得るのか、それともただの「多機能なおもちゃ」で終わるのかを検証していきます。

大きな流れとしては、生成→MIDI編集→マスタリングのフルフローが一貫してるか試していきます。

そして検証した内容は以下の通りです。

MusicCreator.aiさんから提供を頂いて使い込んで来たので、忖度なしでレビューしていきます。

独自AIとUIの第一印象

こんな感じのUIなのですが、プロンプトや詳細設定の見た目が正直SUNOにそっくりです。

「中身SUNOなんじゃない？」という声がありそうですが、中身は「独自開発AI」とのことで、SUNOもAPIを公開してないはずので最初は戸惑いました。

しかしよく考えてみると、大手最筆頭のSUNOの使い慣れた操作感で扱えるということは、ユーザーにとっては学習コストを抑えられる大きなメリットです。

またトップページにはメインの音楽生成ジェネレーターだけでなく色んなツールへの入り口が用意されています。
今回、個人的に楽しみにしている「MIDI編集」もここから触っていくことが出来ます。

生成曲デモ

実際にいくつかのプロンプトで生成してみましたが、曲の完成度は「まぁまぁ実用的」と言ったところです。

ポイントとしては

・音楽理論への忠実さ: カノン進行や4-5-3-6進行といった、いわゆる「王道」のコード進行をしっかりと押さえています。メロディや構成に不自然さがなく、そのままBGMとして流しても違和感がありません。

・良さと弱点: 非常に整っている反面、サビの爆発力やフックの強さには欠ける場面もあり、人によっては「少し退屈」と感じるかもしれません。

・「グッとくる」瞬間: しかし、7〜8曲に1曲ほど、AI特有の「そこに行くか！」という意外性のあるメロディが生まれます。

下記は、同じプロンプトで生成したSUNO、TUNEEとの比較音源です。

やはり、SUNOの完成度、TUNEEの安定感が目立ちますがMusicCreator.aiも引けを取っている印象はありません。

あばん

どのAIが作ったかのブラインドテストとか…

もーだん

わかる気がしないよね…。

ステム分離の精度

私にとってかなり重要な「ステム分離」。
ここが想像以上に良かったです。

何故なら「最大12トラック」で「使える精度」だったからです。

通常、この価格帯のツールでは「ボーカル、ドラム、ベース、その他」の4トラック程度が限界です。しかし、MusicCreator.aiは業界筆頭のSUNOと同様の12トラック分離を実現しています。
ここからもかなりSUNOを意識して作られているんだなと感じることが出来ます。

分離トラック数が多いとMIDI変換の精度も上がるし、最悪うまく変換できなかったとしても耳コピが非常に楽になるという恩恵があります。

あばん

ここは予想外だったけど…

もーだん

結果的に1番の推しポイントだね！

MIDI編集とワークフロー

一方で、期待外れだった点も隠さずお伝えします。
それがMIDI変換と編集ページです。

AI MIDIジェネレーター

AI MIDIジェネレーターは各楽器のフレーズをMIDIで生成してくれるツールです。

いくつか生成してもらいましたが、現時点では「そこまで衝撃的ではない」というのが本音です。ピアノやギターのトラックを作ってもらっても、印象に残るフレーズは少なく、そのまま曲に入れ込めるかというと微妙です。

AIオーディオMIDI変換

また少し深いところに「MIDIスプリッター」というツールがあります。
これはオーディオをステム分離してMIDIに変換してくれると言うもので非常に期待していたのですが、微妙でした…。

と言うのも、このツールの場合、ステム分離が4トラック（ボーカル、ドラム、ベース、その他）なので多くの楽器が「その他」にまとめられてしまい、DAWへのスムーズな引き継ぎは困難です。

分離されたドラムのMIDIノートも、ツッコミどころが多すぎて「？？？」が脳内から消えませんでした。

・キーマップがぐちゃぐちゃ
・実際はC2がキックだが全部タムで拾われている
・そもそもビートが拾われていない

現在、SUNOもDAWに近い機能（SUNO Studio）を実装していますが、MusicCreator.aiのMIDI周りは「これからの進化に期待」という段階です。

ニッチなツール群

このプラットフォームには、他にも多くのツールが詰め込まれています。
パッと見ただけで、誰もが戸惑うほどの多くのツールが内包されています。

しかし、その中でもきらりと光る「良い感じのツール」があったので紹介します。

AIマスタリング

正直、劇的な変化!!と言うほどではありませんがひとつのプラットフォーム内で出来ることに一定の評価をあげたいです。

ワークフローとしても、リファレンス音源をアップロードして未マスタリング曲をアップロードするだけです。
周波数特性とラウドネスを近づけてるんだろうなーぐらいの印象でした。

Lo-Fiコンバーター

これは非常に面白いです。

BPMを落とし、ノイズを乗せ、フィルターをかけてるだけの単純な仕組みです。
しかし、その質感が絶妙で思わず「ふふっ」と笑みがこぼれる楽しさがあります。

あばん

本当に単純なツールだけど…

もーだん

引き込まれるものがあるよね…

ノイズジェネレーター / スピードツール

非常にニッチですが、音響工作的な視点で見ると質感の良さが光ります。

ノイズジェネレーターは環境音や各ノイズをミックスすることが出来ます。
ダウンロードすれば1分間のWAVデータとして入手できます。

スピードツールは、音源をアップロードするとスピードを変更できます。
無料でどこにでもあるようなツールですが、わざわざそれの為にアプリを落とす必要もないので、ふとした時にサラッと触ることが出来ます。

こうした「遊び心のある小道具」が揃っているのが、このツールの魅力です。

総評と競合比較

結論として、MusicCreator.aiは以下のような立ち位置になります。

SUNO「一発で感動したい」「歌としての完成度を優先したい」時の安定選択肢。

TUNEE「思いがけない曲に出会いたい」時のパートナー的選択肢。

MusicCreator.ai: 「AIの素材を解体し、自分の手で再構築したい」時の作業場兼、遊び場。

現状、1つ1つのツールが独立している印象は拭えませんが、その「手札の多さ」は圧倒的です。
これが一つの有機的なワークフローとして統合された時、恐ろしいツールに化ける予感がします。

あばん

競合も進化して行くからねぇ…

もーだん

どんな化け方をするか楽しみだよ！

未来への期待

今回触ってみて、曲の完成度も悪くないし、ツールの多さと言う点では評価に値します。

しかし、完成された「完璧な音楽スタジオ」と言う感じではなく、無限の可能性を秘めた「おもちゃ箱」と「作業台」と言う印象です。
なので初心者というより、より音楽を知っている玄人好みのツールのような気もします。

もっとMIDI周りが大きな進化を遂げてくれたら、DAW要らずみたいな要素が出てくれば一躍業界筆頭になれると思います。

ツール紹介

毎回忘れそうになるのですが、MusicCreator.aiの紹介をしておきます。

プランとしては上記の通りです。
無料プランもありますが、月2曲という生成制限があるので少し窮屈かもしれません。

しかし、スピードツールやBPM検知ツールなどクレジッド消費無料のツールもあります。
まずは自分の耳で、その「素材」の質を触って確かめてみてください。

MusicCreator.aiの無料トライアル体験はこちら

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あばん

TUNEEのアップデートが凄まじいね！

もーだん

出来ることがほんとに増えたよね！

前回の記事や動画が大好評で本当に多く見て頂いています。
この場を借りてお礼申し上げます。

そこから約半年経ってTuneeは怒涛のアップデートを重ね、ついに9モデル体制＋Tunee 2.0へと進化しました。

それはもはや「音楽生成ツール」という言葉では収まらない大きなプラットフォームになりつつあります。変化があまりにも多いため、今回は音楽制作編、次回はMV制作編の2本に分けてお届けします。

主要アップデート時系列

前回の2025年11月から現在の2026年4月までで、Tuneeはステム分離→モデルエコシステム→Tunee 2.0→3つの新モデル追加と、半年で革命的な進化を遂げました。

主要アップデート内容

2025年12月、TUNEEは「エコシステム拡張」を宣言しました。
これまでの音楽AIが「プロンプトを投げたらあとは運任せ」だったのに対し、現在のTUNEEは「複数の専門AIが連携して1つの曲を構築する」という、いわばハイブリッド生成へと移行しています。

これは後述しますが、内部で複数のAIが複合的に動作をしている可能性があり、個性的でバラエティに富んだ楽曲の生成に一役買っていると考えられます。

他にも3つの特筆すべき進化内容は下記の通りです。
・出力速度の劇的向上: 生成速度は約1.7倍に高速化。ストレスを感じさせないテンポで試行錯誤が可能です。
・サウンド量子化精度の向上: デジタル臭さが軽減され、特に高域の空気感や低域のタイトさが改善されました。
・5つの主力モデル体制: Mureka V9、Lyria 3 Proを筆頭に、用途別のモデルが明確化。

あばん

めちゃくちゃ進化してるんだね…

もーだん

AIの成長速度には目を見張るものがあるよ。

モデル別の特徴比較──5種を正直に語る

今回の記事のもっとも重要な部分である、5種類のモデル比較です。

TUNEEの面白い所はモデルごとに作曲の「癖」や「思考」が全く違うことです。
それによって、個性的な楽曲が生まれたり自分に無いアイデアを発見したりできます。
実際は生成ガチャによっての比較検討なので一概にそうとは言い切れない部分もありますが、私なりの生成を繰り返して見えてきた、各モデルの特徴についてお届けします。

Mureka V9：完成度が高く「グッとくる」

もっとも印象が強いのは、Mureka V9です。

現在は有料メンバー限定のモデルではありますが、個人的に「曲として気持ちよく聴ける」、前回の言い方を借りると「グッとくる」モデルです。

・アレンジが自然で説得力がある
・退屈さが出てこない
・ボーカルの譜割りに不自然さが少ない

曲としての完成度が軒並み高く非常に推せるモデルです。

ボーカルの表現もかなり魅力的ではあります。
AI感もかなり薄れていますが、日本語ボーカルについては、まだ違和感が出ることがあります。
発音が自然とは言い切れない瞬間や、言葉のつながりが少し引っかかる場面は残ります。
なので、ここは「完成した歌」として見るというより、楽曲イメージを立ち上げるための素材として見る方が相性がよさそうです。

