あばん

やっぱツールは比較してなんぼでしょ！

もーだん

意外な事実も発覚したしね…！

前回の記事では、Sunoで制作した楽曲をベースに、ボーカルやギター、ドラムなどを段階的に人間の演奏へ置き換えながら、AI Music Detector Comparisonを用いて17パターンの検証を行いました。

となると、当然新たな疑問が湧いてきます。

「どのAI検出ツールも同じなのだろうか？」
「そもそもこれらのツールは信用に足るのだろうか？」

ということで今回は前回のAI Music Detector Comparisonに内蔵されている2つの解析エンジンに3つのAIツールを加えた、5つのツールでの検証比較をしていきます。

「ツールによって何がどう違うのか」
「結局どのパートがAI判定を左右しているのか」を横断的に見ていきます。

なお、ここで紹介する内容は、各サービスが公開している情報に加え、今回の実験結果から読み取れた傾向を組み合わせたものです。
アルゴリズムの詳細は公開されていないため、一部は実験結果に基づく考察であることをご理解ください。

検出データ

SubmitHub

BeatsToRapOn

AI Music Checker

検出ツールと分析結果

ACRCloud (AI Music Detector Comparison)

AI Music Detector Comparisonは前回の記事でしっかり検証しました。
ACRCloudは「特定のリード楽器・主旋律が人間かどうか」によって判定が大きく変わる解析エンジンです。

特にボーカルに重み付けがされており、重要視されています。

しかし、1パートだけAIを入れた時の検出（#7 #8）はすり抜けています。

あばん

AIボーカルの時は見逃しちゃうんだよね…。

もーだん

詳しくは前回の記事で！

SHLabs (AI Music Detector Comparison)

2つ目の解析エンジンである「SHLabs」は特定のパートというよりも「曲全体を占めるAIトラックの量」を重視しています。

ACRCloudの時は#2の時にAI確率が大きく下がり人間判定になりましたが、SHLabsは１パートの変化ではAI確率が覆る事はありません。
「ボーカルを含んだ2パート以上が人間化」した時のみ人間判定を下します。

しかし、#7のボーカルのみAIにした時は「AI判定」となっており、曲全体の比重や量を見ていつつ、ボーカルのような帯域が広く情報量が多いパートがAI化されると反応しやすいと考えられます。

SubmitHub AI Song Checker

新ツール1つ目の、SubmitHubは「総合判定」「Spectral analysis(周波数解析)」「Temporal analysis(時間軸解析)」という3軸で、それぞれ人間/ハイブリッド（人間＋AI）/純粋AIの3つの確率を出しています。

興味深いのは、#1の全パートAIでもハイブリット判定を出した事です。
前回の記事でも言及したように、ステム化をしてプラグイン等で簡易なミックス&マスタリングを施しているのが原因だと思われます。

人間判定が出ているものを見ると「ボーカル＋他1パート以上」が条件であると考えられます。

また、「Spectral analysis(周波数解析)」の判定がかなり支配的で、Temporalが#7は91％の人間判定を出していますが、Spectralがハイブリット判定を出したため、総合判定もハイブリットになっています。

あばん

むしろTemporal解析がだいぶザルじゃないか…？

もーだん

まぁサンプル数が足りてないからね。

BeatsToRapOn AI Detector

新ツール2つ目はBeatsToRapOn AI Detectorです。
このツールは他の4つと違い、単一の総合判定を出さず、8つの指標をそれぞれ10点満点で提示します。

驚いたのが、音源の内容に関わらず、8指標のうち、テクスチャループ・スペクトルロールオフ・ケプストラムアーティファクトの3つは、内容がまったく異なる14パターンすべてで完全に同じ値を返しました。
ダミーの数値なのか、何か14曲全てに同一の癖のようなものがあったのかは不明ですが、ツール全体の信頼性を低く感じてしまう結果となりました。

残りの5つの指標を見ていくと、説明が付くものと全く説明不能な挙動を示したものに大別できます。

位相エントロピー

値は6.5か7.5の2択でした。全14パターンを「DrとBaが両方とも人間か」で分けると、14パターン全てが例外なく一致しました。

特に#8(全部人間・ドラムだけAI)は、ベースは人間なのにドラムがAIなので「両方人間」の条件を満たさず、実際に6.5でした。

マクロ構造

この指標は「パートの量」にかなり素直です。
パート数が増えるほどおおむね右肩下がりです(0パート:7.55 → 8パート:2.34)。

しかし例外なのが、#3のDrのみ人間(8.62)がむしろ全体最高値になっている点です。
ドラムが重要なファクターかというと、#7と#8を比べると大きな差はないので、説明がつきにくい部分です。

リズミック・クオンタイゼーション

値は1か6.5の2択です。
「Vo・Dr・Baの3つが全部AI」という条件で分けると、14パターン中13パターンが一致しました。

しかしここでも例外が出てしまいました。
サンプルの少なさ故でしょうか。

声質の平坦さ

VoがAIのケースは、例外なく全て8.5(合成音声的)でした。

しかし難しいのはここからで、Voが人間のケースを見てみると、Vo＋3パート以上が人間になると全て8.5(合成音声的)の数値を返してきました。

非常に怖い結果です。
自分で全部作ったのにAI判定を出されてしまう可能性を示唆する結果となりました。

エンベロープの一貫性

ここは本当に分かりません。
ほとんど8.5(合成音声的)でしたし、人間的と評価されたのは「#2」「#3.1」「#3.2」の3つでした。

ここまでを見てわかる通り「マクロ構造」の数値以外は、2パターンの数値しか返してきません。
段階的にデータを作り、検証したにも関わらず、徐々に推移していくという挙動は見られず、どの方面で使用されるツールなのだろうと頭を抱えます。

あばん

ま、ま、まぁサンプル数が、ね…？

もーだん

少ないのもあるけど…さぁ…？

AI Music Checker

新しいツール3つ目のAI Music Checker。
このツールは、「予測(人間かAIか)」「AIの確率」「最も可能性の高いAIタイプ」というシンプルな構成です。

そして非常に大きな発見がありました。
それは、前述した「SHLabs」のスコアと比較したところ、小数点以下の誤差程度しか差がなかったのです。

一部抜粋しましたが、全てのパターンでほぼ同じ数値を返してきます。

OEM供給されているのか裏側でしれっと使っているのかは分かりませんが、「最も可能性の高いAIタイプ」の指定まで同じでした。
実際はSunoを使っているのに「elevenlabs」という誤検出まで同じとなると…。

ここでの結果が示したのは、「見た目の違う複数のAI検出サイトが、実は裏側で同じエンジンを使い回している可能性がある」いう全く別軸の視点です。

横断的分析

5つのツール（実質的には4つ）を横断的に見比べてみると上記の表になります。

前回のブログでは「ボーカルが非常に大事」という結論でしたが、改めて見てみるとそうでもない、むしろ逆走の結果を示すことがあると分かります。

そして重要な切り口として「隠れAI」の検出テストがあります。

7パート人間＆1パートだけAI

#7と#8を見比べてみました。
5つ中2つ（SubmitHub、SHLabs系）のみが隠れたAIボーカルを検出しました。
「ドラムだけAI」というパターンに至っては、5ツール全部が見逃していて非常に面白い結果になりました。

しかし、逆に「#3のDrだけ人間化」を見ても、ACR CloudがAI確率を多少下げたものの、他のツールはびくともせず非情にAI判定を出しました。

「ちょっとならAIを使ってもバレない」と思うのか
「頑張って音源打ち込みをしても無意味なんだ」と思うのかは皆さん次第です。

発展途上でイタチごっこ

個人的に感じたことをまとめると、下記の通り。

・1つの検出ツールだけを過信するのは危ない
・そもそも信ぴょう性の低いツールや数値がある
・ボーカルの差し替えは多くのAI検出ツールに有効
・1トラックだけAIを混ぜるのは現時点では検出されにくい

当然、AI側も検出ツール側も発展途上であり壮大なイタチごっこはこれからも続いていきます。
そして、今回の検証で足りない部分、限界も記しておきます。

まず、圧倒的にサンプル数が足りませんでした。
永遠にn=1の話をしているので参考にはなるでしょうが、有効性がどこまであるかは不明です。
ジャンルやアレンジ、ボーカルの性別などが変わればまた結果は変わる可能性があります。

また、今回はSunoをベースにステム分離をして、再構築しましたが、Murekaなどの別のAIを使っての検証もする必要があります。

あとは、とても恥ずかしいのですが私の編曲クオリティの問題もあるかもしれません。
ミックスやマスタリングの質、歪みや位相の取り扱い方でも結果は変わる可能性は大いにあります。

あばん

課題は山積みだね…。

もーだん

少しずつ検証していこうね。

ツール側のアップデートは今後も続いて、検証アルゴリズムはどんどん強化されていくことでしょう。
なので、この記事の数値はあくまで検証時点(2026年7月)のスナップショットである点にも留意してください。

あばん

AI音楽がどんどん規制される方に進むね。

もーだん

まぁアーティストを守るためだからね。

2026年7月15日、音楽ストリーミングサービスTIDALが新しいAIポリシーを施行しました。
内容は「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けて収益化から除外するというものです。

この流れは2026年現在、非常に加速しており、Spotify、Apple MusicなどのプラットフォームもAI生成音楽の規制や排除を強化しています。
また、TuneCore、LANDRなどのディストリビューターには、「自動AI検出システム」が密やかに導入され始めています。

私が聞いた話でも、国内大手レーベルが開発したAI生成検出ツールは「1トラック8小節」でも検出することが出来、場合によっては審査基準を満たしていないとされてしまうそうです。

ここでポイントなのが、前述したTIDALは「完全AI生成曲」にはAIバッチを付けるのですが、裏を返せば、人間の関与がどこかに含まれていれば、この網からすり抜けられる可能性があるということです。

だとするのであれば、どこからが人間の曲か？どこまでがAIの曲か？という線引きを知らないというのは現代の音楽家にとって非常に危うい、何なら「詰みかねない」事態だと言えます。

AI検出ツールと検証の設計

そうなると当然こんな疑問が生まれます。

補助的にAIを使い、そこに自分の演奏を重ねた楽曲は「人間の作品」なのか？
逆に、全部自分で演奏したのに誤ってAI判定されないか？

1トラックだけSunoを使っても「AI曲判定」なのか？それとも1トラックだけ人間が演奏すれば「人間曲判定」なのか？などなど、線引きが曖昧であげればキリがありません。

この答えが出ないまま制作を続けると、全パート人力なのに誤ってAI判定を受け、収益化の対象外にされてしまったり、あるいはAIを部分的に使っただけで楽曲全体がAI認定されてしまう、というリスクを抱えたまま活動することになります。
これは決して大げさではなく、今まさに世界各地で起き始めている現実です。

あばん

いやいや、怖過ぎるでしょ…。

もーだん

確かにそこの線引きは知りたいよね。

そして、調べてみるとその動きに呼応するかのように「AI音楽検出ツール」なるものがたくさん発表＆リリースされています。

その中で今回の検証は、ACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵した「AI Music Detector Comparison」という検出ツールを使用しました。