あばん

さすがフラッグシップモデル！

もーだん

これに頼めばまぁ安心って感じだね！

Lyria 3 Pro：構造力とボーカルのリアリティ

次に印象が強いのがLyria 3 Proです。

4/10に追加された最新モデルで、公式の説明では、intro、verse、chorus、bridge、outroのように、セクション単位で構築できることが明示されています。

公式としては、楽曲の設計士として、「最初は良いのに途中が微妙」や「曲としての骨組みが弱い」などの生成AIならではの弱点をここで補えるモデルという立ち位置なのでしょう。

しかし個人的に大注目なのは、ボーカルの表現力とリアリティです。
声質という点においては今回の5種類の中で圧巻です。

感情の乗り方、声のニュアンス、フレーズの揺れ方、どれをとっても現時点のTUNEEで最も人間らしい歌声を出してくれます。

・楽曲の完成度
・ボーカルのリアリティ
・骨組みの構成力

これらを意識した時にめちゃくちゃ使えるモデルで、前述のMureka V9と双璧をなす圧倒的な存在感を感じました。

あばん

これめちゃくちゃ良いんだよね。

もーだん

さすがGoogle製って感じだね。

Minimax 2.6：制御性重視、表現の幅はやや狭い

MiniMax 2.6の最大の特徴は、KeyとBPMをカスタム設定できる点であると公式の発表があります。

ただ、そこに関しては他のAIモデルでもやってやれないことは無いと思うので特段大きな差別化ポイントになっているようには感じないというのが正直なところです。

・AI生成曲と分かりやすいクオリティ
・ボーカルがかなり大きくミックスされる　
・楽曲構成が毎度似てくる

「日本語ボーカルの発音のクセ」や「イントロにスキャット入りがち」など、良く言えば扱いやすい、悪く言えば少し想定内に収まりやすい、というモデルです。

ある程度条件を決めて生成するのが得意で、プロンプトに追従する能力は結構高めです。
空間系の響きを出さずにドライな曲を作ってと依頼した時にもちゃんと追従してくれたのはこのMinimax 2.6のみでした。

ACE-Step 1.5：エレクトロ/EDMに寄る傾向

ACE-Stepはオープンソース系のモデルで、最大10分という圧倒的な長尺生成が特徴です。

しかし実際に使ってみると、プロンプトにかかわらずエレクトロやEDMに寄っていく傾向が強く、使い所をかなり選びます。

表現力については、極端に悪いわけではないものの、突出している感じはそこまで強くなく凡庸と言った印象です。

・長尺のBGM生成
・エレクトロ/EDM系の楽曲

この辺りの使用感であれば立ち位置を生かせるモデルですが、繊細な歌もの、自然なボーカル、幅広いニュアンスやジャンルという方向ではあまり力を発揮できず使う人を選ぶ気がしました。

あばん

まぁ悪くは無いんだけどね…

もーだん

AI感もそれなりに出ちゃってるのがね…

TemPolor v4.5+：中の上だが、良コスパ

TemPolorは、完成度で見れば突出しているという感じではないものの、コスパが圧倒的に良いという評価です。

人による部分ですが重要な視点で、「不安定な最高峰の一発」か「安定感のある量産」かのどちらを取るかによってこのモデルの評価は変わって来そうな気がします。

もちろん、十分に使える、十分に整理されている楽曲ではあるので「激レアSSS」楽曲が生まれる可能性もあります。

・クオリティよりもまずは量
・クレジット消費を抑えたい
・プロンプトの検証

このあたりに重きを置く人は非常に頼りになるモデルになります。

モデル比較まとめ表

ただし、日本語ボーカルの発音においてはどれも完全ではありません。
どのモデルでも不自然な日本語があり、上記は「表現力」「自然さ」という面で評価をしています。

別途、歌詞をひらがなにしたり、生成を繰り返すなどの修正がかなりの頻度で必要になります。

内部動作の謎について

ここで大事なのは「モデルごとの差をどう受け止めるか」ということです。
それぞれの得意分野や優れている点を自分の制作意図と照らしながら使い分けをしてくのが非常に大事です。

Mureka V9は、完成度と聴きやすさが強い。
Lyria 3 Proは、構造とボーカル表現が強い。
Minimax 2.6は、制御がしやすい。
ACE-Stepは、特定ジャンルに寄せやすい。
TemPolorは、コストを抑えながら回せる。

この見方をすると、Tuneeは「一つのAI」ではなく、複数の作曲思想を持つ制作環境として見る方が実態に即しているのではとも考えられます。
実際、出力の雰囲気やクオリティにばらつきがあったり、「Murekaを選んでいるのに、時々Lyriaっぽい動きをする」というような感覚に陥ることがあります。

これは単に不安定というより、内部で複数の処理が絡んでいる、あるいはフォールバック機構のようなものが働いている可能性も含めて、ブラックボックス性の高いシステムとして受け止めるのが現時点では良いと思います。

あばん

モデルの変更が上手く行ってるのか…

もーだん

不安になったりするんだよね…

プロはどう使うべきか

ステム分離について

TUNEEは生成した楽曲を6つのステム（Vocal, Drums, Bass, Piano, Guitar, Other）に分離できます。

これはSUNOと比べるとかなり少なく、必要最小限と言ったところです。

実際に各パートを聴いてみるとステム分離の精度はさほど高くありません。
MIDI変換もかなりしづらそうなのが分かります。
これから進化する可能性も大いにありますが、TUNEEの強みは楽曲全体の完成度やそのバラエティの多さにあると再度感じます。

作編曲の「学習」

前述したような「バラエティの多さ」に付随して様々なアレンジの可能性を引き出してくれるのがTUNEEの強みで、音楽家の良き相棒となりえる一面です。

上記の曲は生成した時にBメロで転調をしてくれました。
「転調はサビでするもの」という固定観念を吹き飛ばすものでしたし、サビ終わりから２Aに向けての戻し方もおお！！っと思えるものでした。

このような「作曲・編曲の発想」という点で非常に学びになる部分は多いです。

あばん

そうなると競合とのSUNOとの違いは…？

もーだん

その辺を次項で見てみよう！

SUNOとの違い─正直な比較

TUNEEとSUNOは、同じ「AI音楽生成」でもアプローチがまったく異なります。
両方を使い込んだ上で、正直に整理します。

楽曲の完成度

まず大事な要素として、楽曲の完成度が挙げられます。

純粋な楽曲クオリティという点ではほぼ互角という評価です。ただしモデルによって差があり、TUNEEのMureka V9やLyria 3 ProはSUNOのトップクオリティと十分に渡り合えます。

しかし、他のモデルだとSUNOの方が一歩上を言っていると言っても仕方ない部分はあるでしょう。

クリエイティブの引き出され方

SUNOは「こちらが要求したことに応えてくれる」ツールだと感じています。
その分、プロンプトを熟考したりある程度の音楽知識が要求されたりします。
なので、自分の想像の範囲内にあるものを高精度で出してくれるという印象です。

一方でTuneeは、こちらが曖昧なイメージを投げても、会話型AIを基に複数の方向に展開してくれる感じがあり、自分が思いついていなかったアイデアや方向性に引っ張っていってくれる「頼もしさ」があります。

ここがTUNEEの強みで、「会話から予期しない展開」と「複数モデルでの個性」が上手くかみ合って生成自体にワクワクがあり「グッとくる」要素になりえています。

個人的には共存が正解

結論として言えば「どちらかを選ぶ」よりも「両方使う」が正解だと感じています。
MV生成などのワークフローはまた別で語るとして、音楽制作という面で言えば、この2つはライバルであると同時に良き共闘関係であると言えます。

個人的に最強のワークフローは、
→Tuneeで発想と制作の間口を広げる。
→出来上がった曲をSUNOに読ませる。
→アレンジを磨いて最大12トラックのステム分離。
→DAWに落としてMIDI変換して自分なりにアレンジ。

このTUNEE→SUNO→人間のリレーが一番精度が高くワクワクできる曲作りの流れだと感じています。

もちろんこれはDTMでのリアレンジが前提なので万人に向くとは思いませんが、プロアマ問わず作曲家にとっては非常に有効なワークフローになり得ます。

別の動画で説明したFender Studio ProのMIDI変換も活用できるので是非試してみてください。

どんな人におすすめか？

どんな人におすすめかと言われると、「まじで全員」です。

しかし、これでは解像度が粗すぎるのでもう少しかみ砕くと、

何か新しい作曲の入口が欲しい人
DTMの補助として使いたい人
AI生成の検証が好きな人
アレンジの発想を広げたい人
Sunoとは別の軸も見ておきたい人

などかなり広い層に向いていると言えます。

これに加えて、

初心者→会話型でプロンプト不要
プロ音楽家→アレンジ学習＋作業効率化
YouTuber→MV一貫制作
など、さらに多くの人にとって扱いやすいと考えられます。

あばん

ほんとに巨大なプラットフォームだね！

もーだん

使用用途が広いってのが良いよね…！

「音楽制作の民主化」

ずっとTUNEEが掲げているビジョンに「音楽制作の民主化」があります。
それは音楽だけでなくMVにも派生して多くの人が自分の表現を簡単に追求できる世界でもあります。

僕たち音楽家にとってそれは喜ばしいことなのかは分かりませんが、全世界のわくわくの総量が増えていると考えればあながち悪い世界ではないようにも思います。

音楽生成AIの現在地を知る、という意味でも、実際に作ってみて、モデルを聴き比べて、再現性や実運用のしやすさを確認する価値はかなりあります。
当然各モデルは進化を続けていくのでこれからもかなり楽しめそうな気がしています。

今回紹介したTuneeは、その検証に向いた題材として、かなり面白い段階に入っていると感じました。

ぜひ気になったら使ってみてください。

MV制作編の記事も楽しみにしていただけると幸いです。

TUNEE体験はこちら

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

待望の新プラグインが来たね！

もーだん

さてさてどうなる事か…？

XLN Audio DB-30が投入してきたドラム特化プラグイン。
兄弟分としてロングセラー製品のRC-20があり、その見た目や操作性を踏襲していることがよくわかります。

しかし、昨今は「プラグイン大飽和時代」です。
オールインワンドラム特化然り、歪み・コンプレッサー・リバーブなどの個別単位然り、「他のプラグインでも同じこと出来るんじゃない？」と言うのが正直な感想です。

と言うことで、今回は、「簡単で劇的」という価値がアリなのかナシなのかを軸に、DB-30の長所と短所を表裏一体の関係として整理していきます。

先に結論を言うと、個人的には結構好きです。

製品概要

素晴らしいドラムを作るための秘訣。

たっぷりと塗っても、ほんのりと加えるだけでもOK。繊細な風味から大胆な変化まで、DB-30はドラムサウンドをあらゆる方向へと導きます。
ドラム処理を、スピーディーに、楽しく、そして刺激的に。風味、パンチ、そして個性を数秒でプラス。DB-30 Drum Butterは、迅速な実験、素早い意思決定、そして素晴らしい結果という、実際の作業スタイルに合わせて設計されています。
ドラムループ、ドラムマシンのパターン、またはライブドラム録音にドロップして、ノブを回してみましょう。

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「簡単で劇的」ってアリ？ナシ？

メイン操作としては6つのモジュールで完結できる設計になっています。
後述するプリセットも豊富なので、好きなものを選んでメイン下部のノブを捻るだけで好みの音に激変していきます。

プリセットを変えていくだけでだいぶ雰囲気が変わります。

適用する周波数やエフェクトの強さを決めたりすることは直感的には可能ですが、一方でコンプレッサーのアタック・リリースやリバーブの詳細設定などを細かく作り込む機能は備わってはいません。

いつもであれば、こういう製品に対して「中級者・上級者には物足りないかも」と言いたくなるところですが、今回はそれほど感じませんでした。
「これで必要十分」という声が出てきそうな完成度がありよくこのUIでまとめられたなぁ、と言う印象です。

あばん

RC-20で見慣れてるのかな？

もーだん

だとしたら似せてきたのは良い判断だね。

加えて、どれだけ激しくいじってもオートゲインで簡単に出力音量を調整できるので、やりすぎを防げる設計も好印象です。

「Boom shack」と「Shift」ってアリ？ナシ？

他のドラム系プラグインではなかなか見かけないモジュールです。
私も最初は戸惑いましたし、特に「初心者」や「バンド系ユーザー」には耳馴染みがなく苦手意識を持つ部分かもしれません。

一方で、エレクトロやビートメイク系のユーザーにとっては、あえて音を壊す・崩す表現のための武器になりうると感じました。
むしろ、「このモジュールだけでも買いです！」と言う声があっても何も不思議に思わないぐらいの出来です。

Boom shack

Boomはキックにサブベースを追加して重厚感を与え、Shackは主にスネアに個性的なノイズを追加して新しい質感や抜けの良さを作ってくれます。

あばん

6つのモジュールの先頭だよね！

もーだん

いきなり生まれ変わらせるんだね！

特にBoomはキックの増強に大きく貢献してくれそうで期待大です。

今執筆しながら思ったのですが、Shackの適用周波数をBoomと同じにすれば、低域を増強しつつ、ノイズ追加で高域の抜けも良くなると言う最強キックができるのでは…？

Shift

Shiftは入力オーディオの周波数とフォルマントを上下にシフトさせることができます。
実際に使ってみて、印象が真っ二つに割れそうなモジュールだと感じました。
面白そうではあるが飛び道具的な使い方しか浮かばないというか…。

あばん

何となく理解はできるけど…？

もーだん

どう使えば良いかわからない…

各パラメーターの解説は割愛しますが、個人的におすすめの使い方は、

Freq(左)側にスライダーを振る
Targetをサスティン(右)側に振る
Focusをキックの低域に合わせる
メインノブを少しマイナス方向(10〜11時)に振る

こうすることによってキックが締まったような感じが得られます。
ずしっとくる重たいキックを作りたい方は是非試してみて下さい。

ミックスで使うのはアリ？ナシ？

正直、「精密」で「精緻」なミックス作業には向いていません。
他パートとの棲み分けやバランス調整、クリーンな処理という意味であれば、まだArturiaのMix Drumsとかの方が向いている気がします。

外部サイト(Plugin boutique)

もちろんミックス工程に全く使えないということではありませんが、このプラグインが出てくるフェーズはもっと前の「作曲」「音作り」「アレンジ」の段階です。

あばん

エンジニア向きというより…

もーだん

作曲家向きのプラグインだね！

なので、「音を加工したい」「ドラムをカッコよくしたい」「音からインスピレーションを得たい」というアプローチの人には非常に刺さります。

ドラム以外のプリセットはアリ？ナシ？

プリセットは260種類以上用意されておりかなり豊富です。

個人的にはなんですけど、キック専用とかスネア専用とか、他の楽器用のプリセットがズラッとあると引いちゃうというか使いにくいと感じてしまうタイプです。

しかしこのDB-30に関しては、多少は用意されているもののそこまで多くなく、ドラムバスやループ素材をまるごと激変させるタイプのプリセットが中心になっています。

あばん

これほんと助かるんだよね…。

もーだん

バスに挿すことが多いからね。

一応ベース用のプリセットを試してみました。

まぁ…可もなく不可もなくと言ったところでしょうか。

また前作のRC-20はユーザーコミュニティがとても活発で、海外では自作プリセットの無償配布や公式アップデートでのプリセット追加もあったので同様の流れが期待できます。

将来的な拡張性という観点から見ても、長く使い続けられるプラグインだと感じています。

結構好きです…///

私が作る曲は歌ものが中心で破壊的なドラムをガンガン使うタイプでは無く「バンド系」の曲が多いです。
しかし、今まさにドラムで悩んでいる曲があるので早速使ってみようと思っています。

あばん

今までとは別のアプローチで…

もーだん

曲の印象が変わりそうだよね！

前述したように将来的なアップデートやユーザー増加によってTIPSや小技も充実してくるはずなので成長が楽しみなプラグインです。

公式サイトからデモも出来るので気になった方は体験＆検討してみて下さい。

公式サイト

外部サイト(Plugin boutique)

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

遂にアップデートが来ましたか！

もーだん

こういうツール本当多くなったよね。

自動爆速作曲ツールのMelody Sauce 2がバージョン3にアップデートしました。

以前はメロディ中心だったが今作ではコードやベースラインも生成できるようになり、さらなる作曲補助ツールとして活躍の幅を広げてきた印象です。

すでに多くのメディアでアップデート内容や各操作方法について解説されています。
なので、その辺はさらりと触れつつ、本記事では実践的な使い方についてお届けして行きます。

内容としては以下の通りです。
実践的な使い方
どんな曲が作れるのか？
正直に語る短所と注意点
アップデートすべきかどうか？

先に結論を言うと
アップグレード → 強く推奨
新規購入 → 初心者はアリ、中級者は要検討
用途 → メイン作曲ではなくアイデア補助が最適

となっています。

製品概要

メロディー、コード、ベースを1つのプラグインで実現
Melody Sauce 3を使えば、DAW内で独自のメロディー、コード進行、ベースラインを直接生成できます。強力な新機能と全く新しいインターフェースを備えたメジャーアップグレード版です。音楽理論は一切不要です。ジャンルを選び、スタイルを選択したら、パッドをクリックするだけで、コードとベースとともに独自のメロディーが生成されます。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

Melody Sauce 3の実践的な使い方

1.アイデア出し

まぁこれが一番想定されてる使い方でしょう。

今回のアップデートによってプリセットや内蔵音源数、リズムパターンが膨大に増えました。
しかもそれなりに聴けちゃうぐらい品質が良いので、少し手を加えるだけで作曲がグングン進みます。

あばん

コードもベースも瞬時に生成されるんだよね…

もーだん

気に入ったものが出来るまでガチャれるよ！

重要なアップデートとしてMovementとChord Fitコントロールが追加されて、ある程度生成の方向性をユーザー側が決定できるようになりました。
歌もののメロディとして使うより、BGMなどの量産に向いていると感じます。

個人的には生成メロディをメインとして使う場合は、Movementはdynamic、Chord FitはRelaxedがおすすめです。

2.曲を盛り上げる裏メロ

個人的にはこの使い方がすごくおすすめです。
つまり作曲途中の曲に追加して楽曲全体の賑やかしに使うという方法です。

前述のMovementとChord Fitコントロールが搭載されたとはいえ、少し味気なかったり退屈だったりするものが出来ちゃったりもします。
しかしそれは、オブリガート（裏メロ）として使えばメインを邪魔しない良い塩梅の隠し味になったりもします。

そこから新しいアレンジの発見やセクションの展開を見つけるきっかけになったりします。

作曲中の中に入れてみました。
だいぶ聞き応えが変わるし、「ドロップ的に追加しようかな」「落ちサビで試してみようかな」と、楽曲の骨子は変える事なく新しいリメイクがここで出来るというのは非常に嬉しいです。

あばん

こっちバージョンの曲も聞きたくなるもんね。

もーだん

メインで使わないのがオススメの使い方！

ここではMovementはdynamic、Chord Fitは3種類どれでもいいと思います。
Strictはコードにバチっと沿うのでやや退屈だけど邪魔しない感じ。
Relaxedはスケールをなぞるだけじゃない新しい響きが生まれやすいです。

正直に語る注意点と短所

ドラムは作曲時から必須

まずは注意点ですが、ドラムの有る無しで作曲時の気分の乗り方が全然変わって来ます。
平凡に聞こえていたのにビートに乗せた途端に印象が変わるというのはザラです。

先ほどまでのデモ動画でも先にループ素材を貼ってから、生成をして合うものが見つかったらキープというのを繰り返していました。

つまりこのプラグインは作曲時の初手で使うべきじゃなく、ドラムパターンが決まったとか、骨組みが出来た後に中身を充実させていくために使うべきだという事です。

融通が効かないところ多数

音価（音の長さ）が調整できない
Swingのハネ具合が調整できない
ノートを追加できない
コード追加が煩雑
パッと思いついたのはこの4つです。

これが何気に結構ストレスでした。
まぁMIDIで書き出す前提の製品なので仕方ないかと思いつつ、それによって見逃した良いメロディもたくさんありそうなのがモヤモヤするポイントです。

あくまでも「叩き台」として使って、最終仕上げはDAWでどーぞ、という感じです。

内蔵音源をそのまま使えない

これは結構驚きました。
MIDI Outputをあれこれ触ってみたのですが、結局出来ず…。
（右下にMIDI Modeというのがあったのですがこれはまた全然違うやつでした。）