検証は、生成AI(Suno)で作った曲をステム分離して、1パートずつ私の生演奏、もしくは打ち込みトラックに変化させていき、本ツールでの検出結果をまとめていきます。

さらに、全パート人間演奏の状態からあえて1トラックだけをAI生成に戻すというテストも行いました。
「1トラックだけAIが紛れ込んでいても見抜けるのか」を確認するためです。

またMP3とWavの両方で検証しましたが、ほぼ検証結果に変化はありませんでした。なのでWavの結果を元に話を進めていきます。
書き出しを工夫することでAI検出を逃れられるとは考えない方が良いということでもあります。

予め断っておくと、このツールはAIか人間かを100％断定するものでは無く「AIらしさをどのぐらい検出したか？」という参考指標を表すツールだと考えてください。

検証用データと結果グラフ

今回使った音源データと、表示された結果、そしてそれらをまとめた表グラフを出しておきます。

「どんなクオリティなのか？」
「どんな表示のされ方なのか？」
「結果はどんな感じなのか？」

これらをざっくりと掴んで貰えると次からの検証結果の考察がわかりやすいかと思います。

音源データ

#3.1　VoDrのみ俺

#3.2 DrBaのみ俺

画面のスクショ

結果まとめ

結果①：ACRCloudは「パート」をみる

前述したように、「AI Music Detector Comparison」はACRCloudとSHLabsという2つの解析エンジンを内蔵しています。
それぞれの解析エンジンによっての検出結果の差が非常に面白かったので、一つずつ見ていきます。

まず、ACRCloudの場合、単体の検証結果を抜き出すと下記のようになります。

ここで面白いのは、ボーカルやギターを入れ替えると人間判定が出るのに、他のパートではAI判定のままだと言うことです。

ますここから言えることは、
・ボーカルやギターというAIや打ち込みで再現が難しいものは生演奏ということもあり「人間」判定が出やすい。
・ドラムとキーボードは音源での打ち込みだったので人間っぽさが足りなかった可能性。
・コーラスは生録音だが音量的に小さく判定を覆らせるほどでは無かった

しかし、興味深いのは、#7や#8の1パートだけAIを使った時にACRCloudはそれを「人間判定」にしています。
僕の仮説では、#7がAI判定になってくれると、「ボーカルやギターなどのメインやリードは検出に反映されやすい」と主張しやすかったのですが…。

結果②：SHLabsは「量」でみる

逆にもうひとつの解析エンジンである「SHLabs」の場合、#2(Vo)と#3(Dr)では両方とも90％近くの「AI判定」でしたが#3.1(Vo＆Dr)で両方替えると一気に38％の「人間判定」へと覆ります。

概ね3つ以上、人力制作のトラックが入ってくるとSHLabsは人間判定になりやすい傾向があるようです。
勿論そのパートの役割や音量などの条件によって変わってきますが、8トラック中の3トラックということは大体曲全体の38％ぐらいを人間が作る必要があります。

#3.1(Vo&Dr) #3.2(Dr&Ba) #3.5(Acg&Elg)の3つは2トラックずつ入れ替えたのに評価に差が出たのはやはり「ボーカル」における比重が大きいからなのかも知れません。

しかし、ここでも主張したい内容と逆の結果が1つ出ています。
それが、#7や#8の1パートだけAIを使った時です。

曲全体における量を検出しているのなら、#7は人間判定であるべきなのに「AI判定」を叩きつけています。
ここは今後の研究材料にいたします…。

あばん

なかなか上手くいかないもんだね…。

もーだん

大学時代を思い出すよね…。

結果③：全部人間VS全部AI

この検証は「どこまで人力パートにすればAI検出を抜けられるか？」という大きな問いがありました。
その中で試行錯誤しながら多くのパターンを試してみて示唆に富んだ結果を得ることは出来たのですが、根本的な所がどうしても気になってしまっています。

それが#1(全部AI) と#6(全部人間)の2つです。

どちらも判定自体は間違っていないのですが、あまりにも判定に「遊び」があるのが非常に気になります。
ここの謎が解けないと「全部人力なのにAI判定になっちゃった」に陥る可能性があるからです。

考えられる理由としては、

・そもそも100％の信頼を謳ったものではない

ACRCloudは25％ぐらい、SHLabsも10％程度の余白を残すようにしています。
当然、断定するというのは危険だからという理由が真っ先に思い付きます。

・マスター段のプラグインのせい

各パートを入れ替えて音量を整えて書き出したのですが、その際にラウドネスがある程度一緒になるようにリミッターを使いました。
また、バスコンプも1つ使っています。

もしかしたらそのようなプラグインの挙動が完全AI曲(#1)からパーセンテージを引き下げさせたのかも知れません。

となると、「MIXし直せばAI曲も検出を抜けられる…？」という疑問が湧いてきます。
これは今後の研究課題とさせてください。

・そもそもAI曲だから

それでは完全人間曲(#6)の数値が20％と10％で検出されてしまった理由付けをするのであれば、「メロディやコード進行の構成要素がAIっぽい」というのがあるかも知れません。

個人的には、「それは無理でしょ、いちゃもんでしょ」と思いますが可能性としては捨てきれません。
なのでここも今後の研究課題となってしまいました。

音楽家はどう備えるべきか

今回の検証から見えたことを整理すると、

・どのパートを人間が演奏するかが大事。特にボーカルの比重は大きい。
・楽曲の4割ぐらいを人力パートにすると人間判定が高くなる。
・検出ツールによって見ている箇所が違うので1つのツールを過信しない。
・MIXやマスタリングの工程でもAI検出度は変わる。
・生演奏＞音源打ち込み＞AI生成、ぐらい生演奏は強い。

という感じだと思います。

また、AI検出技術は未だ発展途上だということも分かりました。
現状では「抜け道」的なものがありますがこれからより精度を高めてアーティストや音楽家の利益をより高精度に守ってくれると思います。

何より、人間の力ってすげー！と感じました。
それは、音楽を演奏する「生演奏の力」もそうだし、その培った技術やスキルを絶対守り抜くという「検出ツールの発現と発展」についてです。

勿論、その上を行くように「音楽生成AI」もさらに進化をしていくとは思います。
しかしそれをどのように使うかは相変わらず人間の手に委ねられていると安心しました。

とは言え、現状のツールの挙動を深く理解することは大事だと思いましたし、今後調べていかなければならない部分もたくさん浮き彫りになりました。
なので、次回は他の検出ツールを使っての比較検証をしていきたいと思います。

ぜひ楽しみにして頂けると嬉しいです。

「動画」

この記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

色んなプラグインが出てるけど…

もーだん

内部で何が起きてるんだろうね…？

最近、「Open Compressor」という素晴らしいプラグインを入手し使い込んでいます。
アタック、リリース、トランジェント、倍音……コンプレッサーの挙動を可視化してコントロールできるツールです。

そして、大きなウリとしてSSLやAPIや1176などの名機の挙動を再現できるのですが、UADやWavesが出しているアナログモデリングプラグインがこれで不要になるかというとそういうことでもないなと気付きました。

では、世のエンジニアの皆さんが言う「アナログっぽさ」や「独特の風味」と言うのは一体何を指しているのかと思いめちゃくちゃ調べて勉強してきました。

先に結論を言ってしまうと、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

別の記事で「コンプとフェーダーの違い」を解説しましたが、それの別章だと考えてもらえれば幸いです。

【完全保存版】コンプレッサーとオートメーションの違い、説明できますか？DTMerが必ず知るべき本当の話。 前回別の記事で取り上げたOpen Compressor。コンプレッサーの挙動が分かりやすく可視化されていて私自身勉強になりました。...

ここで語られる内容はプロエンジニアの方にとっては常識的なものかも知れません。

そしてブログ自体文量が多く、至らない点や不備もあるかも知れませんが必ず皆さんにとって新しい知識や視点が得られる記事になります。

・魔法の物理的構成要素
・各メーカーの戦術の違い
・それぞれの優位性
上記3点を解説していきます。

アナログ実機の動作原理が分かっていればプラグイン選びの基準になるし、購入の際、注目すべきポイントも明瞭になるのでぜひご覧ください。

魔法の物理的構成要素

Open Compressorのようなデジタルコンプは指定した数値やパラメーター通りの挙動を起こしますが、アナログ実機の場合は常に「物理法則」とせめぎ合っています。

アナログの特徴として「非線形」「時間変化」「状態依存性」の3つに集約できます。
これらはそっくりそのままデジタルで再現が難しい理由になります。

つまりざっくり言うと、特性そのものと言うより「特性が揺らぎながら変化する」事がデジタルは苦手であり、アナログ実機の持つ不完全ゆえのエラーであると言えます。

1.変圧器のヒステリシスと位相変化

多くの名機(1176、LA-2A、APIなど)は、入出力に音声信号を変圧する「トランス（変圧器）」を通します。このトランスによって音が変わると言う話は皆さんも聞いた事があるかも知れません。

ヒステリシスと言うのは、現在の入力だけでなく、過去の履歴（変化の過程）に依存して変化する現象のことです。

音楽的にどのような効果があるかというと、低レベル信号(リバーブの余韻やブレス)に対して独特の倍音を付加し、聴感上の「密度」を向上させます。
→「小さな音が前に出てくる」「質感がザラッとして存在感が増す」

また、トランスを通った際に低域の遅延が発生し位相が変化します。
これにより、キックやベースのアタック成分が時間軸上でわずかに滲みます。

結果として鋭かったピークが「丸みを帯びたパンチ」に変わります。これがアナログに通したことで「耳に痛くないのに迫力がある」という音の正体です。

2.光と時間の記憶

LA-2Aはオプトタイプのコンプレッサーである、と言うのは聞いた事あるでしょうか。

そのオプトタイプの心臓部であるセル（発光＋受光）は、強い光を受け続けた（＝強いリダクションがかかり続けた）場合、暗くなるまでの時間にラグがあります。
それは、どのぐらいの強さの光をどのぐらい浴びていたのかによる物理的な「熱」や「残像」を記憶することでリリースや次の圧縮の挙動が変わると言う事です。

これが「歌い出しは速く反応するのに、サビの終わりではゆったりリリースされる」という、デジタルでは再現が難しい音楽的な挙動を自動で生み出します。

あばん

スポットライトとか浴び続けると…

もーだん

ずっと熱いし目の奥に残像が残るもんね。

3.電源電圧の変動（サグ）

今回勉強した中で一番面白いのがここでした。
サグは、瞬間的に電圧が通常よりも低下する現象のことです。

これが音楽的に何をもたらすかというと、キックのような低周波かつ大エネルギーの信号が入力されると電圧が瞬間的に下がります。

そうすると、同時に鳴っている高域成分（ハイハットなど）を巻き込みながらコンプレッションとは異なるメカニズムで「キックが鳴った瞬間に全体が少し吸い込まれる」という独特のグルーヴを生み出します。

これがあの「接着感（Glue）」の正体の一つです。
バストラックで使われるコンプレッサーにはこのような特徴が備わっています。
つまり、電圧というアナログ的で有機的で不可避な欠陥のおかげで魔法のようなグルー感が生まれているのです。