やり方知ってる、私出来たよ！という方がいらっしゃいましたら是非ご教示ください。

あばん

せっかく音源が増えたのに…

もーだん

パラアウト出来ないんじゃ勿体無いね…

多分要望の多い機能だと思うので、搭載されるのも時間の問題のような気がしますが、これからのアップデートに期待しましょう。

買うべきか？アップグレードは？

アップグレードはすべきです。
イントロセールで29ドルとかなり安くなっています。

新規購入は、初心者であれば検討の余地はありますが中級者以上は少し悩むところかもしれません。

画期的！絶対導入！の強いポイントは無くはないですが、それ以上に中級者にとっては操作性に融通が効かずストレスが溜まってしまうような気がします。

また、難しいのがデモ版は提供されておらず、7日間の返金対応となっています。
先に購入する必要があるので気軽に試す事ができるかと言うと正直微妙です。

なのでアップデートは推奨ですが、新規購入に関してはお財布や自分の作業環境との相談が必要になってきます。

手ぐせから脱却せよ

このようなツールは往々にして「神曲」を自動で生成してくれる物ではありません。

むしろそういう用途であれば「SUNO」を使った方がより「神曲」に近いものはできると思います。

じゃあなぜ使うのか？というと、
新しいジャンルを開拓するため
創作を楽しむため
自分で「神曲」を作るため
だと思います。

使ってみて、結局DAWに貼り付けてピアノロールで編集しなおしたり、再度音源を当てがったりする必要はどうしても出てきますが、上記のためであればなんて事ない作業です。

これからのアップデートに期待せざるを得ない部分もありますが、自身の創作のためにこのようなアイデア補助ツールを持っておくのは良い判断だと思います。

新規購入(外部リンク)

アップデート(外部リンク)

動画も作りましたのでよければご覧ください。

あばん

色んなプラグインが出てるけど…

もーだん

内部で何が起きてるんだろうね…？

最近、「Open Compressor」という素晴らしいプラグインを入手し使い込んでいます。
アタック、リリース、トランジェント、倍音……コンプレッサーの挙動を可視化してコントロールできるツールです。

そして、大きなウリとしてSSLやAPIや1176などの名機の挙動を再現できるのですが、UADやWavesが出しているアナログモデリングプラグインがこれで不要になるかというとそういうことでもないなと気付きました。

では、世のエンジニアの皆さんが言う「アナログっぽさ」や「独特の風味」と言うのは一体何を指しているのかと思いめちゃくちゃ調べて勉強してきました。

先に結論を言ってしまうと、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

別の記事で「コンプとフェーダーの違い」を解説しましたが、それの別章だと考えてもらえれば幸いです。

ここで語られる内容はプロエンジニアの方にとっては常識的なものかも知れません。

そしてブログ自体文量が多く、至らない点や不備もあるかも知れませんが必ず皆さんにとって新しい知識や視点が得られる記事になります。

・魔法の物理的構成要素
・各メーカーの戦術の違い
・それぞれの優位性
上記3点を解説していきます。

アナログ実機の動作原理が分かっていればプラグイン選びの基準になるし、購入の際、注目すべきポイントも明瞭になるのでぜひご覧ください。

魔法の物理的構成要素

Open Compressorのようなデジタルコンプは指定した数値やパラメーター通りの挙動を起こしますが、アナログ実機の場合は常に「物理法則」とせめぎ合っています。

アナログの特徴として「非線形」「時間変化」「状態依存性」の3つに集約できます。
これらはそっくりそのままデジタルで再現が難しい理由になります。

つまりざっくり言うと、特性そのものと言うより「特性が揺らぎながら変化する」事がデジタルは苦手であり、アナログ実機の持つ不完全ゆえのエラーであると言えます。

1.変圧器のヒステリシスと位相変化

多くの名機(1176、LA-2A、APIなど)は、入出力に音声信号を変圧する「トランス（変圧器）」を通します。このトランスによって音が変わると言う話は皆さんも聞いた事があるかも知れません。

ヒステリシスと言うのは、現在の入力だけでなく、過去の履歴（変化の過程）に依存して変化する現象のことです。

音楽的にどのような効果があるかというと、低レベル信号(リバーブの余韻やブレス)に対して独特の倍音を付加し、聴感上の「密度」を向上させます。
→「小さな音が前に出てくる」「質感がザラッとして存在感が増す」

また、トランスを通った際に低域の遅延が発生し位相が変化します。
これにより、キックやベースのアタック成分が時間軸上でわずかに滲みます。

結果として鋭かったピークが「丸みを帯びたパンチ」に変わります。これがアナログに通したことで「耳に痛くないのに迫力がある」という音の正体です。

2.光と時間の記憶

LA-2Aはオプトタイプのコンプレッサーである、と言うのは聞いた事あるでしょうか。

そのオプトタイプの心臓部であるセル（発光＋受光）は、強い光を受け続けた（＝強いリダクションがかかり続けた）場合、暗くなるまでの時間にラグがあります。
それは、どのぐらいの強さの光をどのぐらい浴びていたのかによる物理的な「熱」や「残像」を記憶することでリリースや次の圧縮の挙動が変わると言う事です。

これが「歌い出しは速く反応するのに、サビの終わりではゆったりリリースされる」という、デジタルでは再現が難しい音楽的な挙動を自動で生み出します。

あばん

スポットライトとか浴び続けると…

もーだん

ずっと熱いし目の奥に残像が残るもんね。

3.電源電圧の変動（サグ）

今回勉強した中で一番面白いのがここでした。
サグは、瞬間的に電圧が通常よりも低下する現象のことです。

これが音楽的に何をもたらすかというと、キックのような低周波かつ大エネルギーの信号が入力されると電圧が瞬間的に下がります。

そうすると、同時に鳴っている高域成分（ハイハットなど）を巻き込みながらコンプレッションとは異なるメカニズムで「キックが鳴った瞬間に全体が少し吸い込まれる」という独特のグルーヴを生み出します。

これがあの「接着感（Glue）」の正体の一つです。
バストラックで使われるコンプレッサーにはこのような特徴が備わっています。
つまり、電圧というアナログ的で有機的で不可避な欠陥のおかげで魔法のようなグルー感が生まれているのです。

この3つの要素は「時間」や「熱」「電気」などの物理的で有機的な事象と複雑に絡み合いながらアナログの魔法を構成しています。

メーカーの戦い方の違い

それでは、前述したようなアナログの挙動を各メーカーはどのように再現しているのか？
それを紐解いていくと、メーカーごとの「タイプ」や「得意技」の違いが見えてきます。

あばん

この章もめちゃくちゃ面白いんだよね！

もーだん

こんなに違いあるの？！ってなるよ！

1.回路図の絶対信者（代表：UAD）

「音」を似せるのではなく、「電気」や「回路」をシミュレートする「物理モデリング」というやり方です。
回路図に基づき、各電子部品（抵抗・コンデンサ・トランジスタ・真空管・材質など）の物理法則を計算しまくってくれます。

私には詳しいことは分かりませんが、パッと考えるだけでも吐き気を催す計算量が必要になる事がわかるでしょう。
各パーツ × 素材（短いトランジェント、長い持続信号、複雑な和音）× 周波数 × …など音楽に必要な要素が多すぎるそれらの相互作用までシミュレートしなければなりません。
そして、前述したような「熱」「時間」なども計算すると想像すると、もはや感謝しか出てきません。

あばん

お金払わせてくださいってなるよね…

もーだん

セールとかしてくれてほんと感謝だよね…

2.狂気のサンプリング（代表：Acustica Audio）

上記のような膨大な計算をすっ飛ばして、入力と出力の関係性を大量にサンプリングする手法を取っているのがAcustica Audioです。

「Aという音を入力したらBになった。じゃあCもやってみよう。」を大量に行い「反応そのもの」のデータをサンプリングしています。

特徴としては、回路図から計算するのではなく、実機そのものの出力を録音してデータ化するため、モデリングでは再現しきれない「空気感」「個体の癖」「経年劣化の味」などの質感を完コピできます。
ただ、膨大なデータを扱うためマシン負荷はかなり高くなりやすいです。

音源で言うとMODO BASSとTrilianの違いのようなものでしょう。

MODO BASSの場合は、物理的に再現(シミュレート)するため、容量が小さく「っぽい音」が表現できるという高い利便性があります。

逆にサンプルベースのTrilianはライブラリ容量がかなり大きくCPU負荷も大きめですが圧倒的な「質感」「リアル感」が特徴です。

これはそのまま上記2社の違いや優位性に当てはまります。

3.個体差を科学する（代表：Plugin Alliance Brainworx)

全く同じものがこの世に無いように、アナログパーツには必ず「誤差」があります。
同じギターでも、製造ロットや個体差によって必ず音が違います。

この部分をBrainworxは各パーツをランダムに変動させたモデルをシミュレーションして72種類（チャンネル）作り出しました。
これにより、各パートやチャンネルごとに微妙な差異が生まれデジタルにはない「ワイド感」「深み」「滲み」「立体感」を生み出します。

あばん

実際のコンソールの再現という意味では…

もーだん

ここが一番理にかなってるかもね。

３パターンどれもデジタルには無いアナログの不完全さを再現・構築しています。

それぞれの優位性

ここがブログの核心部分になるでしょう。
実機を保有している人は少なくプラグインで代替している人がほどんどでしょう。
ここでは「どちらが優れているか」ではなく、「物理法則の壁」と「計算機の可能性」の対比として話を進めていきます。

アナログが出来ること

無限の解像度

デジタルオーディオには「サンプリングレート」と「ビット深度」という「階段」が存在します。サンプリングレートの44.1kHzは1秒を44,100分割した状態のことです。

デジタルの場合、必ず量子化されるのでこの「階段」と言う「段差」が存在します。
非常に鋭いアタック（マイクロ秒単位のピーク）がサンプリングの「隙間」に入った場合、デジタルではそのピークの正確な形状やエネルギーを完全に捉えきれません。

しかしアナログの場合1秒を無限に分解できるため、物理上情報の欠落は存在しないと言うことになります。

インピーダンスの相互作用

実機では、プリアンプとコンプレッサーをケーブルで繋いだ瞬間、電気回路がつながり、相互に影響を及ぼし合います。

DAW上のプラグインスロットは一方向にデータ処理を行なっているだけですので、アナログチェーン接続による「一体感」や「予期せぬトーン変化」は、相互干渉がもたらした実機特有のものだと言えます。