この3つの要素は「時間」や「熱」「電気」などの物理的で有機的な事象と複雑に絡み合いながらアナログの魔法を構成しています。

メーカーの戦い方の違い

それでは、前述したようなアナログの挙動を各メーカーはどのように再現しているのか？
それを紐解いていくと、メーカーごとの「タイプ」や「得意技」の違いが見えてきます。

あばん

この章もめちゃくちゃ面白いんだよね！

もーだん

こんなに違いあるの？！ってなるよ！

1.回路図の絶対信者（代表：UAD）

「音」を似せるのではなく、「電気」や「回路」をシミュレートする「物理モデリング」というやり方です。
回路図に基づき、各電子部品（抵抗・コンデンサ・トランジスタ・真空管・材質など）の物理法則を計算しまくってくれます。

私には詳しいことは分かりませんが、パッと考えるだけでも吐き気を催す計算量が必要になる事がわかるでしょう。
各パーツ × 素材（短いトランジェント、長い持続信号、複雑な和音）× 周波数 × …など音楽に必要な要素が多すぎるそれらの相互作用までシミュレートしなければなりません。
そして、前述したような「熱」「時間」なども計算すると想像すると、もはや感謝しか出てきません。

あばん

お金払わせてくださいってなるよね…

もーだん

セールとかしてくれてほんと感謝だよね…

2.狂気のサンプリング（代表：Acustica Audio）

上記のような膨大な計算をすっ飛ばして、入力と出力の関係性を大量にサンプリングする手法を取っているのがAcustica Audioです。

「Aという音を入力したらBになった。じゃあCもやってみよう。」を大量に行い「反応そのもの」のデータをサンプリングしています。

特徴としては、回路図から計算するのではなく、実機そのものの出力を録音してデータ化するため、モデリングでは再現しきれない「空気感」「個体の癖」「経年劣化の味」などの質感を完コピできます。
ただ、膨大なデータを扱うためマシン負荷はかなり高くなりやすいです。

音源で言うとMODO BASSとTrilianの違いのようなものでしょう。

MODO BASSの場合は、物理的に再現(シミュレート)するため、容量が小さく「っぽい音」が表現できるという高い利便性があります。

逆にサンプルベースのTrilianはライブラリ容量がかなり大きくCPU負荷も大きめですが圧倒的な「質感」「リアル感」が特徴です。

これはそのまま上記2社の違いや優位性に当てはまります。

3.個体差を科学する（代表：Plugin Alliance Brainworx)

全く同じものがこの世に無いように、アナログパーツには必ず「誤差」があります。
同じギターでも、製造ロットや個体差によって必ず音が違います。

この部分をBrainworxは各パーツをランダムに変動させたモデルをシミュレーションして72種類（チャンネル）作り出しました。
これにより、各パートやチャンネルごとに微妙な差異が生まれデジタルにはない「ワイド感」「深み」「滲み」「立体感」を生み出します。

あばん

実際のコンソールの再現という意味では…

もーだん

ここが一番理にかなってるかもね。

３パターンどれもデジタルには無いアナログの不完全さを再現・構築しています。

それぞれの優位性

ここがブログの核心部分になるでしょう。
実機を保有している人は少なくプラグインで代替している人がほどんどでしょう。
ここでは「どちらが優れているか」ではなく、「物理法則の壁」と「計算機の可能性」の対比として話を進めていきます。

アナログが出来ること

無限の解像度

デジタルオーディオには「サンプリングレート」と「ビット深度」という「階段」が存在します。サンプリングレートの44.1kHzは1秒を44,100分割した状態のことです。

デジタルの場合、必ず量子化されるのでこの「階段」と言う「段差」が存在します。
非常に鋭いアタック（マイクロ秒単位のピーク）がサンプリングの「隙間」に入った場合、デジタルではそのピークの正確な形状やエネルギーを完全に捉えきれません。

しかしアナログの場合1秒を無限に分解できるため、物理上情報の欠落は存在しないと言うことになります。

インピーダンスの相互作用

実機では、プリアンプとコンプレッサーをケーブルで繋いだ瞬間、電気回路がつながり、相互に影響を及ぼし合います。

DAW上のプラグインスロットは一方向にデータ処理を行なっているだけですので、アナログチェーン接続による「一体感」や「予期せぬトーン変化」は、相互干渉がもたらした実機特有のものだと言えます。

予測不能の状態変化

前述してきたことそのものなのですが、各パーツの材質・温度・電圧・劣化具合など多種多様な要素が混ざり合い特性を変化させたりノイズを加えたりします。

その特性変化やノイズが音楽的に心地良いと評価されているのは皆さんの知るところではありますが、この特性を完全に再現するためには、
・無限に近い状態変数
・長時間の履歴保持
・膨大な計算量
が必要になり実質不可能となっています。

デジタルが出来ること

完全な再現性とリコール

前述の項をひっくり返すとデジタルプラグインの優位性が1つ立ち上がります。

厳密に言えば2度と同じ音が出せない実機に対し、いつでも同じ音を出せると言うのがプラグインの最強の優位性です。

・温度が変わらない
・経年劣化がない
・電源電圧が揺れない
・個体差が存在しない

これらを敢えて再現する手法もありますが、「完全に同じ音を再現出来る」と言うのは、言うまでもなくデジタルだからこそ出来ることでしょう。

あばん

プラグインが劣化して修理が必要…

もーだん

そうなったらもう怖くて使えないよ…

未来を見る先読み（Look-ahead）機能

物理世界では「未来の出来事を見てから現在の行動を決める」ことは不可能です。
しかしデジタルでは、バッファを用いることで「数ミリ秒後の信号」を先読みできます。

それがコンプレッサーやリミッターに搭載されている「Look-ahead」と言う機能です。

これにより、「ピークが来る5ミリ秒前」にゲインを下げ始めることができるため、「歪みを一切発生させずに完全にピークを止める」という物理的に不可能な挙動（Brickwall Limiter）が可能になります。

位相線形性の制御

「リニアフェイズEQ」と言う言葉を聞いたことはあるでしょうか？
それについての話です。

アナログEQやフィルタは、周波数を変化させると必ず「位相ズレ」が発生します。
勿論プラグインでも変化はするのですが、「リニアフェイズEQ」を使えば、位相を全く変化させずに周波数特性だけを変える事ができます。

難しいことは分からないのですが、入力信号の全帯域を「同じだけ遅らせる」ことで、相対的な位相関係を崩さないEQとのこと。
つまりこれもデジタル的に時間を操っているので実機には不可能な挙動となります。

まとめ：魔法の正体

Open Compressorを手にしてしまったばっかりにこんなブログを書いてしまいました。

そもそもの発端を思い出すと、各パーツや構成要素や歪みを再現する事が出来る「Open Compressor」があればもうアナログプラグインはお払い箱になるのか？と言う疑問でした。

もし、そうであるならば各メーカーがこんなに鎬を削って新製品の開発をするはずが無いと思い、今回の「アナログの魔法」に関するリサーチ＆執筆を始めました。

あばん

なんだか長い旅路だったね…

もーだん

リサーチ含めて4日ぐらいかかってるよ…

冒頭述べたように結論、魔法の正体は「構造的欠陥」と「人間の知恵」でした。

電圧・電流回路・経過時間・熱・劣化・ノイズ・個体差…などの現実世界ではどうしようもない「物理法則」によって、望む望まないに関わらず、あらぬ挙動を生み出しました。

本来それは忌避すべき「欠陥」でしたが、それがなんだか音楽的であると気付き、先人たちが使用と調整を続けてきた結果、今日の歴史的な「名機」が作られ今の音楽文化を彩っています。
「判断が早い」「どう使っても破綻しにくい」と言うのは先人たちが音楽的なチューニングを積み上げてきた「技術的文化」の上に成り立っています。

そして今日では、様々なメーカーがあの手この手でその「不確定性」や「相互干渉」というデジタルが苦手な部分をいかに矛盾なく実装するかの技術を競い合っています。

ここまで連綿と繋がってきたアナログとデジタルの歴史を振り返ると、私が知ったのは例え氷山の一角だったとしても畏怖と敬意を覚えざるを得ません。

クラークの第3法則そのもの

Open Compressorはデジタル系のコンプレッサーとして認識しています。
それはクリーンであり、正確なコンプレッションという現象の純粋な形そのものです。

一方で、実機もしくはアナログエミュのプラグインは、挙動やノイズなどを含めた「音楽的文化」を提供してくれています。
そして同時に即物的に「使えばなんかいい感じになる」を提供してくれます。

SF作家 アーサー・C・クラークの有名な「三法則」の第3法則として有名な下記の言葉があります。

「十分に高度な科学技術は、魔法と見分けがつかない」

このブログの結末にするにはやや鋭すぎる気もしますが、まさに言い得て妙だと思います。

しかし私なりに言い換えるなら下記になります。

音楽において魔法とは「理解不能なもの」ではなく、
理解した上であえて選ぶ「非合理」である。

知っていても知らなくても選んだ先にある音が目的なのですから、選ぶ事自体が目的化してしまわないように留意して音楽制作に役立てていこうと感じました。

「動画」

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

何となくは分かるけど…

もーだん

具体的に何が違うんだっけ？

前回別の記事で取り上げたOpen Compressor。
コンプレッサーの挙動が分かりやすく可視化されていて私自身勉強になりました。

【高評価多数】Open Compressorの透明性は本当に透明か？徹底解剖！ Woodstock AudioがリリースしたOpen Compressorについて、最初はGUIも普通だし特に気にしていませんでし...

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そして同時に根本的な疑問がわきました。

「コンプレッサーって結局、音量を下げているだけでは？」
「完璧にボリュームオートメーションを書けば、同じ音になるのでは？」

恥ずかしながら何となくで理解していたつもりになっていましたが、改めて考えてみると言葉に詰まるような問いでした。

今回めちゃくちゃ勉強したのでコンプレッサーとオートメーションの違いを私なりに噛み砕いて分かりやすく解説していきます。

蓋を開けてみれば「なんだそんなことか」となるかも知れませんが非常に奥が深く興味深く、皆さんの制作に活かせる内容となっていますのでぜひご覧ください。

内容としては以下の3つです。
・まず、結論。
・両者の違い
・それぞれの優位性

まず、結論。

前提として「アナログ的な歪み」や「現実的に不可能」というのは一旦置いておきます。

結論から話すと、「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を描くことが出来れば、理論上は全く同じ波形を再現する事は可能です。

あばん

え、可能なんだ…

もーだん

意外だよね、出来るんだね…。

そもそもコンプレッサーは「入力信号」と「設定（Threshold, Ratio, Attack, Release）」
から理想的なゲイン量を算出しているだけで、数学的にはただの「時間変化するボリューム」です。

そして「完璧なボリュームオートメーション」がそのゲイン量を1サンプル単位で完全再現できるなら、2つの出力は数学的にも聴感上も完全一致します。
これは、デジタル信号処理として絶対の事実です。

それでは何故コンプレッサーがここまで重宝されているのでしょうか？
ボリュームオートメーションではカバーできない部分とは何なのでしょうか？

両者の何が違うのか？

音そのものを変化させている

これが最大の大きな違いなのですが、まずそもそもの「動作原理」が全く異なります。
コンプレッサーが入力信号「A」に対して下記のような動作と計算を行います。
・検出（Peak, RMS, Opto）
・アタックによる遅延
・リリースによる戻り
・レシオとニーによる非線形カーブ
・etc…