予測不能の状態変化

前述してきたことそのものなのですが、各パーツの材質・温度・電圧・劣化具合など多種多様な要素が混ざり合い特性を変化させたりノイズを加えたりします。

その特性変化やノイズが音楽的に心地良いと評価されているのは皆さんの知るところではありますが、この特性を完全に再現するためには、
・無限に近い状態変数
・長時間の履歴保持
・膨大な計算量
が必要になり実質不可能となっています。

デジタルが出来ること

完全な再現性とリコール

前述の項をひっくり返すとデジタルプラグインの優位性が1つ立ち上がります。

厳密に言えば2度と同じ音が出せない実機に対し、いつでも同じ音を出せると言うのがプラグインの最強の優位性です。

・温度が変わらない
・経年劣化がない
・電源電圧が揺れない
・個体差が存在しない

これらを敢えて再現する手法もありますが、「完全に同じ音を再現出来る」と言うのは、言うまでもなくデジタルだからこそ出来ることでしょう。

あばん

プラグインが劣化して修理が必要…

もーだん

そうなったらもう怖くて使えないよ…

未来を見る先読み（Look-ahead）機能

物理世界では「未来の出来事を見てから現在の行動を決める」ことは不可能です。
しかしデジタルでは、バッファを用いることで「数ミリ秒後の信号」を先読みできます。

それがコンプレッサーやリミッターに搭載されている「Look-ahead」と言う機能です。

これにより、「ピークが来る5ミリ秒前」にゲインを下げ始めることができるため、「歪みを一切発生させずに完全にピークを止める」という物理的に不可能な挙動（Brickwall Limiter）が可能になります。

位相線形性の制御

「リニアフェイズEQ」と言う言葉を聞いたことはあるでしょうか？
それについての話です。

アナログEQやフィルタは、周波数を変化させると必ず「位相ズレ」が発生します。
勿論プラグインでも変化はするのですが、「リニアフェイズEQ」を使えば、位相を全く変化させずに周波数特性だけを変える事ができます。

難しいことは分からないのですが、入力信号の全帯域を「同じだけ遅らせる」ことで、相対的な位相関係を崩さないEQとのこと。
つまりこれもデジタル的に時間を操っているので実機には不可能な挙動となります。

まとめ：魔法の正体

Open Compressorを手にしてしまったばっかりにこんなブログを書いてしまいました。

そもそもの発端を思い出すと、各パーツや構成要素や歪みを再現する事が出来る「Open Compressor」があればもうアナログプラグインはお払い箱になるのか？と言う疑問でした。

もし、そうであるならば各メーカーがこんなに鎬を削って新製品の開発をするはずが無いと思い、今回の「アナログの魔法」に関するリサーチ＆執筆を始めました。

あばん

なんだか長い旅路だったね…

もーだん

リサーチ含めて4日ぐらいかかってるよ…

冒頭述べたように結論、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

電圧・電流回路・経過時間・熱・劣化・ノイズ・個体差…などの現実世界ではどうしようもない「物理法則」によって、望む望まないに関わらず、あらぬ挙動を生み出しました。

本来それは忌避すべき「欠陥」でしたが、それがなんだか音楽的であると気付き、先人たちが使用と調整を続けてきた結果、今日の歴史的な「名機」が作られ今の音楽文化を彩っています。
「判断が早い」「どう使っても破綻しにくい」と言うのは先人たちが音楽的なチューニングを積み上げてきた「技術的文化」の上に成り立っています。

そして今日では、様々なメーカーがあの手この手でその「不確定性」や「相互干渉」というデジタルが苦手な部分をいかに矛盾なく実装するかの技術を競い合っています。

ここまで連綿と繋がってきたアナログとデジタルの歴史を振り返ると、私が知ったのは例え氷山の一角だったとしても畏怖と敬意を覚えざるを得ません。

クラークの第3法則そのもの

Open Compressorはデジタル系のコンプレッサーとして認識しています。
それはクリーンであり、正確なコンプレッションという現象の純粋な形そのものです。

一方で、実機もしくはアナログエミュのプラグインは、挙動やノイズなどを含めた「音楽的文化」を提供してくれています。
そして同時に即物的に「使えばなんかいい感じになる」を提供してくれます。

SF作家 アーサー・C・クラークの有名な「三法則」の第3法則として有名な下記の言葉があります。

「十分に高度な科学技術は、魔法と見分けがつかない」

このブログの結末にするにはやや鋭すぎる気もしますが、まさに言い得て妙だと思います。

しかし私なりに言い換えるなら下記になります。

音楽において魔法とは「理解不能なもの」ではなく、
理解した上であえて選ぶ「非合理」である。

知っていても知らなくても選んだ先にある音が目的なのですから、選ぶ事自体が目的化してしまわないように留意して音楽制作に役立てていこうと感じました。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

今回はmy new gearをお届けするよ！

もーだん

しかも2個！

「創造性を刺激する」「使いやすい」「高音質」の3拍子揃った製品を生み出すExcite Audio。
しかも価格もお手頃でDTM初心者の方に非常に優しいメーカーと言う印象が強くあります。

今回はその中から2製品の音源レビューをお届けします。

どちらも「使いやすくて高品質」が私の中での結論になるのですがそれぞれ深掘っていきたいと思います。

Excite Audio「Bloom KSHMR」

製品概要

ドラムサークル、タブラ、シタール、バンスリ、そして表現力豊かなボーカルパフォーマンスなど、250種類以上のプリセットを網羅。それぞれのサウンドにはKSHMRならではの独特のセンスが注ぎ込まれ、インド、南アジア、そしてボリウッド風のオーケストレーションを彷彿とさせます。Bloomのシーケンサーエンジンと強力なエフェクトによって、息づくサウンドが鮮やかに表現されています。

外部サイト(Plugin boutique)

世界的プロデューサーKSHMRとタッグを組んで開発されたこのプラグインは、エスニックの香りが漂う、他のプラグインでは得られないインスピレーションをもたらしてくれます。

あばん

インド音楽…？作ってる曲に合うかな？

もーだん

打ち込むのとかめちゃくちゃ難しそうだしね…

その心配は無用です。

インド音楽独特のノリやフィールはいくらでも楽曲にマッチさせることはできるし、ワンショットやループオーディオを鳴らす「サンプラー型」の音源なので難しいアーティキュレーションを設定する必要はありません。

むしろ指数本でめっちゃかっこいいトラックを数分で作ることが出来ます！

40分ぐらいで制作した短い曲が下記になります。
かっこいいやつをただ並べただけなのですが曲として形になっています。

詳細なEdit(編集)画面

プリセット表示の右側にある「Edit」ボタンからサンプルの再生方法や細かい編集を行うことが出来ます。

PlayBack
各4タイプが用意されているのですが大体「Hold」か「Oneshot」で事足ります。
Hold→ノートが押されている間、サンプルを再生します。
Latch→ノートを押すたびに再生と停止が切り替わります。
Relative→直前に再生した位置から再生されます。ノートのON・OFFで再生位置が変わります。
Oneshot→ワンショットモードで再生されます。

Speed＆Choke
再生速度を通常(normal)・倍速(double)・半速(half)から選べます。
Chokeでは同じ番号に設定したグループ内のサンプルが新たにトリガーされると、先に鳴っていたグループ内のほかの音を強制的にミュートします。

その他にも、アタック／リリース、パン、ボリューム、ピッチなどの編集が個別で可能です。
後述するシーケンサーやモジュレーションでステップ毎に調整する事もできます。

また、波形表示＋スナップ(グリッド・トランジェント)で再生領域の選択も可能です。

シーケンサー＆モジュレーション

シーケンサー
ステップ数や再生レートが設定できますが、ここではスウィング度合いや5タイプを把握しておきましょう。

レーンでは、トリガーやピッチ・アタック&リリースなど8つのパラメーターをステップ毎に設定ができてメリハリの効いたシーケンスを制作できます。

下記3つだけでも押さえておくと複雑みや意外性のあるビートになりやすいです。
Trigger→指定したステップで音のオンオフを設定します。
Probability→指定したステップで音が鳴る確率操作します。
Perform→演奏パターンを追加することが出来ます。

演奏パターンにはロールやゴーストノートなどの細やかな奏法が搭載されているのでアクセントとして指定するとよりいきいきとしたビートになります。

Fullscreen

シーケンサーレーンの右下にある「Fullscreen」の枠をクリックすると全画面表示でシーケンサーA〜Eの設定を確認することが出来ます。

内容は前述したシーケンサーの内容と同じですが、シーケンサーを組むのであればこちらの全画面表示の方が直感的に理解しやすいでしょう。

モジュレーション
シーケンス全体にエフェクトを適用することが出来ます。オートメーションを使って動きのあるエフェクトを使用できます。
ピッチやボリューム、フィルターなど王道エフェクトを使用可能です。

オートメーションを書くことも出来ますが「プリセット」と「ランダマイザー」も結構有用で、面白い動きのあるビートを組むことが出来ます。

豊富なエフェクト＆マクロコントロール

3つのエフェクトとグローバルエフェクトの微調整が可能です。

トップページのアイコンからでも簡易的に調整をする事もできます。

「ダイナミクス」ではトランジェントやコンプレッサーの調整を行い、「リバーブ」では空間の響きを作るのですが、「ノイズ」というパラメーターは個人的にとても面白いと感じました。

NOISE

再生モードが3種類あって、
Constant→常にノイズが再生され続ける。
Dynamic→トリガーとなる信号とシンクロしたように動的に鳴る。
Ducked→信号とダッキングしてトリガーが鳴ると小さくなり、トリガーが止まると音が大きくなる。
という感じです。

Constantであれば、ずっとレコードノイズやカセットヒスを流してLo-Fi感を出す事もできるし、少しうるさいと感じればDuckedに変更する事もできます。

そしてDynamicであれば様々なノイズの質感を音源に足すことが出来ます。
スレッショルドの設定も可能なので強い音が鳴ったら足して、弱い音の時は何もしないというのが設定できるのが面白いところです。

GLOBAL

ハイパス＆ローパスフィルターやトーン、MIX量の変更などがありますがここでは4つのノブによってマクロに音の質感をコントロールすることが出来ます。

EDIT画面でも設定はできますが、トップページからも簡単にアクセスできるようにアイコンが置いてくれてあります。

伝統×最先端＝新しい表現力

Bloom KSHMRはエスニックな雰囲気を持つ民族楽器特化の音源プラグインです。
しかし、それが狭い範囲だけのニッチなものではなくどんな曲調にもマッチできる新しい可能性を秘めたものだと感じています。

個人的なおすすめの使い方は、各プリセットの中で組まれている「シーケンサーA〜E（C#3〜A#3の黒鍵）」を鳴らしてインスピレーションを爆発させることです。

このプリセットのシーケンサー自体が非常に優秀で、「これが僕が作った曲です」と言いたくなるぐらいかっこいいものばかりなのでぜひそこから始めてみてください。

外部サイト(Plugin boutique)

Excite Audio「Evolve Alloy」

製品概要

Evolve Alloyは、鮮やかなグロッケンシュピールやベルから、インダストリアルなフォーリー音、そしてメタリックでモダンなシンセサイザーまで、250種類以上の音源を収録しています。その結果、力強くインパクトのあるサウンドから、きらめきと軽やかな響きまで、シャープで表現力豊かなサウンドパレットが誕生しました。

4つのレイヤーからサウンドを構築し、XYパッドでレイヤーをブレンドし、メタルにインスパイアされた4つのマクロエフェクト（Sharpen、Rust、Vibrate、Spring）で出力をシェイプアップ。Evolve Alloyは、デュアルフィルター、無限のモジュレーションポテンシャル、そして16のエフェクトモジュールを搭載し、250種類のプリセットとサウンドデザインの可能性を広げます。

アンビエントやミニマリズムの澄み切ったベルのような音色、インダストリアルテクノの共鳴する金属的な擦れ音、現代のハイパーポップのエネルギッシュな音など、Evolve Alloy はこれらの複雑なサウンドの奥深い音響を、アクセスしやすく直感的に表現できるように設計されています。

外部サイト(Plugin boutique)

前述したBloom KSHMRが人の呼吸が聞こえる音源だとするなら、このEvolve Alloyは無機質でひんやりとした感触のする音源だと言えるかも知れません。

この音源の特徴はやはり「メタリックな音」ということでしょう。
「鋭さ」「迫力」「輝き」「透明感」がキーワードとなるような音色ばかりです。

あばん

金属っぽい音って探すの難しいんだよね…

もーだん

なかなかシンセでは出しづらいからね…

メイン画面

EDITボタンを押せば隠れていたウィンドウが出てきて詳細な編集が可能になります。
ここでのコアとなる独自機能は下記の通りです。

4レイヤーの音源エンジン
各エンジンにサンプルかシンセ波形を選択することが出来ます。
サンプルが沢山収録されており1つずつ地道に聞いていくのも楽しいし、サイコロマークを押してランダムにサンプルを切り替えていくのもいいでしょう。

XYパッド
中央のXYパッドで、前述のエンジン間を動かして音を自在にブレンド出来ます。
また、エフェクトを適用すればリアルタイムに音が変化するモーフィングが可能です。

3スロットFXチェーン
デュアルフィルターを含め、16種類のエフェクト（リバーブ、ディストーション、サチュレーション、ディレイなど）を自由な順番で配置できます。

よく見る重要なエフェクトがずらりと並んでいますが「Speaker」と「Noise」は面白いと思ったので解説します。

Speaker

DEVISE→携帯電話やノートPCと言った小型のスピーカーのエミュレートです。
CABINET→ギターのキャビネットのエミュレートです。
Hi-Fi→ハイエンドスピーカーシステムをエミュレートしています。
NO SPEAKER→スピーカーをバイパスして信号を直接入力します。

Size→スピーカーのサイズです。
Age→音の品質、どのぐらい劣化させるかを設定します。
Depth→スピーカーから仮想マイクまでの距離です。
Mix→原音とエフェクト音のミックス量です。

Noise

前述したBloom KSHMRと同じようにノイズをレイヤーして独特な質感を付加することが出来ます。違うのは「Ducked」つまりダッキングモードがないのでトリガーされた信号と一緒に音を鳴らすことになります。

SOURCE→どんなノイズを付加するかを選択します。
Thresold→このスレッショルドを上回った時にノイズが再生されますが、最小にするとコンスタントモードになりずっとノイズが鳴り続けます。
Release→信号を下回ってから音が鳴り止むまでの時間を設定します。
Level→ノイズレイヤーの音量を設定します。

4つのマクロエフェクト

Evolve Alloyのマクロエフェクトは、金属質の個性や表情をすばやくコントロールできる直感的ツールです。
各マクロには明確な役割と、サウンドデザイン上の使いどころがあります。

左から順番に解説していきます。

Sharpen

• 用途例
  • ベル、グロッケンなどのアタック感をより強調したい時。
  • リード音や金属打楽器サウンドに鋭さ、パンチを追加したい場合。
• 最適な使い方
  • ローパス＋ハイシェルフ的な組み合わせなので、高域を明るくしたい時に徐々に値を上げるのが吉。
  • 攻撃的なトラックやEDM、ポップのリードシンセの存在感アップにも効果的でありドラムやパーカッション強化にも使える。

Rust

• 用途例
  • 新品の金属音を“ヴィンテージ”や埃っぽい風合いに変えたい時。
  • アンビエント、ダークな映画音楽で時代や空間を演出したい場合。
• 最適な使い方
  • 微量で“やや使用感”、大きく上げるとノイジーさやディストーション感が加わる。
  • 声やサンプル音にも「使い込まれた」感を足したい時に最適。

Vibrate

• 用途例
  • 金属棒や弦の共鳴＆揺らぎを強く表現したい場合。
  • パッド、テクスチャ音源に“揺れる”ニュアンスを加え、動きや立体感を与えたい時。
• 最適な使い方
  • モジュレーションと組み合わせてLFOで揺らぎを自動化すると有機的なサウンドに発展。
  • 普通のベル→幻想的な水面感・サイファイ的うねりを加えたい時に徐々に増やすのがおすすめ。

Spring

• 用途例
  • スプリングリバーブのような響きやトランジェント後の“跳ね返り”感を演出したい場合。
  • インダストリアル・ロックやエクスペリメンタル系の「機械的・不思議な響き作り」に。
• 最適な使い方
  • スネアや打楽器系サンプルの“余韻”にアクセントを与えたり、全体に金属らしい弾性を追加。
  • 空間系エフェクトの前段に薄くかけると立体感が向上するが、強く適用すると「跳ねる」「びりつく」金属感が強調されるため用量を調節して使う。

ピッチトラッキングとランダマイザー

このプラグインを使用する上で押さえておきたいポイントが2点あります。
各サウンドウィンドウの右上にあるキーボードマークは意外と重要なアイコンです。

ここでキーボードの音階に追従してサンプルのピッチを変更するかどうか、所謂「ピッチトラッキング」のオンオフが設定できます。

メロディを奏でたい、音階を設定したいと言うことであればオンにするべきですし、FXや効果音的に使うのであればオフにしていた方がサンプル独自の質感を失わずに済みます。

また、ランダマイザーもかなりおしゃれで有能です。

ランダマイザーで変更したくないものは隣のアイコンからチェックを外しておきましょう。
全部変更してもいいし、エフェクトだけ変えたいと言うのも可能です。

そしてサイコロアイコンをクリックすると設定がランダマイズされるのですが、スライダーを長くすればするほど、サイコロが転がれば転がるほどランダマイズの値は大きくなります。

「少しだけ変えたい」「ガラッと変えたい」がこのUIで表現できるのはデザインの勝利だと感心しました。

現代の金属系サウンドを手早く作成

金属的サウンドを中心に据えながらも、あらゆる音楽ジャンルに革新的なサウンドデザインをもたらしてくれます。

あばん

プリセットがまた優秀なんだよね…！

もーだん

金属っぽさやガラスっぽさがあるよね。

キラキラするようなパッドやどす黒くて鈍いベースなど表現の幅の広さは、前述した収録サンプルの豊富さ・高品質さに由来するものです。

他の音源では得られない独自の音色とインスピレーションを得るために是非使っていただきたいと思える音源でした。

外部サイト(Plugin boutique)

素敵な「まいにゅーぎあ」

“直感的で創造的なソフトウェア”を提供するという理念のもと設立されたExcite Audioの2製品を紹介しました。

解説と言えるほど、難しい要素が無く「分かりやすく且つ高品質」に使えるという使い手ファーストの良い製品だったと思います。

今までエフェクト系の記事や解説が多かったのですが、音源の解説もいいなぁと個人的には思いました。
ぜひ反応、コメント等お待ちしています。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

あれ？最近、こんな感じの記事と動画を…

もーだん

投稿したばかりじゃなかったでしたっけ？

タイミングが良いのか悪いのか…。
先日「SUNOのステムはMIDIに変換すべし」的な動画＆記事を上げたばかりでした。

タイミングとしてはこの動画の翌々日にSUNOの大型アップデートが発表され、「SUNO Studio」がpremierプランの方向けに登場しました。

これはDTMをやっている人間としてチェックしない訳にはいかないと、早速確認してきました！

本記事では「MIDIステム」について特に掘り下げた記事にしていきます。
DTMでDAWに慣れ親しんでいる人にとってはこの「MIDI」の精度が気になるところかと思います。

触った感じSUNO Studioについてはかなり学習コストが取られそうな感じがしたのでしっかり使えるようになってまた別の記事でやっていこうと思います。

今回の内容としては以下の3つです。

・率直な印象
・MIDIステムを実際に触ってみた
・今後到来しうる未来

率直な印象

いきなり結論なのですが、「MIDI出力は大きなニュースだが、時代を変えるほどの実用レベルかと言うとそうじゃない」です。

ちょっと辛口な気もしますがこれが正直な気持ちでした。
多分DAWを使っているミュージシャンや音楽家の方ならほぼほぼ同意見になると思っています。
理由としては、下記の3つです。

MIDI自体のクオリティ

ここが一番の肝ですよね。
ドラム、ベース、ギターなど各パートをMIDI出力してみたのですが、あまり実用的だとは思いませんでした。

・ドラムMIDI
キックとスネアは読み取ってくれるがハイハットがあまり読み取られていないです。
それぞれのノートマッピングの意図があまり分からなかったです。

・ベースMIDI
主要な音はそれなりに抽出してくれました。
青紫色の短いノートはフレットノイズやゴーストノートを表しているのだと思うのですが、逆に不自然になってしまっています。