これにより出力される信号は「B」という別物に成ります。
つまり音の波形やキャラクターそのものを変化させています。

しかし、ボリュームオートメーションの場合は信号「A」自体の波形は変えず音量を上下させているだけです。

トランジェント制御

上記の話にもややかぶってきますが、コンプレッサーはトランジェントの形を変えることができます。
トランジェントとは、音の立ち上がり部分のことで、この勾配(傾き)によってその音のキャラクター(距離感・太さなど)が決まります。

いわゆるアタックやリリースで設定できる部分で、例として出すと…
アタックが10ms → トランジェントは生き残る
アタックが1ms → トランジェントが削られて太くなる
リリース100ms → 余韻が滑らかに伸びる
リリース10ms → パンピングが生まれる

みたいな感じです。
もちろん音のソースによって変わってくるので一例として受け取ってください。

そしてこれらをコンプレッサーは1ミリ秒以下という凄まじい速さで制御しますが、オートメーションでは非常に難易度が高い部分です。

自動ボリューム系のプラグイン

「WavesのVocal Riderなどのオートボリューム系のプラグインがあるじゃないか」と声が聞こえて来そうですし、私も当然そう思いました。

確かにコンプレッサーも入力音に対して設定通りに音量を変化させているのだから結局同じだろうと思いますが、ここでも明確な差があります。

オートボリューム系は「全体の音量を目標レベルに近づける」ために「再生全体の音量傾向」に基づいて調整するため、瞬間的なピーク制御は苦手です。
つまり、コンプレッサーに比べて動作が圧倒的に遅いのです。

コンプレッサーの優位性

両者の違いをある程度理解していただいた上でコンプレッサーが何故ここまで重宝されるのかを説明します。

そもそも現実的に不可能

いきなりですが、割とこれが全てです。

あばん

すごいちゃぶ台返しだね…

もーだん

前提そのものが無茶だったんだね。

前提として挙げていた「非現実的なほど神がかった理想的なボリュームオートメーション」を人力やプラグインの力を持ってしても描くことがそもそも非常に難しいのです。

1/44100秒単位（サンプル単位）で完璧にフェーダーを動かすと言えばその無謀さが理解しやすくなるかも知れません。
よしんば描けたとしても途方も無い時間と労力をそこに割くことになってしまいます。

つまりコンプレッサーとは非常にインテリジェンスな「自動音量調整機」だと言えます。

コンプレッサーによるキャラ作りが秀逸

もうひとつの前提も覆させてください。
「歪み」を抜きにして話を進めてきましたが、歪みや位相変化もコンプレッサーならではの圧倒的な優位性です。
SSLやLA−2Aなどの名だたる名機たちには独自の歪みや色を持っておりそれらを求めてエンジニアたちはコンプレッサーを使用します。

そして前述したトランジェントの成型と合わせて唯一無二のキャラクターを作ってくれます。
この「アナログの魔法」とも言うべき点においてオートメーションは及んでいません。

コンプレッサーは「音量調節機」であると同時に「質感加工機」であると言えます。

「再現ならできる」

冒頭から言っている「再現できる」と言う言葉は割と深くて、コンプレッサーの挙動を真似することは理論上は可能です（いくつかの前提条件付きで）。

しかし、あくまでも再現であってコンプレッサーはその場で倍音構成やトランジェント波形を作り変えることで新しい音を「偶発的に」生み出しています。
入力音のわずかな違いや前後の音の文脈によってコンプレッサーの内部は挙動を変えています。

つまり「コンプレッサーが作った生成物」を後追いで真似しているだけであり、リアルタイムで「音楽的に作用する」プロセスはオートメーションには存在しない
だから、結果だけを見ると似せることは可能でも、プロセス自体は全く違うということです。

あばん

なんだかオートメーションが…

もーだん

不憫になってきたよ…

それでは、オートメーションがどんな時に使えるのか？
優位性や使い分けについて見ていきましょう。

オートメーションの優位性

歪みと音量調節

大きな点としてオートメーションはボリュームを上下させているだけなので歪みません。

コンプレッサーなどの歪みは音楽的に優れている部分も有りますが、本来ノイズや歪みは忌避すべきものです。
音そのものの質感を変えたく無い時や、原音のニュアンスを極限まで守りたい場合はオートメーションの方が優れていると言えます。

そして局所的な調整、例えば、「サビの頭だけ派手にしたい」「この一文字だけ大きくしたい」といった音楽的な演出は、機械的なコンプには不可能です。
人間の感性で細かく描けるオートメーションの独壇場です。

どう使い分けるべきか？

多くのエンジニアはワークフローの中に下記のようにどちらも取り入れています。

① オートメーションで「音量問題」を整える
・句読点ごとに整える
・極端な大小を均す
・目立つ突出を避ける
・オートメーションで基礎を作る

これで聴感上の不安定さを減らしてから

② そのうえで、コンプレッサーで「質感」を作る
・前に出す
・押し出す
・密度を上げる
・ノリを作る
・アタックの速度を整える
・質感を揃える

あばん

先にオートメーションで均すことで…

もーだん

コンプも効きが良くなるって聞いたよ！

理解の難しいエフェクト筆頭

Open Compressorを手にしたばっかりにこんな疑問にぶち当たってしまいました。

それでも色んな記事や動画を見て、勉強した甲斐があると思います。
「理論上は、再現できる」と言う言葉に全てが詰め込まれています。

その場で音楽的な偶然を生成していくコンプレッサーの凄さを改めて実感しました。

こんな気付きをこれからも発信していきます。
応援のほどよろしくお願いします。

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このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

私は「まぁ、なんとなるでしょう」と楽観的に捉えていたのですが、ここに至るまでの経緯を調べていくと、そこには「マネーゲームの犠牲者」となった真のNIの姿が見えてきました。

実はNI社は2度も売り渡されていたのです。

率直な今の感想は「悔しい…」の一言に尽きます。

今回の記事では
現在までの時系列
今後の展望
ユーザーがすべきこと
上記を解説していきます。

NI社のこれまでの経緯

1996〜2016：信頼の黄金期

NI社は1996年にReaktorの開発を目的として創業され、2000年代に入ると次々と伝説的な製品を世に送り出します。

この時のNI社は「独立した自由な開発」「ユーザーの声を反映するアップデート」「音楽の未来を感じさせる情熱」を確かに纏っており、企業としても健全な成長を辿っていました。

時代の風を掴み10年以上業界の王者として最先端をひた走り続けましたが、2010年代後半から少しずつ綻びが見え始めます。

・新製品の開発ペースが鈍化
・アップデートが遅い、または来ない
・競合他社の台頭
・4K/VST3などへの移行の遅さ

これらの不満が徐々に吹きこぼれ始めた時に、最初の大きな分岐点を迎えてしまいます。

2017〜2020：運命の分岐点「EMH Partners参入」

2017年にNI社はEMH Partnersという投資会社から巨額の投資を受けました。

この時点では、EMH Partnersは少数株主で、創業者たちはまだ会社の支配権を保持していました。
つまりNI社は「助けを求めていた」わけではなく、むしろ成長を加速させるためのパートナーシップだと考えていた訳です。

あばん

両方同じドイツの企業だし…

もーだん

理解も合って成長を期待してたんだろうね…

実際、売上60%増、月間アクティブユーザーは150万人に倍増と更なる成長を遂げた訳ですが、創業者主導・プロダクト中心の企業から投資会社主導の利益・成長率重視の企業へ変質したのを当時のユーザーは見逃しませんでした。

そして、2019年に1日で100人以上が解雇されるという事件が発生します。

「ベルリンとLAチーム間の対立」「サブスクリプション派 vs 従来製品派」などの内部崩壊と混乱が進む中、コロナ禍対策と業績向上のために翌年の2020年にEMH Partnersは更なる巨額の追加投資を行います。

このタイミングで会社の過半数所有権を達成し、実質的な支配権が創業者からEMH Partnersに移りました。

最初は、文化を守り共に成長を求めるパートナーだったはずなのに、ここから事態は急変します。

2021〜2024：新オーナーとLBOという「劇薬」

2021年1月、EMH Partnersは、NI社の過半数株式を、より大きな投資会社Francisco Partnersに売却します。

ここで用いられたのがLBO (レバレッジド・バイアウト)という手法で、私はここでマネーゲームの恐ろしさとNI社がここまで転落した原因を知ることとなりました。

つまり、NI社は「自分を買い取った主人の借金を、自分の稼ぎで返済する」という地獄の無限ループに放り込まれたということです。
そうなると、利益は全て自身の借金の返済に回されるので、人件費や開発費などは後回し・コストカットとなります。

これが、ユーザーが指摘していた「製品の放置」「サポートの崩壊」の真の原因でした。

さらにiZotope、Plugin Alliance、Brainworxと言った有力企業を次々と買収してSoundwideという新ブランドを立ち上げました。

あばん

当時発表された時は胸踊ったよなぁ。

もーだん

まさに銀河系軍団だもんね…。

しかし、こうした背景を見てみるとユーザーのためではないことが今となっては分かります。ただ、Francisco Partnersが複数の会社をまとめて「時価総額」を釣り上げ、高値で売り抜けるための化粧に過ぎなかったということです。

シナジーを期待されていたものの、強引に統合を進めたことで、Native Accessのバグや不具合が止まらず混乱を極めます。
2024年にも大規模リストラ（開発者・サポート要員大量解雇）を行い、「サポート体制の崩壊」「製品開発の停滞」「約束の不履行」などにより内部崩壊と信頼の毀損の一途を辿っていきます。

LBOとは？

調べていくと、LBOというのは「投資会社に圧倒的に有利な仕組み」です。

LBOは「投資会社がノーリスクに近い形で、ハイリターンを狙うためのギャンブル」の手法です。
NIがどれだけ素晴らしいソフトを作っても、その利益はまず「自分を買うために作られた借金」の返済に消えます。

何故、LBOを受け入れたのか？

個人的には「救済の一手」としてであって欲しかったですが現実は、「経営側がそれを受け入れざるを得ない状況」に追い込まれたとき、救済の顔をしたLBOが成立するケースも多く、NI社はまさにそのグレーゾーンに位置していたと考えられます。

・成長鈍化
・ハード（Maschine / Kontrol）とソフトの収益モデル破綻
・サブスク転換の失敗
・開発リソースの分散
・iZotope / PA買収による統合コスト増

これらを抱えていたNI社は、
「単独では立て直せないが潰してしまう訳にはいかない」
「今の値段でもいいから買ってくれる所を探そう」
という魂胆があったのだろうと推測されます。

2025〜現在：救済失敗から破産手続き

2025年11月11日、EUは投資会社BridgepointとBain Capital Creditの2社が、Francisco PartnersからNIを共同買収するという通知を受領し、承認しました。

しかし、取引は完了せず、2026年1月27日、NIは予備的破産手続きに入ったという我々の知るニュースとなりました。

ここでのポイントは以下の通りです。

Francisco Partnersも売り抜けようとした

個人的に一番やるせないのが、結局NI社を駒にしてマネーゲームをしていたんだと言う現実です。

調べていく中でこのようなLBOは3〜5年の短期サイクルで売却益を得ると言うのがスタンダードらしく、劇薬とも言える投資形態です。

ドサっと資金を入れ、強引に成長させて、運良く劇薬が適合し生き残れればWin-Win。
劇薬に耐えられずに終わったとしても借金はNI社持ちなのでFrancisco Partnersはほぼダメージ無し。

こう書いてみるとアニメで悪の組織が強い手駒を作るために民間人を実験体として色々しちゃう、的なあのシーンが頭をよぎります。

思えば最初のオーナーであるEMH Partnersも4年で売却しているので、最初からその目論見だったのかもしれません。

結局のところ、よくあるLBOの常套パターンに組み込まれて、魔改造を施され心も体もボロボロになったのがNI社と言うことです。

新たな買い手が割に合わないと判断

何故、EUが承認したのに取引が完了していないのか？の答えは明快です。

割に合わないと判断したからでしょう。

・負債が大きすぎる
・収益の大幅な下方修正があった
・リスクがリターンを上回った

などの憶測はいくらでも立ちます。

しかし、それほどに内情は深刻なのかも知れません。

今後の展望

ここからは、「事業継続可能か」「どの資産をいくらで売却するか」を1〜3ヶ月で判断します。
各メディアで言われている通り、即座の清算と言うわけではないので、すぐに製品が使えなくなると言うことはありません。

ただ、ここから先の動きを我々ユーザーは注視していく必要があります。

切り売りの対象は？

個人的に最も可能性が高いと考えているのは、Plugin AllianceとiZotopeが最初に売却されるというシナリオです。

理由としては、下記の通り。
・独立性が高い: これらのブランドはNIのコアシステムと深く統合されていない
・後から入ってきた: 2021年〜2022年の買収で追加されたため、分離しやすい
・個別に価値がある: 単独でも十分な市場価値を持つ
・債務の軽減: これらを売却することで、NI本体の債務を減らせる

iZotopeのAI技術、PAの膨大なアナログモデリング資産は、他社から見れば非常に魅力的な「商品」でしょう。

逆に、Kontakt、Massive、Maschineなどのコアコンテンツはハード・ソフトの垣根をこえたシステムを構築しています。

特にKontaktは他のサードパーティメーカーの製品も多く関与しているし、NI社の根幹みたいなところがあるので、ここが切り売りされるというのは考えづらいです。
と言うよりも個人的に考えたくないような気持ちです。

万が一、買われたとしても、NI社の独立性を尊重し、クロスプラットフォーム開発を継続させてくれたらいいなと希望を持っています。

前述した、Plugin Alliance・iZotopeは何らかのライセンス変更やサブスクプランの変更などはあるかも知れません。

考えうるマルチエンディング

このニュースを知って、どんな所が買うんだろうか？と思いを巡らせていると、先日発表された「Fender Studio Pro」のことを思い出しました。

Fenderは2021年にPreSonusを買収し、5年間Studio Oneの開発を継続しており、長期的な開発支援を行ってきました。

「FenderはPreSonusを何か別のものにしたいのではなく、あるがままの姿で買収した」と言う当時の明確なビジョンが示す通り、大きな変化もなく、ここまできています。

また、2005年には、SteinbergをYamahaが買収しました。
当初こそ懸念されましたが、YamahaはSteinbergの独自性を尊重して、結果としてCubaseは業界標準を守り抜き、Windows/Mac両対応を維持し続けています。

別パターンですが、Cakewalkのパターンもありえます。

時系列をざっと話すと、
→2013年にGibsonがRolandから買収
→2017年にGibsonが開発終了を発表
→2018年にBandLab Technologiesが資産を購入
→無料DAWとして復活
と言う流れです。

一旦、開発が止まったとしても、再起をすると言うパターンはあり得ます。
そう言った意味でも音楽に愛のある所に引き取ってもらえるのが理想形ではあります。

あばん

そう言う未来だったら嬉しいね！

もーだん

でもそれって、あのパターンもあるよ…？

個人的バッドエンディング

勿論、表面的にやばいケースというのはあります。

その1つは、製品開発が完全に凍結され、ライセンスが無効化されて、誰も使えなくなることです。
あって欲しくないと思っていますし、それは現状の製品・ブランド価値的にも考えづらいと考えています。

それよりも私が恐れているのは、Appleに買収され、Logic Pro専用になり、他のDAWで使えなくなる未来です。

Appleの囲い込み

Appleは、音楽ソフトウェア企業を買収して自社エコシステムに統合し、他のプラットフォームを切り捨ててきた過去を持っています。

2002年にはAppleがEmagicを買収し、その主力商品であったLogicを手に入れました。
そしてWindows版の開発は中止され、Logic ProとしてmacOS専用DAWに進化して今日まで至っています。

また、2015年にはCamel Audioを買収し人気のあったAlchemyシンセサイザー、サウンドライブラリ、エフェクトプラグインを手中にし、AlchemyはLogic Pro Xに統合され、現在も主要シンセとして使用されています。

SteinbergとYamahaの時にもHALionをCubase専用にしましたが、VST3版を作ることで他DAWとの互換性を残しています。

もし、iZotopeのRXやOzone、あるいはKONTAKTのエンジンがAppleに買収され、「これからはMacのLogic専用です。Windows版と他DAWへのVST供給は終了します」と言われたら……。

あばん

Logicユーザーは歓喜だろうけど…

もーだん

これは本当救いが無さすぎる。

私たちができること

NIが誰の手に渡るか、サーバーがいつ止まるか、もはや誰にも分からない状態です。
「ある程度の猶予はある、製品は残る希望がある。」
とはいえ、今のうちにやっておくべき防御策について考えてみました。

・ステム（全トラック書き出し）の完全実施
　Kontaktなどの音源トラックを使っている場合はWAVに書き出したりバウンス機能を使ってオーディオにしておく。

・インストーラーとライブラリの物理バックアップ
　インストーラー(exe/dmg)、Kontaktライブラリ、購入シリアル、NIアカウント情報などを外付けストレージに保管したりスクショで残しておく。

この辺りでしょうか。
非常にめんどくさいですが自衛のために私もやろうと思います。

悔し過ぎる全貌

冒頭で述べた通り、このニュースは「悔しい」。
ずっと愛用してきたツールが、マネーゲームの犠牲になりました。

思えば、2017年のEMH Partnersから何かが変わってしまったのかも知れません。

実は、Avid（Pro Tools）やImage-Line (FL Studio)にも似たような資本が入っていて囲い込みも行われていますが、現時点では大きな問題にはなっていません。
改めて、パートナー選びの大事さを痛感します。

では、我々、音楽家のパートナーとはなんでしょうか？

愛用している楽器？
パソコンのソフトウェア？
バンドメンバー？
あるいはお客さん？

色々浮かびますが、私は「リスナーとしての自分」だと思います。

もう1人の自分を楽しませるために、自分が「これかっこいい！」と思えるために、手と耳と心を動かしながら作曲をしているように感じます。

確かにNI社は愛すべきツールです。
しかし、自分というパートナーの信頼を失わないために、これからも作り続ける使命があります。

今は、前述したような自衛をしつつ、せめてFenderやYamahaのような、音楽への愛がある企業に救われることを祈りながら今後の動きを注視していきましょう。

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あばん

アルバムをサブスク配信するぞー！

もーだん

一切合切を解説していくぞー！

「自分の曲を配信してみたい。」
「どうやってやるかわからない。」
そんなお悩みをお持ちの音楽家さんいらっしゃるのではないでしょうか？

今回は、私が活動している「アバンdeモーダン」の6thアルバム「歴史の残滓」のサブスク配信登録の様子を解説していきたいと思います。

私が使っているディストリビューターは「Tunecore Japan」なので同じような境遇で困っている人の役に立てたらいいなと思います。

TuneCore Japanって？

TuneCore Japanは、国内外55以上のストリーミングサービスへの配信を業界最安クラスの利用料で実現している日本のディストリビューターです。
ざっくり言うと「音楽配信代行会社」です。

ここにジャケットや音楽データなどを登録すると各サブスク(Apple MusicやSpotifyなど)に音楽を配信してくれたり著作権を管理してくれたりします。

今まではPay Per Releaseという1年単位・1リリース毎に料金を支払うプラン体系でしたが、この度定額でリリースし放題というUnlimitedプランが誕生しました。

このプランに乗り換えたというのも今回のサブスク配信のきっかけであります。

詳しい解説やプランの選び方などは下記の記事でも解説しています。

【どのプランがおすすめ？】TuneCoreJapanのUnlimitedが来た！プラン料金や内容比較や違いを考えてみる！ 以前からアナウンスされていたTuneCoreJapanのUnlimitedプラン。早期アクセス版の案内が来た！というツイートもX等...

私は、Standardプランにしています。

楽曲登録作業

ダッシュボード画面

現在リリースされているアルバムや直近の再生数が確認できます。

「リリース登録」と書かれている右上の青いボタンからスタートしていきます。

あばん

おお、いよいよワクワクだね！

もーだん

難しい作業とかもないから安心してね！

ジャケット・リリース情報の登録

ジャケット画像についての注意事項は、
正方形で、縦横3,000px以上のJPGまたはPNG形式
アーティスト名、作品名以外の関係の無い情報を記載しない
他人のロゴやキャラクターを不正使用しない

の上記3点が主な注意点です。

「楽曲もオリジナルなんだしジャケットもしっかりオリジナルのもので行こうぜ！」
という感じです。

「歴史の残滓」というタイトルやアルバムの紹介文を掲載できます。
紹介文は任意ではありますが、サブミットの利用時やLinkCoreに掲載されるので書いてみることをおすすめします。

楽曲情報の登録

「楽曲を追加する」という場所から先に進んでいくと、楽曲情報の登録が始まります。

登録必須の内容は、
楽曲区分
オリジナル・カバー・アレンジなどの区分を選択します。
よほど「オリジナル」を選択しておけば良いと思います。

タイトル
メインアーティスト
インストゥルメンタル
ボーカルの有無の選択です。

暴力的な歌詞の有無
楽曲の言語
著作権管理
JASRAC / NexToneに委託しているかどうかです。

ループ素材やフリートラック、生成AIの有無
詳しくはこちらから確認してみてください。

著作者・役割
サポートメンバーやエンジニアがいれば追加で記名することが出来ます。
私たちの場合は全部セルフでやっているので「ボーカル」と「プロデューサー」のみを選択しています。