・アコギMIDI
ギターのMIDI演奏は個人的にめちゃくちゃ難しい部分だと思うので、まぁ仕方ないかなと思っています。

調整に手間取りそうなMIDI

ベロシティも一定だったり、規格通りにマッピングされている様子もありません。
変なキースイッチが働いているのか？と思うぐらいに余計なノートが散見されます。

強いていえば、ピアノ系はまだMIDIの音階がはっきり識別されている感はあります。
しかし、音価の長短が今ひとつな感じも見て取れました。

ピアノ系、ベース系、ボーカル系ならまだマシかと思いますが、それ以外は余計な修正に時間を取られてしまいそうな気がしています。

曲のテンポの揺れに引っ張られている

SUNO Studioを触っていて気付いたのですが、SUNOの曲は結構テンポが揺れます。

これがMIDIに反映されているので、自分の曲に取り込もうとするとちょっと面倒なことになります。
これが良さといえば良さなのですが、DAWに取り込んで作業をするとなると…。

あばん

変なストレスがかかりそうじゃない？

もーだん

というよりこれはちょっと致命的…？

もしかしたらSUNO側の設定でテンポを一定にすることが出来るかも知れないので、一応頭の片隅に入れておいて欲しい情報です。

Melodyneとかの方が優秀…？

ピアノ系はまだ聞き取れるし、そこまで破綻してない旨を前述しましたが、正直私の場合、Melodyneを使ってMIDI出力するほうが修正が少ないように感じました。

そもそもSUNOステム音源自体に他のパートの被りが入ってたりするので、そこの検出や分離精度が向上すれば大きく改善していく様な気がします。

実際に触ってみた

基本的には上記3点をなぞるような形になりました。

やはり、もう一歩欲しいという印象ですが、折角アップグレードしたので色んな曲でMIDIステム出力を試して見ました。

きっと流れで見てもらった方が良いと思うので良かったら下記の方をご覧ください。

早まった気がする…。

今回の大型アップデートが来たときに勇んでアップグレードしてしまったのですが、もしかして「MIDI出力」だけならプロプランでも出来た可能性があります。

表示が少し変わって「Get Stems/MIDI」となっていてSUNO studioに入らずともできる様な気がしてしまうのです。

分かる方、ProプランでMIDI出力出来たよ！という方は良かったらコメント等で教えてください…。

そして注意…

そして念のため、補足しておきますが、今回の記事ではAIの進化や新機能について貶めたりする気持ちは一切ないことを改めてお伝えしときます。

確かに現状ではやや物足りず、変なMIDI出力によって変な音が鳴ってしまうこともありますが、それを小馬鹿にするといった意図は無いです。

もし不愉快な気持ちになった方がいれば申し訳ありません。

今後到来しうる未来

私が今回出力されたMIDIを触って検証していて思ったのは「音楽生成AIが初めて出てきた時みたい」ということでした。

あばん

最初の頃はまだ音質とかも良くなくて…

もーだん

まだまだこんなもんかー！って思ったよね。

まさに、「あぁ、まだこんなもんか」という印象でした。

しかし、SUNO Studioには「Beta V1.0.0」の文字があります。

まだ上位プランユーザー向けのベータ版であり、これからの進化の伸び代を多く残しているという方が正しいような気がします。

ぜひ先立って投稿されたSUNOステムの使い方の動画も良かったらご覧下さい。

ゆくゆくは、DAWのように貼り付けられたMIDIをSUNO内で編集したり、楽器の音色を変えたり出来る様になって来るのだと思います。

DAWを使って日々音楽作りに励んでいる方を勝手に私は同志だと思っています。
DAWの様にSUNOが使えると言っても、現時点で「DAW」を使えているほうがアドバンテージがあるのはまず間違い無いでしょう。

現状の生成AIの進化の観測点としてこの記事が世の音楽家のためになれば嬉しいです。
また何か新しい発見があれば共有させて頂きますのでぜひお楽しみに。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

音楽生成AIってどう使えば良いんだよ…

もーだん

出来上がった曲をそのまま出したくないしなぁ。

SNSで生成AIの作った曲が聞かれるようになって久しい今日この頃。
AIアーティストなるものも生まれてきていて進化が著しい限りです。

そんなAIの力を自分の創作活動に活かしていきたいと思ったけどなかなか先に進めずにいる方も多いのではないでしょうか？

「AIの力を何か導入したいなぁ…」
「けど、曲は自分で作って行きたいし…」
「ちょうど良い塩梅の使い方ないかなぁ…」

そんな皆さんに今回はSUNO AIのステム分離を使用したDTMについてお届けして行きます。

内容としては以下の3つです。

ステムをMIDIに変換
リアレンジしてみた
注意点

ステムをMIDIに変換

SUNOのステム分離精度

3曲をステム分離してみました。
それぞれ雰囲気やジャンルの違う楽曲で分離精度がどのように変わるか確認してみます。

最大12パート分離とのことですが、私がやってみた感じでは7〜9パートぐらいに分離されました。

そして出力はMP3とWAVが選べますが今回はMP3でやってみました。
WAVは多少高音質になる分、分離生成にかなり時間がかかっていたので今回は諦めました。

1.80年代テイストのレトロインスト

2.エネルギッシュなアンセムロック

3.柔らかなピアノとローファイ曲

いかがでしょうか？

各パートごとに多少の精度の違いこそあれど、音は聴き取れるし充分な使い心地ではないでしょうか？
ドラムなどはこのままサンプルとして使いたくなるぐらいですね。
ボーカルも非常に聴き心地よく進化しています。

曲全体としてボーカルの隙間を開けるためにボリュームの変化があったり、オケだけ聞いてみると意外とシンプルだったりというのは大きな発見でした。

あばん

伴奏にいろんなパート追加したくなっちゃうけど…

もーだん

最小限でも充分かっこよくなるんだね。

MelodyneでMIDIに変換

今回はキーボードをMIDI変換します。
コード楽器はギターもあるのですがステムの分離精度やMIDI変換の難度の関係によりあまりお勧め出来ません。

耳コピをしたりDAWの機能を使ってコードを分析してみるのも良い方法でしょう。

以前書いた記事ですがStudio Oneのコード解析機能を紹介しています。

Melodyneで「ポリフォニック」のアルゴリズムで解析してもらったら、MIDIを書き出してDAWに戻すだけで簡単にMIDIに変換することができます。

無料の変換方法

調べてみると「Topmediai」というウェブツールでも出来るみたいです。

Topmediai音源・MIDI変換：音源を即座にMIDIへ変換可能

TopMediaiの高性能音源・MIDI変換ツールで音源を瞬時にMIDI化。メロディやコードもすぐに抽出！

まぁ、DTMにAIを導入していくという趣旨なので恐らくご覧の皆様は何らかの方法をお持ちかと思いますが、念の為。

リアレンジしてみた

せっかくなので3曲目に作ったピアノボーカル曲をリアレンジしていきます。
ボーカルはそのまま使って他のパートを音源プラグインに置換していきます。

ドラムはUJAMのCOZYを使ってみたり、アコギは自分で弾き直したりなど。

ステム分離時には「Synth」として書き出されていたパッド系の音もストリングスの方が柔らかくて良いだろうと思いNIのストリングス音源にしました。

オートメーション等は全然書いておらずMIDIノートの位置などを調整しただけとなっています。

出来上がり

ボーカル入りと無しVerをそれぞれ比べてみました。

あばん

うーーーーむ……。

もーだん

正直、甲乙つけ難い…。

やはりSUNOは暖かさもありながら非常にバランスの取れたものでした。
そして、私の方はよりLo-Fi感を出しながら優しさを重視したアレンジになったと思います。

MIDIの調整やら、ギターの録音やら、バランス整えたりやらでなんだかんだ2時間ぐらいかかったような気がします。

それでも、ここまで自分が自由にできる余地がある曲は、AI曲といえどもかなり愛着が湧いてくるのでは無いでしょうか？

注意点

MIDIと音源は必ずしも一致しない

やってみて思ったのがピアノのサスティンペダルとかは当然考慮されていないので、MIDIノートが実音より長く伸びてきます。
また実録の音ではなく生成された音なのでMIDI変換がうまくいってないパターンもかなりあります。

それにより不自然に音が切れたり重なったりしてしまう部分があるので上手く調整しましょう。

あばん

その調整のひとつひとつが…

もーだん

更なるオリジナリティを産むんだね！

私もリアレンジ中は原曲を聞き返して「こう鳴っているのか…じゃあこうアレンジしよう！」を繰り返していました。

MIDIと音源は必ずしも一致しないことを念頭においておけばかなりの作業スピードの向上が見込めます。

BPMを合わせる

これも当然なのですが、SUNO曲とBPMを合わせておいた方が楽に作業できます。
グリッドが適切な位置に無いだけでかなりやりづらいです。

もし可能であれば、楽曲を生成するタイミングで、BPMを指定しておくとその周辺で生成をしてくれるのでBPMを合わせるのが楽になります。

初歩的なことですが、見落とさずに調整しておきましょう。

ステムの見るべきポイント

構成楽器
パートごとの音色変化
副旋律のフレーズや伴奏

今回やってみて、各パートの担当音域がある程度棲み分けされていることの大事さを改めて感じました。

ベースがいる時にはピアノは中〜高音域を埋めて、ベースがいなくなると低音域を使う、とか。

構成楽器自体は多くなくても、各楽器の出し入れで曲の展開は作れる、とか。

伴奏はシンプルでもボーカルが入ると曲になるぐらい声の存在はデカい、とか。

ステムから学べることは正直かなり多いです。

もちろん、曲全体からインスピレーションを得ても良いし、ステムの１パート、例えば、ギターリフなどからガラッと作り替えても良いしと、汎用性はかなり高い気がします。

欲張ったことを言うなら、もっとドライで高音質なステム分離ができるようになれば、キックだけ抜いたり、ループサンプルとして使いやすくなるだろうなと感じます。

耳コピはプロの技を盗む大事な方法ですが、ステムを使ってのリアレンジは勉強にもなるし制作物にもなる一石二鳥状態です。

ぜひ、このような方法でのAI導入を試してみてください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

新しい音楽生成AIですって？！

もーだん

Suno一強かと思ってた！

Tunee AIという次世代エージェント型音楽生成AIをご存知でしょうか？
Sunoで作られた曲がネット上で耳にする機会が多くなった昨今、新しいAIが誕生しました。

今回は、このTunee AIを試してみた使い心地や音質などのレビューをお届けします。
DTMとの相性が非常に良いAIだと感じました。
後述しますが創作意欲がめちゃくちゃ湧きます。