となります。

あばん

こう見てみると結構多い…？

もーだん

はい・いいえを選択するだけだからしんどくないよ！

任意でタグやムード、楽曲の説明文を登録することができます。
プレイリスト編成時の参考になるみたいなので、ムードやタグぐらいは設定しておいてもいいかも知れません。

ちなみに私はしました。

音源と歌詞の登録

音源をアップロードして各種情報を登録していきます。

音源ファイルの規格は以下のとおりです。

任意ではありますが「楽曲の再生位置」を設定できます。
個人的には「視聴再生位置」「ショート動画再生位置」の2つは設定しておいた方がいいでしょう。

歌詞の登録

ここまで事務的な作業が多かったですがこのパートは結構楽しいです。

歌詞の表示タイプが2つあるのですが「行同期」で進めていきます。

おすすめの方法としては、まずメモアプリなどで歌詞の体裁を整えます。
ここで、歌詞の区切りや、間奏時の改行を済ませておきます。

次に、それを白枠内にコピペします。
この行の増減などは後で変更しようとすると結構面倒なのでメモ帳の時点で整えておきましょう。

そして、楽曲を再生しながら歌詞の歌い出しのタイミングで「セット」を押し続けていきます。
左側にタイムスタンプが押されていけば順調に進んでいます。

曲の最後まで進んだらプレビューで実際に上手く同期されているかを確認して「保存して閉じる」を押します。

配信ストア選択

配信ストアを選択できますが、かなり多いので画像中のように一括で設定するのがいいと思います。

1曲単位、アルバム単位での価格を設定できます。

あばん

自分の曲に値段が付くなんて…

もーだん

なんだかドキッとするね。

販売開始の希望日も設定できます。
一応希望日なので各配信ストアでの審査によっては遅れが出る可能性があることも考えておかないといけません。

アカウント情報&決済&確認

ここからはもうサクサクです。

登録完了の後…

特にすることはありません。
お知らせのメールが来たりするので希望した配信日が来るのを心待ちにしましょう。

サブミットを使う場合プロモーションが入ったり、公式プレイリストに選出されたりする場合があるのですが、現状Standardプランではサブミットの使用ができません。

悩ましい部分ですがここがProプランを検討する余地のある部分ですね。

ということで

あばん

これで自分の曲が全世界に流れるんだね…

もーだん

本当に素敵な時代に生まれたよ…！

今回配信登録をした「歴史の残滓」というアルバムが9/5から配信開始となります。

私はTunecore Japanというサービスを使っていますが、もっと年額が安かったり無料のものもあったりするのでぜひ調べて全世界配信にチャレンジしてみてください。

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あばん

効率的な作業環境が欲しいんですが…！

もーだん

DAWの設定からまずは見直してみよっか！

ショートカットキーのTIPSはネット上に沢山ありますが、なんかもっと良い感じの無いかなぁ…とお困りの方にお届けしたい記事となっております。

私があれこれ試して導入する中でこれは便利！まじで使えるよ！というものを10個かき集めて今回ご紹介させていただきます。
その中には「Ctrl＋Cでコピー」とか「Dで複製」とか基本的なものは省いています。

「趣味&初心者の域を抜け出して中級者になろう！」をモットーに運営していますので必ずやお役に立てる記事になっていることでしょう。
そして、私がStudioOneを使用しているので、その前提で書いていきますが他のDAWを使用している方にも何かヒントになる項目があれば幸いです。

おすすめ設定10選！

1.ノート色をベロシティ別に変更

これは知っている方も多いかもしれませんが、デフォルト設定ではこうなっていないので設定しておくと便利です。

赤っぽくなる程ベロシティは高くなり、青～紫になる程低くなるように表示されます。

ベロシティがノリを左右するドラムトラックにおいてゴーストノートを置く場面などに重宝する設定です。

2.ブロックサイズの切り替え

私は「作編曲時」と「ミックス時」でサンプルレートを切り替えています。
PCパワー的に厳しいんだけど、動かしたい音源やプラグインがある場合に有効な方法なのでぜひ覚えておいてください。

オプション(Ctrl＋,)からオーディオ設定→デバイスブロックサイズから変更できます。

お使いのオーディオインターフェースによって使用可能なブロックサイズが変わってきますが、一般的に小さい数字だとCPU負荷が高くなるけどレイテンシーは抑えられます。
つまり、リアルタイム入力や録音がしやすくなります。

逆に曲のパーツは出揃って、ミックスやマスタリングをしていくタイミングになると、色んなプラグインを挿していく事になるので、ブロックサイズを大きくしていきます。
レイテンシーが物凄いことになって録音は出来たもんじゃありませんが、プラグインは割と軽快に動かせるようになります。

3.トラックの表示&非表示

ミックスコンソールとアレンジビューにおいて、各トラックの表示非表示を切り替えることが出来ます。

各トラック名の左側にある白い丸を押すと灰色に変化します。
そうしたらトラックは非表示になります。

ミックスコンソール
ボーカルの録音などで不要になったデータや打ち込んでみただけのインストゥルメントトラックを非表示にしておくと画面がスッキリして効率よく作業が可能になります。
ただ、音は鳴るので、フェーダーを下げておくなりミュートにする必要があります。

私はコンピングを終えた不要なボーカルデータが2～5トラック程生まれてくるのでフェーダーを下げて隠しています。

アレンジビュー
他のトラックの音を見ながらアレンジを整えることが出来ます。
ピアノを見ながらシンセのフレーズを考えたり、パッドやストリングのアレンジにめちゃくちゃ有用です。

結構初歩的かなと思ったのですが、知ってるのと知らないのとでは雲泥の差なので紹介してみました。

ちなみに、右側にある鉛筆マークを青色に点灯させるとグレーアウトしているノートを触ることが出来るようになります。
ノートをまとめて移動させたり消したりするときには有用ですが、うっかり大事なノートを消してしまったりしがちなので使う時は要注意です。

4.音価を設定するショートカット

ここからは私がおすすめするショートカット設定を紹介していきます。
StudioOneで作業する中で作業効率めちゃくちゃ上がるので使ってみてください。

また、私が設定しているショートカットキーが皆さんのDAWで空いている(何もアサインされてない)とは限らないので、参考程度にしてご自身なりのカスタマイズをしてみてください。

上記のGIFで全て説明が終わってしまうのですが、音価を切り替えるショートカットは本当に便利です。
私は「Shift＋数字」で選択したノートの音価を変更するようにしています。

PAD系の打ち込みの時や、ドラムトラックのノートをスッキリさせる時に重宝しています。

5.ヒューマナイズをショートカット設定

右クリックを押して「音楽機能」を表示させた先に「ヒューマナイズ」という機能があります。
これは「ランダマイズ」とも呼ばれ打ち込んだノートの位置とベロシティを微妙にずらしてくれる機能です。これにより、グリッド線にぴったりと沿った機械的な演奏から人間らしい揺らぎのあるトラックにすることが出来ます。

これは本来であれば、ひとつずつ微妙にずらさなければなりませんが、この機能を使うと一括でノートをランダムにしてくれるので便利な機能の1つです。

私の場合、ヒューマナイズで少しだけの変化を10回ぐらい繰り返します。
こうすることによって、より自然で変にならない程度の揺らぎを得ることが出来ます。

設定は「Ctrl+H」にしていて直後にEnterを押すと1秒以内でヒューマナイズが完了します。

上記のGIFで私の作業感が伝わるでしょうか…？

あばん

は、はええぇぇぇぇぇぇ…

もーだん

わずかに少しずつノートが動いてるんだよね…

6.レガート+オーバーラップ修正の設定

「音楽機能」は本当に便利な機能が沢山入っていて「長さ」というコマンドを「ー」(数字の0の横のほ)というキーに割り当てています。

前述した、「4.音価のショートカット」や「5.ヒューマナイズ」を使用すると意図せずノートが重なってしまう場面によく遭遇します。
それらを1発で解消できるのがこの「長さ」機能なのでセットで使用してもらえるとより効率的になります。

レガート
次のノートまで音を伸ばします。

オーバーラップ修正
重なっている部分を修正します。

レガート+オーバーラップ修正
上記の両方を適用してくれます。

私が使用しているのは「オーバーラップ修正」です。

7.マーカートラック表示の設定

私はマーカートラックを使用して全体の曲の長さを調整しています。
大体の曲の長さをイメージする時のために3分を目安にデフォルト設定しています。

だいぶ地味ではありますが、毎回黄色枠内のマークからマーカーにチェックを入れる手間を考えるとショートカットキーとはかくあるべしと思います。

8.コードを抽出するショートカット

弾いたギターのオーディオファイルや打ち込んだMIDIトラックを選択して「＠」を押すとコードを抽出するように設定しています。

9.ベロシティの乗算の設定

入力したMIDIのベロシティがバラバラ過ぎて均したい時に使っています。
上記のGIFで適用していった際のベロシティ同士の差が縮まっているのがお分かりになるでしょうか？

ベロシティの大小の差を埋めるには「乗算」を使用します。
1.0以上にも設定できますが、そうなるとどんどんベロシティが大きくなってしまうので、0.8ぐらいでいい塩梅になるまで適用するのが私なりのやり方です。

「5.ヒューマナイズ設定」でもそうでしたが、1回で大きく変化させるより、少しずつ何回か変化させる方が好みです。
そしてその際の手間を短くしていくのがこれらのショートカットキーというわけです。

10.入力コントロールとVUメーター

いよいよラストです。
これはマクロコントロールも駆使している自信作です。

Shift+_で入力コントロール表示

ミックスコンソールビューの「スパナマーク」→「チャンネルコンポーネント」内に入力コントロールを表示するためのチェックボックスがあります。

デフォルトでは非表示になっているので、何とかこれを常に表示したかったのですが方法を見つけることが出来ず、ショートカットを設定しました。

Shift+?でVUメーター挿入

ここで私が新しく覚えた「マクロコントロール」の登場です。

そもそもこれらを導入したいと思ったのはゲインステージングの必要性を感じてVUメーターを常に表示させたいと思ったからです。
そして入力コントロールでVUメーターに入る音量を調節するためにこれらをセットで使用しています。

あばん

S1純正のメーターなら小さく表示できるから…

もーだん

視認性も作業効率も上がるよね！

キーボード上でも右側のShiftの左隣2個分のキーにショートカットを割り当てているので覚えやすく操作しやすいのも特徴です。

マクロコントロールはまだ諸々勉強中なのですが、ここまで強力だということが分かればどんどん使いこなしていきたいですね。

ショートカットキーは大事

あまりにも当たり前な結論ですが、ショートカットキーは大事です。

デフォルト設定を使いこなすのもままならないのですが、あまり必要でないショートカットも混在していたりして混乱のもとです。
また、作業環境やよく使うコマンドが人によって全然違うので自分なりにカスタマイズされたショートカットキーはとても強い味方になります。

このショートカットキーを設定するにあたって、既に別のショートカットがアサインされたりしていましたが挙動が私にとって必要のなさそうなものだったので上書きしています。
私の設定を参考にしてもらえたら嬉しいですが、皆さんも上書きする際には十分留意してください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

ミックスってホント難しいよね…

もーだん

EQとかコンプとか難しいんだよね…

ミックスと言えば、DTM初心者の1番の悩みの種であり、例え中級者・上級者になってもそれを抜け出せない深い深い沼なのです。
かく言う私もその沼を抜け出せない一人なのですが、素敵なnote記事を見つけました。

有料記事ではありますが、読む価値がある良い記事だと思いましたので今回紹介させていただきます。

概要紹介

その前にひとつ…

この記事を私が書くにあたって、私は筆者から何も受け取っておらず、金銭的な利益が無いことを説明しておきます。
受け取ったものと言えば、自腹購入した記事の濃厚な中身と考え方ぐらいなものです。

至極単純に、「とても良い記事だな」「多くの人に知って貰いたいな」ぐらいの気持ちで書いていることをご了承ください。

筆者について

諸石政興さんというマスタリングエンジニアが執筆されています。
X上での活動報告もさることながら質問箱への回答もたくさんされていて回答の内容や真摯な回答の姿勢が非常に勉強になります。

parasightmastering

noteシリーズについて

現在、7記事が公開・販売されています。
最終更新が1年前なので、続編を今か今かと待ちわびているのですが…。

シリーズ内容は以下の通りです。

Creating depth & Making 3D sound
前書きから始まり、現代的なミックスとは？立体的なミックスとは？と言った、基本的な筆者の考え方などが書かれている。

Frequency Control and the Theories
立体的なミックスは「周波数」「輪郭」「残響」の3つが重要であり、この章では「周波数」にまつわる情報を重点的に記載している。

How to understand EQ
2章で説明した「周波数」を扱う時に欠かせない「EQ」というエフェクターをどう捉えるか？そして、うまく扱うための考え方や実践的なコツを記載している。

Dynamics Control and the Theories
音の輪郭を作る、ダイナミクスとトランジェントについての回。後述する5章に繋がる内容でそもそも「ダイナミクス」とは？「近い音・遠い音」とは？について整理・言及している。

How to understand Compressor
コンプレッサーというエフェクターの動作原理といった基礎的な部分からパラレルコンプやサイドチェーンなどの実践的な内容を解説している。

Saturation Control and the Theories
ミックスのバリエーションを豊かにするために必要な「サチュレーション」とは何か？歪みだけでない重要な側面を説明しつつ、キャラクターごとの筆者おすすめの方法論を紹介している。

How to Treat Saturation？
サチュレーションの倍音とそれらが発揮するキャラクターや効果について言及しつつ、実践的なワークフローについて書かれている。

第1章無料記事分の紹介

まえがき

上記で述べた、全7章は各300円と有料記事ですが、無料で読める部分が章によってはそれなりに多く大事なことを書いていることが多いです。

前書きを読んでいくと、独学スタートで少しずつ努力を重ねて知見や技術を磨いて来られたことが分かります。
本文の中で、

当書籍では、アマチュアだからこそわからない視点、アマチュアではじめたからこそ気づけた視点を交えて、そして、マスタリングエンジニアだからこそ語れるミックスについて語っていきます。

本文より引用

とあるように、難しい言葉を使わずにかみ砕いて図解してくれていたり、実践的なワークを交えながらより理解が深まりやすいように記述してくれています。

オススメのプラグインや具体的すぎる使い方ばかりが載っていて、そもそもミックスがどういうものなのか語られているものは少ないように感じる。
（中略）
だからこそ、ここで僕が読者の皆さんにお伝えしたいのは、インターネットでサクッと調べれば出てくるTIPSのようなものではなくて、考え方、向き合い方だ。
（中略）
そうなってくると、本当に必要な情報は「有名エンジニアの〇〇はこのプラグインを使っています、この機材を使っています」という情報ではなくて、「〇〇さんはその道具をどういう風に捉えている」という情報こそが真に役立つ情報になってくるはずだ。

本文より引用

まさに、情報が民主化されてプロアマ問わず発信ができるようになった今、その情報をどのように理解して自分の中に落とし込めるかの「取捨選択」が肝になっています。

かく言う私も、ミックスのTIPSを探してフンフンと理解したような気になっていますが、そのTIPSの裏に隠れた本質的なプロセスがごっそりと抜け落ちているような気がしてならず、その穴を埋めるためにまた別の「革新的なTIPS」を探す旅に出るという悪循環…。

あばん

そしてプラグインのせいじゃないか？ってなって…

もーだん

二重底の沼に飛び込んじゃうんだよね…

そして、このシリーズに通底する「現代的なミックスとは？」「立体的なミックスとは？」を説明してくれています。

音をボールで考える

それぞれのパートをボールで考え、それを箱の中(2mix)に詰めていく。
音の遠近感を感じさせながら、立体的なミックスを作っていくために必要な工程や方法を書いた2～6章は全て最終的にこの考え方に帰結するように書かれています。

音同士の相対関係をイメージしながら配置をしていく、という大事なフレーズの後に記事は有料部分に入っていきます。

あばん

うおおおお…何と良いところで…

もーだん

これはもっと読みたくなる…

ここから先は、具体的なワークフローだったり、リファレンス曲の選びや使い方を解説してくれています。
気になる方は是非。

オススメできる点

ミックスに向かう姿勢が明確

具体的で局所的なTIPSというよりかは、「そもそもミックスが向かう終着点はどこなのか？」ということが書いてあり、すべてが第1章の「立体的な現代的ミックス」の作り方というところに帰結します。

何章にも渡り体系的に書かれているので、色んなTIPSで頭がこんがらがったりせず、ケースバイケースで応用の効く知識が蓄えられていきます。

EQの章では「相対関係のメリハリをつける時のみにEQは真価を発揮する」と書かれていて、よりクリーンで簡潔なミックスを目指すためにまずはフェーダーでバランスをとることを勧めています。
この文言は、ネット界隈でもたまに見かけますが、その根拠がちゃんと図示されていたりするため理解と納得がしやすいです。

私が読んでいて大事に思った一文を引用しておきます。

ここで強調をしておきたいのは、EQはフェーダーバランスの補足をするモノであって、フェーダーバランスの代わりになるわけではないということだ。
もしも、プロジェクト全体を見渡して、EQがトラックの６割以上にかかっているとしたら、それはフェーダーバランスを見直した方が仕上がりが良くなるはずだ。

本文より引用

科学的な原理も説明してくれる

等ラウドネス曲線や位相についてや、二次倍音や三次倍音など、難しそうな現象やなんとなく知ってるけど…みたいな内容も言葉と図解を使って説明してくれているので、初心者の方も飲み込みやすいのではと思います。

あばん

またこのイラストがね…

もーだん

可愛くて見やすいのよ…

具体的な数値や使い方を上げて、「はい！こんな仕上がりです！」で終わっているのではなく、なぜそう聴こえるのか、実生活からの実験、動作のメカニズムを丁寧に説明してくれています。
それらを知ることで、より柔軟で自分らしさのあるツールの使い方が出来るように一貫して書かれている点がおすすめできる点です。

何度も読み返したくなる

専門書のような難しい言葉もなく、ミックスの土台となる考え方が身に付く本シリーズ。
いわゆる虎の巻というか、代々継がれていくスタジオ内での秘儀みたいな核となる部分の内容が盛りだくさんに含まれていて、非常に勉強になります。

初心者の方は頭の片隅に置いておいて、ミックスの方向性を読み進めながら決めていくのがいいと思うし、中級者以上の方は、自分の今までの制作と向き合いより良いフローを構築するきっかけになります。

何度も書いたように「立体的な現代的ミックス」というゴールに向かってどのツールをどう捉えるかという話に終始しているので、分かりやすく、こんがらがってきたら第1章に戻ればいいという親切設計です。

ネット上では、やけに言葉が強かったり人の作品を貶めたりするのを見かけてしまいます。
自分の事ではないと思っていても胸がモヤモヤしてしまったり、いくら実績がある人でも「こんな言葉遣い、やだなぁ…」と引いてしまったりすることが私はあります。

そんな中、この筆者の文章からは、そういう尖った言葉遣いが見られず安心して読み進められるのも私が推す一つの理由なのかもしれません。

moroishimasaoki｜note

音のエンジニアをしています。が、興味が音だけでおさまらないこともあります。どこにカテゴライズして良いのかわからない想いや気持ちをここに綴っていこうと思います。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

オリジナル曲が作りたいんだけど…

もーだん

具体的にどうしていけばいいのかさっぱり…

自分だけの楽曲という魅惑的な響き。

「歌詞は書けるのに…」「メロディはなんとなくあるんだけど…」
そういった悩みを持っている方も多いのではないでしょうか？

今回の記事では、依頼事例を挙げながら、作業工程を公開＆解説していきたいと思います。（依頼主には許諾済み）

また、ファンタジー系の曲なのでどのような編曲工程を踏めばいいか知りたいという方にも有益な情報をお渡しできると思います。

同じような悩みや、オリジナル曲作りの願望を持っている方の助けとなれば幸いです。

作曲工程〜前編〜

依頼内容について

今回の依頼主は、以下の通りです。
ボーカリスト（歌い手）
歌詞とメロディは作れる
ライブや配信でオリジナル曲を歌いたい
CDを作りたい

あばん

こういう人多そうだよね！

もーだん

自分でやれない所を埋めていく感じだね！

つまり私への依頼内容は
編曲・ミックス・マスタリングとなります。

大部分は編曲という作業が占めていく訳なのですが、それだけじゃないんだよ！というところも含めて今回は全てお伝えしていきたいと思っています。

データ受け渡し＆世界観の共有

まず、依頼主さんのボイスメモをたくさん受け取ります。

そして、曲の歌詞と曲のイメージや使って欲しい楽器などのイメージを聞きます。
当然、参考楽曲や使って欲しい楽器はそれを全部飲み込むわけではなく、私なりのアレンジやアイデアを追加していきます。

参考曲に「忘れじの言の葉」を挙げてもらったので、ファンタジー系の音楽だと理解することが出来ました。これと歌詞を参考にしながら曲の世界観を共有していきます。

作曲工程〜中編〜

ボーカルデータの確認

まずは、聴いてもらいましょう。
貰ったままのデータを一部抜粋します。

あばん

これが今から曲になっていくんだね…

もーだん

それはそれは長い道のりなんだよ…

この貰ったデータをDAWに貼り付けて作業がスタートします。

BPM合わせ＆メロディデータ作り

まず行うのは、ピッチを探りながらBPMや拍子を決めていきます。
ボーカルはソフトシンセを使ってMIDIデータに打ち込んでいきます。
ここが難航ポイントであり曲作りの全てを決めていく部分です。

ポイントとしてはいくつかあって、

作曲者の意図を最大限汲み取る
仮歌の段階でピッチをピタリと当てるのは僕でも難しいので多少スケールから外れていても「ここはこの音だろう」と類推しながら進めていきます。
しかし、頻繁に出てくるメロディが「ん？」という流れであれば、その部分は作曲の中でのこだわりポイントとなるので、それに合う編曲やコードを作る方に切り替えます。

BPMや拍子は慎重に
前述したように1曲分のボーカルを丸々貰うのですが、BPMがどうしても揺れてしまいます。
なので、世界観や参考曲を聴きながら設定していく必要があります。
今回は、3拍子のBPM134で進めていきました。

時間をかけすぎない
この作業、実はかなり大変です…。
ボイスメモの音を聴きつつ、メロダインも参考にしつつ、1番と2番の違いを理解しつつ、ちゃんと歌えてどこが盛り上がりどころになるかを想像しながら作業をしていきます。
そしてこの後に「編曲」というメインの作業が残っているのであまり時間をかけてはいられないのです。

そうして1曲全体のMIDIデータが出来上がります。

コードを付けていく

あばん

ようやく編曲作業に入るんだね！

もーだん

ここからが本番だ…！

普段の曲作りはギターでコードを付けていくことが多いですが、この場合はピアノでコードを付けていきます。
先ほど作ったボーカルのMIDIと付き合わせながら作っていくことが出来ます。