内容としては以下のとおりです。

正直な品質レビュー
「対話型」で難しいプロンプト不要
Suno AIとの比較&各機能紹介

サービス概要

次世代AI音楽エージェント | Tunee

Tunee（会話型AI音楽エージェント）とチャットして音楽を作成しましょう。AIエージェントを使ってもっと賢く、もっと簡単に音楽制作ができます。今すぐ無料で試してください！

8月末に大型アップデートが入り現在はウェイトリストという形で順番に利用が可能になっていくみたいです。
有料プランもありますが、無料プランでも「現状」は十分使えるし楽しめています。

TUNEE公式サイト

今はベータ版とのことなので正式リリースが入ったら諸々の機能に制限がかかってしまいそうなので(特に後述するステム分離など)体験するなら今のうちかも知れません。

正直な品質レビュー

生成した音楽例(一部抜粋)

いかがでしょうか？
個人的な感想としては以下のとおりです。

日本語ボーカルがちょっと微妙
トータルはSunoの方が上
でも曲がSunoよりもグッとくる

正直Sunoの方が品質としては全然上だと思います。
編曲やアーティキュレーション、表現力やボーカルの日本語発音など、Sunoの進歩が目覚ましいと言わざるを得ません。

調べてみるとAIは自社開発オリジナルモデルである「TemPolor」と併せて「Suno」も使われているみたいです。

ただ、SNS上でSunoっぽい音楽を聴き飽きているのか、Tuneeの作る楽曲が私にグサグサ刺さります。
そして音質等がまだ甘いので、「俺が作り直したい！！」と創作のモチベーションがめちゃくちゃ湧きます。

あばん

AIとともに共作する感じなのかな？

もーだん

もっとこう出来る！みたいな甘さがあるのかな？

Sunoの曲を聴いてた時には無かった感情がここまで掘り起こされたのは私自身非常に驚きました。

難しいプロンプト不要の「対話型AI」

ざっくりオーダーでも汲み取ってくれる

ここがTuneeの非常に良いところなのですが、対話形式で曲作りがスタートします。
Sunoはプロンプトで曲のジャンルなどを指定しなければなりませんが、Tuneeの場合ざっくりしたオーダーでも内容を読み取って３パターン提案してくれます。

「楽しい感じ」「青い海」「カラフルな世界」みたいなざっくりとしたオーダーでも可です。

対話が始まって、今回は2番で生成をお願いしていきます。
そうすると「パーソナライズされたプラン」ということで3STEPに分けて生成が始まっていきます。

ステップ 1: 音楽プロンプトを作成

このプロンプトを自動で作ってくれるのですが、このプロンプトはSunoにも使い回しすることができます。

ステップ 2: 歌詞を執筆

そして、歌詞を自動で作ってくれます。
まぁ好みは分かれる部分ではありますが、やはり日本語ボーカルが入ってくれるだけで楽曲のイメージや受け取る印象が大きく変わります。

ステップ 3: 楽曲を生成

そしてSTEP3で生成完了となり2パターン作ってくれます。
もし気に入らなければクレジットを消費してさらに2曲生成することができます。
計4曲生成して私のお気に入りがこちらです。

あばん

いやぁ…めちゃくちゃいいね…。

もーだん

もはやちょっとズルいんだよなぁ…。

インスピレーションモード

さらに凄いのが、アップロードした画像や映像を解析して楽曲を生成する機能です。
言葉なぞ使わずともAIが汲み取ってくれるので、詳しい音楽の知識や専門的な言葉を知らなかったり、曲のイメージが湧かないみたいなところからでも曲作りをスタート出来ます。

例えば、下記のようなオーダーをしてみました。

Tuneeからの返答が下記です。

女性ボーカルなら、きっとこの画像の雰囲気をやさしく彩ってくれそうですね。

わあ、なんて幻想的で魅力的な画像でしょう！この一枚から、たくさんの音楽的なインスピレーションが湧いてきますね。

この画像は、まるで深海のステージでライブをしているかのような、不思議で美しい世界を描いていますね。

• 色彩と雰囲気: ターコイズブルーとパステルピンクの髪、そして水色のベースギターが、全体に夢のような、少し神秘的な雰囲気を醸し出しています。水中の気泡や、サンゴのような装飾が、さらにその世界観を深めています。
• キャラクター: ぱっちりとした瞳でこちらを見つめる女性は、どこかあどけなさを残しつつも、ベースを抱える姿は力強く、音楽への情熱を感じさせます。
• 音楽的要素: ベースギターがメインで描かれており、マイクスタンドやドラムの一部らしきものも見えますね。水中の要素とロックバンドの要素が融合しているのがとてもユニークです。

この画像から感じるのは、夢幻的でありながらも、どこか力強さやエモーショナルな響きを持つ音楽の世界です。

素敵なイメージですね！この画像にぴったりな女性ボーカルの音楽アイデアをいくつかご提案しますので、お好きなものをお選びください。

1. 幻想的なポップバラード 水中の夢のような雰囲気を活かし、やさしく包み込むメロディと透明感のある女性ボーカルで仕上げます。

2. エモーショナルなロックチューン ベースギターの存在感を活かし、力強いビートと情熱的な歌声で、画像のエネルギーを表現します。

3. オルタナティブなアンビエントポップ 神秘的な世界観を重視し、浮遊感のあるサウンドと繊細な女性ボーカルで、独特な空気感を演出します。

ご希望のスタイルをお選びいただければ、音楽制作をスタートします！もし他の要素は変更せず、画像の雰囲気のみ反映したい場合は、そのままでも大丈夫です。

めちゃくちゃ読み取ってくれるし、当たり前ですが言語化がとても上手です。

ここで、3番を選んで生成した曲が下記になります。

あばん

Sunoよりもグッとくるんだよなぁ…

もーだん

何でだろ、自分でも不思議なんだよね。

他の画像でもいくつか作ってみました。

生成のとっかかりがあるのは非常に敷居が低くて良いですし、初心者の方でも難しいプロンプトが不要な設計になっています。

Suno AIとの比較

ややTunee推し感は出てるかもしれませんが表にまとめてみました。

前述したように曲全体のクオリティや表現力はSunoの方が上だと思います。
ただ、Sunoの場合有料プランでないと使用できない機能だったり、実装されてないものがあります。

順番に見ていきましょう。

ステム分離

分離されるファイル数はどの曲も固定で、6つのファイルをダウンロード可能です。

分離の精度はまぁぼちぼちです。そんなに優秀というほどでもない感じ。
Otherで楽器がごちゃ混ぜになっているのは少し痛いですが、まぁ許容範囲と言ったところでしょう。

マスタリング

Tunee側でリファレンスを提案してくれてマスタリングをかけてくれます。

正直、ここに関しては自分で出来るし生成された曲をそのまま使うことは考えていないので試してはいません。
それこそ餅は餅屋として、Ozone12などを使えばまた印象が変わる曲になるでしょう。

ただ、ここで生成した楽曲をサブスクに直送する場合などは重宝する機能です。

MV生成

画像生成にはMidJourney、動画生成にはKlingV2.1やDreaminaV3などの外部AIを使用してMVも生成してくれます。

歌詞やプロンプトから雰囲気や景色を汲み取って場面を繋いだMVを作ってくれます。

MV生成手順

手順というほど難しいこともないのですが解説します。

アスペクト比やMVにする曲の範囲を設定します。
曲の長さによって、カット数や消費するクレジットが変わってきます。
私の場合、「20秒で約160クレジット」「60秒(最大）で約480クレジット」でした。

そしてビジュアルスタイルを選択します。
5つ提案してくれるのでお好みのものを選びましょう。
今回は1番上の「Motion Blur Dreams」を選択しました。

ここまで時間こそかかりますが、自動で進んでいきます。
そして生成されたイメージや過程に変更がなければMV全体を生成していきます。

そして出来上がったのが下記です。

別の曲でも作ってみました。

つぎはぎと言った所ではありますが、まぁここまで作ってくれれば上出来と言ったところでしょう。

あばん

しかし、本当AIの進化は凄いよねぇ…

もーだん

なんでも作れちゃうんだね、怖い怖い…

お詫びと訂正

TUNEE本家サイトのプランページにしっかりと記載がありました…。

2025/9/11現在のベータ版は全機能を開放していますが、正式リリースを迎えると機能は制限されてしまうみたいです。

上記の機能、「マスタリング」「ステム分離」「MV生成」はプロプランからの使用となる見込みですので、この場で訂正させていただきます。

雨後の筍、群雄割拠のAI

色んな技能を持つAIが次から次に産まれてくる時代になりました。
Suno AIの1強かと思っていましたがどんどん革新的なアイデアや機能を持ったAIがこれからも出てくるのだと思います。

僕は音楽を自力で作ってきた側の人間ですが、AIについては否定的ではない以上、肯定派に属するのだと思っています。
AIの曲をそのまま発表というのは流石にないですが、そこから得られるものはあると感じています。

KREVA、『Project K』に凝縮された時代の必然性　AI技術を駆使した制作、環境の変…

KREVAが約3年半ぶりの最新アルバム『Project K』をリリースした。新作はラッパーとしての彼の真骨頂を見せるような1枚だ。全11曲で30分ーーとても濃厚な、エネルギーに満ちた楽曲が並んでいる。ソロデビュー20周年のアニバーサリーイヤーを迎え、事務所からの独立など大きな環境の変化を経てきたKRE…

今年の2月にKREVAが出したアルバムについてのインタビューで、生成AIの技術を取り入れていると本人が答えていました。
この記事を読んで、なぜかとても安心したし心強く思いました。

こんな感じで大物ミュージシャンや著名な作家がAIを導入したというニュースが出れば風向きも大きく変わっていくような気がします。
ガラケーVSスマホ論争が過去にあったように、いつかAIが日常に溶け込む日は来てしまうのが実情ではあるでしょう。

そういう中で新しい技術を柔軟に取り入れつつ、自身のスキルを磨いていくことが大事だと感じました。

Tuneeは現在、ウェイトリスト加入により順次使用出来る状態です。
ネットを探すと招待コードを出してくれている方もいますので運が良ければすぐに使用出来るかも知れません。
日本語対応しているので使いやすいし、難しいプロンプト無しで気軽に音楽を作ってみたい方はぜひ使ってみてください。

TUNEE公式サイト

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