ここが面白いところでもあるのですが、自分では作れないようなコード進行が産まれまくります。

一部抜粋ですが、自分ではなかなか思いつかないコード進行です。
メロディから作っていくとこういう流れにもできるんだと自分の勉強にもなるので一石二鳥です。

この曲の場合、ファンタジーというか不思議で神秘的で妖しい世界観が良いだろうと思ったので分数コードやディミニッシュなど複雑な和音のコードを多用しました。
ここで世界観や曲の流れがおおよそ決まってしまうので、自分の世界観も足しつつ編曲していきます。

これもこの後の「肉付け」の部分に大きく関わってくる大事な作業です。
クリック用のリズムトラックを足してひとまずここの工程は完了となります。

ここまで出来たら、この状態で依頼主さんに音源データを送って、
メロディに不備はないか
BPMや拍子は問題ないか
コードの雰囲気や世界観の方向性
などを確認してもらいます。

もしメロディの不備や変更したいとの連絡が来れば、またデータを送ってもらい、修正をしていきます。

作曲工程〜後編〜

いよいよ楽器を入れていきながら楽曲として生まれ変わらせていきます。

ハープ＆オルゴール

まず、ファンタジーケルトと言えば「ハープ」を入れていきます。
Native InstrumentsのKONTAKT音源で、伴奏とメロディを分けて入れます。

他にも楽器が入るのでスペースを空けながらアルペジオっぽく分散させていきます。

そして、レイヤーするようにオルゴール音源を重ねていきます。

Speldosa | 株式会社ハイ・リゾリューション

Wintergatanによるオルゴール

依頼主のリクエスト部分でもあるので、ここが楽曲の根幹として重ねていきます。

あばん

ファンタジーの雰囲気が一気に出たね。

もーだん

オルゴールもいい味を出してる。

ベース

ベース音源は迷いましたが、MODOBASS2のウッドベースにしました。
アコースティックな雰囲気が出たような気がします。

MODO BASS 2

MODO BASS 2 is the expanded edition of IK’s industry-first physically modeled bass virtual instrument, adding 8 new basses, including new fretless and upright options, a new patterns section with tons of new grooves, advanced performance controls and more ways to enter the MODO BASS world.

温かみがありつつ、3拍子でそんなに動きの多くないベースラインにしました。

バウロン（リズム楽器）

ファンタジーケルト音楽はバウロンという打楽器を使います。
これはKONTAKT音源で以前記事を書きました。

ファンタジーケルト音楽に不可欠！打楽器バウロン音源「Modest bodhrán 2」がめちゃ安いのに高品質だったので報告&レビュー！ 最近オケ制作依頼をよく頂いており、その中でファンタジー系の曲を書きました。その際使用したバウロンという打楽器の音源がとても優良...

ふんわりと楽曲を支えてもらうように入れていきます。

アコースティックギター

ギターを入れて3拍子のリズム感やコード感を補強します。
実際に私が弾いても良いのですが音源がほんとに優秀なんですよね…。

Native Instruments社のものから良い感じのプリセットを選んでいきます。

アイリッシュホイッスル

ETHNO WORLD 6 INSTRUMENTSの詳細情報ページ

BEST SERVICE社製 ソフト音源 「ETHNO WORLD 6 INSTRUMENTS」の製品詳細情報ページです。

ETHNO WORLD 6 INSTRUMENTSという音源で笛の音を入れます。
ボーカルのメロディと対旋律のように打ち込んでいきます。
ボーカルの邪魔にならないようにしながら「ファンタジー」の雰囲気を付けていきます。

あばん

おおお…。かっこいい。

もーだん

魔法が使えそうな雰囲気が出ている…。

パッドっぽいシンセ

SynthMaster 3 for Mac/Windows

SynthMaster is an award-winning software synthesizer by KV331 Audio, available in VST AU and AAX formats. It ranked number 1 in MusicRadar's 'Best VST/AU Synth in the World' poll in 2016 and 2019

最近お気に入りのSynthMaster3で空間を埋めるような揺れている音を入れていきます。
コード進行の時点で妖しい雰囲気が出ているのでボイシングを変えてみて邪魔しないような帯域を探しながら打ち込みます。

編曲が完成

ここまで出来たら「ボーカルメロディ入りver」と「カラオケver」を送って、レコーディングに備えてもらいます。
ひとまずここまでで私の「編曲」の作業は終わりとなります。

劇的ビフォーアフター

それでは一旦聴いて頂きたいと思います。
上記の編曲全部盛りです。

前述したビフォーがこちらです。

あばん

おお…これは凄い…。

もーだん

編曲の力って偉大だね…。

この後の工程としては、
レコーディング
ミックス
マスタリング
となっていくのですが、編曲の部分とは異なる分野になるので別途記事にしていきたいと思います。

ちなみに

レコーディングやミックスまで終わらせたものがこちらになります。

本来ならここで、ボーカルにダブルを加えたりハモリを作ったりもするのですがこの曲では無しでリバーブの雰囲気で神秘的な感じを出しました。

こうやって見てみると

手前味噌ながら、依頼主に寄り添った編曲が出来ているなぁと感じています。

歌詞や参考楽曲を提示してくれると非常に方向性が固めやすくなる印象もあります。
楽曲製作にふわっとした憧れや願望をお持ちの方は、X(旧Twitter)上で依頼先を探してみるのも良いかも知れません。

過去記事にした「深夜の2時間DTM」に参加している方は創作意欲が高く依頼を受け付けている方もお見えになります。（実際は相談してみてください）
クオリティも猛者揃いだと感じています。

作曲・DTMスキルの向上 深夜の2時間DTMという神企画とは？（引用：深夜の2時間DTM） 作曲や編曲技術を上達させたいというのは初心者のみならず誰もが掲げる永遠のテーマですよね。 ...

そして！
そして！
本記事を読んで私に興味を持ってもらえた方は、上記作業を提供しているのでページ上部の「お問い合わせ」や各種SNSからのDM等でぜひ相談してみてください。
ただ、私が遅筆かつ、出来るだけ依頼者の要望に寄り添いたいということもあり、多くお受けできない事があるので、納期や料金など相談していただければと思います。

また、本記事はYouTubeでも解説していますので良かったらご覧ください。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。

あばん

ついに僕たちにも来たんですよ！！！

もーだん

Unlimitedって素敵な響きだ…

以前からアナウンスされていたTuneCoreJapanのUnlimitedプラン。
早期アクセス版の案内が来た！というツイートもX等で散見されており、私自身首を長くして心待ちにしていたのですがようやく来てくれました。

しかし、プラン内容等の情報が出回っておらず、検討することもままならないと思ったので、同じような境遇の方にこの記事が参考になれば幸いです。

Tunecoreからの案内

プラン内容

早速ですが、プラン内容は下記の通りでした。

注意事項

早期アクセス版（ベータ版）では、一部不具合の可能性や途中で仕様が変更される場合がありますのであらかじめご了承ください。
音楽配信プランの併用はできないため、一部のリリースをPay Per Releaseプランにし、他のリリースをUnlimitedプランにすることはできません。
現時点ではUnlimitedプランに切り替えた後、Pay Per Releaseプランに戻すことはできません。また2年/3年パックの利用料の払い戻しは不可となりますのであらかじめご注意ください。
現時点ではUnlimitedプランに切り替えた後、下位のプランにダウングレードすることはできませんのでご注意ください。たとえば、スタンダードプランからスタータープランへダウングレードすることはできません。
配信したリリースは今までのリリースとおなじように各配信ストアへ配信されますが、プランによって配信までの期間が異なります。
個人/法人で提供されるUnlimitedプランが異なります。利用料金(規定)をご確認ください。

あばん

あくまでベータ版だから…

もーだん

正式リリース時に変更があるかもね。

メール内容

こんな感じのメールが来て記載されているURLから回答を申請すると、Unlimitedプランの早期アクセスが解放されるようになるみたいです。

各プランの比較

個人の配信状況

現状、私たちアバンdeモーダンは4枚のアルバムをリリースしています。
良かったら聴いてみてください。

Pay Per Releaseプランの場合アルバム1枚約5,000円ほどかかるので、単純計算で年間約20,000円かかるようになっています。

また、これからも音楽活動を進めてアルバムリリースが増えていく事を考えると今回の新プランは非常に魅力的に見えます。

スターターとスタンダード

現実的に検討するならこの2つのプランのどちらかかと。

スプリットや速報レポート、最短配信日などの違いもありましたがプラン比較の画像を見ていく中で個人的に気になったのが2点ありました。

最大アルバム楽曲数

スタータープランは1アルバムに入れられる最大曲数は5曲まで。
スタンダードは15曲までとなっています。
配信し放題とは言っても、アルバムの曲数が制限されてしまうのはかなり痛手です。

あばん

アルバムを2つに分ければいいのかも知れないけど…

もーだん

あまり本意では無いんだよね…

歌詞の追加

まだUnlimitedプランで配信して無いので分からないですが、スタータープランだと歌詞が出せないみたいです。
私たちのような歌ものの曲を配信している人にとって歌詞が表示されないのは…ちょっと無理というか論外というか…。

歌詞も含めて楽しんでほしいので、スタータープランは候補から外れてしまう気がしてなりません。そこも込みでのプラン設定なのでしょう。

あばん

やるなぁ、Tunecore…

プロプランは…？

大きな違いとしては、

有料で1組アーティストを追加できる
サブミット機能が利用できる
1アルバム50曲まで入れられる

このあたりです。

アーティスト追加は、別名義で曲をリリースした時に使えるなと思いますが、今現状の私達にはそこまで価値がないように思います。

サブミット機能というのは、

新譜リリースをサブミットすることで、バナー・ピックアップ欄・プレイリストなど、配信ストア上であなたの楽曲が展開・紹介がされやすくなる場合があります。リリースする作品・アーティストの活動内容について、できるだけ多くの情報をサブミットしましょう。詳しくは Submit（サブミット）のご利用について をご覧ください。

要するにプロモーション機能です。
しかし、「楽曲が展開・紹介がされやすくなる場合が」あるということなので、必ずピックアップされるということではありません。

このプロモーションに、スタンダードプランとの差分の価値を見出せるかがカギになりそうです。

個人的には…？

スターターかスタンダードで考えていましたが、現状ではスタンダードプラン一択の気がしています。

スタータープランは配信をこれから始めていく人や、他のディストリビューションサービスに対抗するためのお試しプランという気がしています。

プロプランのサブミット機能も魅力的なのは間違いありませんが…。
ここは各アーティストさんの考え方に依る部分が大きいでしょう。

あばん

Tunecore側もスタンダードプラン以上が嬉しいんだろうね…

もーだん

まぁ難しいところだよね。

配信したいアルバムもある

去年の4月にリリースした「歴史の残滓」というアルバムがまだ配信できておらず、いずれかの新プランでの配信が濃厚です。

まだ早期アクセス版（ベータ版）ということを考えると、正式リリースまでに何かしらの変更があるかもしれません。

また前述した「注意事項」の欄にもプランのダウングレードが出来ない旨の記載がありました。慎重にプランの選定を進めたいと思います。

このブログ記事が、皆さんの音楽制作に役立つ情報を提供できることを願っています。
さらに詳しい情報や、ご意見ご感想があればぜひコメントをお待ちしています。